Хореографы эпохи Просвещения

          Волшебный мир танца! Кто из нас не восхищался этим вечно молодым искусством, не испытал той радости, которую дарит людям балет?

          Балет – это вид сценического искусства, содержание которого раскрывается в танцевально-музыкальных образах.

          Истоки его в народных танцах.

          Прошло много лет, исторических эпох, прежде чем из примитивных пластических движений человека возник один из сложнейших видов искусства – балетный спектакль. Постепенно рождались хореографические формы, передающие в живых картинах пластическую красоту движений, создавались и ломались традиции.

          Балет как таковой  начал формироваться в Европе в ХVI веке. С тех пор искусство балета прошло долгий и сложный путь становления и развития.

          В переводе с латинского языка само слово классический означает образцовый. Балетмейстер в переводе с немецкого – мастер балета, а в современном понимании – авторов и постановщиков балетов, хореографических миниатюр, танцев.

          В нашу страну балет пришел в XVII веке, а первые балетны представле-ния появились в XVIII столетии. Нашими балетмейстерами созданы своеобразные, неповторимо прекрасные спектакли. И не случайно многие балеты мира включают в свой репертуар такие балеты, как «Спящая красавица»,  «Лебединое озеро», «Шопениана» и др.

         Бережное отношение к классике – один из главных признаков образован-ности и культурного уровня современного человека.

 «Балет представляет собой картину или, вернее, последовательный ряд картин, связанных в одно целое определенным действием. Сцена, если можно так выразиться, - это тот холст, на котором запечатлевает свои мысли балетмейстер; надлежащим подбором музыки, декорации и костюмов он сообщает картине её колорит, ведь балетмейстер – тот же живописец. Хорошо сочиненный балет должен являть собой живую картину страстей, нравов, обычаев, обрядов и бытовых особенностей какого-нибудь народа. Следовательно, о каком бы жанре ни шла речь, он должен… говорить с душой зрителя…

Если балет лишен  выразительности, если в нем нет ярких картин, сильных положений, он будет всего лишь зрелищем холодным и однообразным».

Ж. Ж. Новер

 

 

                                    Первые танцы древности

         Первые танцы древности были далеки оттого, что в наши дни называют этим словом. Разнообразными движениями и жестами человек передавал свои впечатления от окружающего мира, вкладывая в них своё настроение, своё душевное состояние. Возгласы, пение, пантомимная игра были взаимосвязаны с танцем. Сам же танец всегда, во все времена был тесно связан с жизнью и бытом людей. Поэтому каждый танец отвечает характеру, духу именно того народа, у которого он зародился. С изменением социального строя, условий жизни менялись характер и тематика искусства, изменялся и танец. Своими корнями он глубоко уходил  в народное творчество.

         Пляски были очень распространены у народов древнего мира. Танцующие стремились к тому, чтобы каждое движение, жест, мимика выражали какую-нибудь мысль, действие, поступок. Выразительные танцы имели огромное значение и в быту, и в общественной жизни.

                                              Первые балеты

         В средневековой Европе, в странах, принявших христианство, в храмах изображали божественные мистерии – религиозные драмы. Широко были распространены священные фарсы – комедийные представления с пением и танцами.

         Пляски религиозного содержания исполнялись и на пирах. Их назначение было занимать гостей на празднествах в промежутках между переменами блюд. Поэтому их называли – междуяствиями. Позднее такие пляски чередовались со светским танцами. Впервые это было при дворе французского короля  Рене в 1462 году. В середине века появились и новые бытовые танцы.

         Во Франции, например, бытовые танцы назывались бранли – от слова branle, т. е. качание, хоровод. Танцевали его под пение или аккомпанемент волынки.

         Бранли распространяли бродячие артисты-потешники. Они много сделали для развития танцев в Западной Европе: усложнили их технику, придумыва-ли целые представления.

         В городах ремесленные цехи, гильдии имели свои залы, где устраивали цеховые праздники, увеселения, вечеринки. Они сопровождались танцами с мечами, с обручами, с гирляндами цветов. Танцующие отличались музыкаль-ностью, находчивостью и акробатической ловкостью.

        В конце средних веков во Франции и в других странах Европы при дворах начали ставить первые балеты. Например, в 1489 году Бергонцо ди Ботта из Тортоне в честь герцога миланского Галеацо Висконти и его невесты Изабеллы Арагонской дал пышное представление с танцами, музыкой, пением и декламацией. Подобные зрелища до конца средних веков имели место при каждом дворе, но повсюду они были разными.

         Профессионалы-хореографы средних веков своим мастерством подняли искусство исполнения танца на новую высоту. Их достижения явились тем фундаментам, на котором позднее сформировался классический академический балет.

         Большое влияние на развитие  танца в средние века оказал итальянский композитор Монтеверди. В своих произведениях он впервые объединил речитатив, хор, танец и оркестр.

         В XVI веке был сделан большой шаг вперед в развитии техники танца. Ведущими хореографами того времени были Фабрицио Карозо и Чезаре Негри в Италии, Бальтазарини и Туано Арбо во Франции.

         Приход в балет профессионально обученных исполнителей способствовал дальнейшему развитию танца. Постепенно балет становился самостоятельным видом искусства, обновлялась танцевальная техника, оживлялся темп, облегчался костюм.

         В XVII веке балетные спектакли становятся более разнообразными, компо-зиции их усложняются. Танец обогащается новыми приёмами и движениями

         Все роли в балетах исполняли мужчины. В 1681 году на публичной сцене впервые появились женщины в балете Шарля Бошана «Триумф любви». Сре-ди танцовщиц была и знаменитая балерина Лафонтен.

Замечательным событием стало открытие во Франции в 1661 году Королев-ской академии танца.

         Появляется новый жанр – комедия-балет. Его основатель – великий французский драматург, актер и режиссер Жан Батист Мольер (Поклеен) (1622-1673). Танцы для комедий-балетов Мольера, опер-балетов, дивертисментов ставил Пьер Бошан (1636-1705). За свою долгую жизнь он много сделал для развития классического танца: ввел пять позиций ног, разработал свою систему сценического танца. 21 год он был балетмейстером французской Королевской академии музыки, как тогда называли театр оперы и балета в Париже.

         В XVI – первой половине XVII века в Англии получил распространение особый жанр театральных представлений – маски, в которых танцевали ряженые, в масках знатные любители. Лучшие маски – спектакли-маскарады с пением, танцами, пантомимой, декламацией – назывались: «Маска прекра-сного Лондона», Маска красоты», «Балет черных нимф», « Призывы купидона». Жанр маски – один из первых опытов создания в Англии хореографического театра.

                               Хореографы эпохи просвещения

         Век XVIII, в котором разворачивалась деятельность философов-просвететелей: Руссо, Вольтера, Дидро и других, - многое изменил в общественной жизни, что отразилось на развитии литературы, музыки, живописи, театра, в том числе балета.

         Придворно-аристократическому бессодержательному балету они противо-поставили свою, новую эстетическую программу: осмысленность, действенность,  содержательность.

          В Италии, Франции, Англии хореографы, каждый по-своему, искали четко выраженную форму нового балетного спектакля, новые возможности танце-вальной техники, пантомимы, музыки, декоративного и костюмного оформ-ления. Появились смелые новаторы, которые пытались освободить балет от рутины, от однообразия и штампов.

         Джон Рич (1691-1761) – английский актер театра пантомимы. Он смело вводил танцевальные сценки в свои спектакли, танцы связывал с сюжетом пантомимного действия и, что самое главное, музыку подбирал так, чтобы она соответствовала действиям в спектакле. («Метаморфоз», «Волшебник, или Арлекин доктор Фауст»).

         Джон  Уивер (1673-1760) первый поставил на Английской сцене сюжетно-действенный балет без слов и пения. («Трактирные завсегдатаи», «Любовь Марса и Венеры»). Написал трактат, где изложил свою классификацию танцев, свою систему сценических жестов, своё понимание гармонии сюжета и пластики.

        Австрийский балетмейстер Франс Хильфердинг (1710-1768) выдвинул свою творческую программу. Главное – превратить балет в самостоятельный театральный жанр, основное внимание – драматургии балетного спектакля, и наконец, приближение балета к правде жизни. Спектакли «Идоменей», «Альзира», «Британик». Он оставил придворный стилизованный условный костюм, но убрал маски. Поднял актёрское исполнительское искусство на новую высоту, заставил танцовщиков и танцовщиц свободнее держаться на сцене и тем открыл перспективы создания настоящих человеческих характеров.

          Гаспаро Анджолини (1731- 1803) – балетмейстер, либреттист, музыкант он стремился превратить балет в музыкальную драму.

          Жан Жорж Новер (1727-1810) стремился воскресить искусство панто-мимы, наполнить балетный спектакль глубоким содержанием.

          До Новера во Франции танец на сцену допускался лишь как чисто декора-тивная вставка в оперу, как изысканная, нарядная, но малосодержательная интермедия, как дивертисмент. Он хотел , чтобы балет стал искусством в высоком смысле слова. В книге «Письма о танце и балете» хореограф утверждал свою эстетику балетного искусства. Впервые книга вышла в 1760 году в Штутгарте.

          Жан Доберваль (1742-1806), ученик Новера, развил дальше его теорети-ческие положения и практические поиски. Важное место в его балетах зани-мал народный танец, ритмизованная пантомима, естественный жест. Балет-мейстер создал  ярко очерченные характеристики героев, используя элемен-ты жанро-бытовых танцев, смело вводил новые темы, насыщая спектакль реалистическим деталями ,разрабатывая конкретные, исторически правдивые образы.

         Борьба с рутиной и однотипной техникой за естественность и содержа-тельность исполнительского искусства велась не только балетмейстерами, но и артистами балетного театра. Среди них были две знаменитые танцовщицы XVIIIвека – Мари Сале и Мари Камарго.

         Достижения итальянского балетного театра в конце XVIII века наиболее полно нашли отражение в творчестве балетмейстера и артиста Сальваторе Вигано (1769-1821). Сюжет своих балетов он строит на основе литературных произведений. Так, в 1818 году на сцене миланского театра «Ла Скала» Вигано поставил трагедию-балет «Весталка» по одноимённой опере Спонтини.

         С 1801 года Вигано ставил балеты, которые современники называли хореодрамами.

         Если в итальянском театре было принято массовые сцены выстраивать по четким линиям, от Вигано, добиваясь синхронности движения кордебалета, разбивал массовые сцены на живописные фигуры. Всё это дополнялось мимикой артистов и выразительностью их жестов.

В 30-е годы XIX столетия достигло своего расцвета новое художественное направление в искусстве – романтизм. В хореографии оно способствовало обновлению тематики спектаклей, утверждению новых сценических приёмов.

  В 1832 году в Парижской Опере был впервые показан балет Филиппо Тальони «Сильфида». В романтическом балете возросла роль ведущей танцовщицы, поднялось значение и унисонного женского кордебалета. В «Сильфиде» танец  и пантомима переплетались естественно и незаметно. Содержание балета и чувства героев раскрывались с помощью танцевальных движений, танец стал основным выразительным средством балетного спектакля.

Жюль Перро (1810-1892) –  романтический балетмейстер с ярко выраженными демократическими тенденциями. Он стремился в языке движений найти средства раскрытия характеров героев и ситуаций танца. Внес в танец смысл и действие, первый ввёл pas d’actions, pas de trois, pas de guatre в той классической форме, которая нам известна сейчас.

Мария Тальони (1804-1884) была самой яркой  звездой романтического классического  балета. В её танце были необычные прыжки, полёты, остановки в прекрасных позах, сам танец сказочно воздушен, поэтичен, но героини довольно однообразны. Это – виллиса, наяда, русалка. Все они погибали с несбывшимися мечтами.

      Ритм и пластика в танце  начала ХХ века

В начале ХХ века хореографическое искусство на Западе переживает упадок. Классический балет как жанр практически  перестаёт существовать. На смену  ему приходят всевозможные ритмопластические  танцы. В каждой стране они называются по-разному: в одних – современный танец, в других – выразительный, свободный, художественный, ритмопластический и т. д.  Но их всех объединяло одно – их создатели отрицали классический танец как устаревший и неспособный раскрывать современные темы и образы. Танцы Востока, Египта, Индии, Греции, Ассирии, Древней иудеи составляли их эстетическое кредо. Наиболее ярким представителями этого направления в хореографии были: Айседора Дункан, Франсуа Дельсарт, Эмиль Жак-Далькроз.

Франсуа Дельсарт (1811-1887) занимался изучением свободной пластики детей, взрослых и душевнобольных. Он систематизировал их движения, жесты, позы по смыслу, по эмоциональной окраске, по ритму. Многие из его находок нашли применение в современной художественной гимнастике, но отсутствие системы и методики преподавания не дали возможности его идеям оформиться в определенную школу.