История импрессионизма

 

Эдгар Дэга «Абсент»:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Огюст Ренуар

В юные годы художнику пришлось для заработка заниматься живописью  по фарфору и расписыванием вееров и штор. Это занятие наложило известный  отпечаток на его дальнейшее творчество. Он навсегда сохранил любовь к чистым, незамутненным краскам на белом  просвечивающем грунте, а знакомство с художниками XVIII века, прежде всего  с Ватто, Буше и Ланкре, определило сюжеты его росписей вееров и тканей.

Общение с К.Моне, Сислеем и другими импрессионистами и работа на пленэре вместе с Э.Мане оказали решающее воздействие на Ренуара. От ранних произведений, близких по системе живописи Курбе, он переходит к импрессионистической манере. Расцвет его творчества падает на 1870-е годы. В дальнейшем, после посещения Италии и увлечения искусством Возрождения и помпейскими фресками, он на какое-то время изменяет ей. Однако после краткого периода поисков пластически ясной формы, именуемого "классическим" или "энгровским", он возвращается к прежней манере. 
Наивысшие достижения Ренуара связаны с изображением женщин и детей. Его излюбленный тип - женщины с пышными формами, припухлыми губами, курносым носиком и очаровательно бездумными глазами. Он пишет их одетыми и обнаженными, на улице под дождем, на качелях в саду, во время купанья или за завтраком с загорелыми лодочниками. Его модели - девушки из народа и небогатые буржуазки, здоровые и свежие, не знающие корсета и не стесняющиеся своей наготы.

В портретах Ренуара не интересует внутренний мир человека, хотя он прекрасно умеет передать внешний облик и мимолетное настроение модели. Поэтому столь удачны и  привлекательны его женские портреты и столь банальны и невыразительны лица мужчин. Особенно очаровательны  его изображения детей с их живой непосредственностью и  своим, совсем непохожим на взрослый миром, быть может, лучшие в европейской  живописи XIX века.

Картины Ренуара кажутся  написанными на едином дыхании, хотя он больше, чем другие художники-импрессионисты, уделял внимания живописной технике. Он пишет то мелкими, положенными рядом  мазочками, то широкими полупрозрачными мазками, перетекающими друг в друга, и тогда сквозь них просвечивает холст, а живопись своей прозрачностью напоминает акварель. Тонко нюансированные лессировки сменяются густыми, плотнозернистыми кусками живописи, причем очень часто эти приемы соседствуют в одной картине. Кажется, что художнику доставляло особое наслаждение разыгрывать эти блестящие красочные гармонии, которые были выражением его артистического темперамента. Он продолжал работать до глубокой старости, привязывая кисти к сведенным подагрой пальцам.

 

Огюст Ренуар «Танец в городе» и «Танец в  деревне»:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Огюст Ренуар «Портрет девочки»:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Клод Моне

Самое последовательное, но и далеко идущее выражение импрессионизм  получил в творчестве Клода Моне (1840-1926). С его именем нередко связывают такие достижения этого живописного метода, как передачу неуловимых переходных состояний освещения, вибрацию света и воздуха, их взаимосвязь в процессе непрестанных изменений и превращений. "Это, несомненно, было великой победой искусства Нового времени, - пишет В.Н.Прокофьев и добавляет: - Но и финальной его победой". Не случайно Сезанн, пусть несколько полемически заостряя свою позицию, утверждал позднее, что искусство Моне - это "только глаз". Ранние работы Моне вполне традиционны, их живопись свидетельствует о связи с искусством Курбе и барбизонцев. В них еще присутствуют человеческие фигуры, которые в дальнейшем все более превращаются в стаффаж и постепенно исчезают из его картин. В 1870-х годах окончательно складывается импрессионистическая манера художника, отныне всецело посвятившего себя пейзажу. С этого времени он работает почти исключительно на пленэре. Именно в его творчестве окончательно утверждается тип большой картины-этюда.

Одним из первых Моне начинает создавать серии картин, в которых  один и тот же мотив повторяется  в разное время года и суток, при  разном освещении и состоянии  погоды. Так появляются его знаменитые серии, посвященные вокзалу Сен-Лазар, полям цветущих маков, Руанскому  собору, лондонским мостам и др. Не все  они равноценны, но лучшие полотна  этих серий поражают свежестью красок, интенсивностью цвета и артистизмом  передачи эффектов освещения. В поздний период творчества в живописи Моне усиливаются тенденции декоративизма и плоскостности. Яркость и чистота красок превращаются в свою противоположность, появляется какая-то белесость.

Клод Моне «Собор в руане»:

Клод Моне «Маки»:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Клод  Моне «Утес Уелк в Пурвилле»:

 

 

 

 

 

 

Альфред Сислей

Сислей  Альфред — французский живописец-пейзажист, представитель импрессионизма. По происхождению англичанин, сын коммерсанта. Учился в Париже в мастерской Ш. Глейра (1861—63), где сблизился с К. Моне, О. Ренуаром и Ф. Базилем. Испытал влияние К. Коро. Камерное и скромное по звучанию творчество С. посвящено в основном окрестностям Парижа, природе Иль-де-Франса. Его пейзажи (простые по мотиву, с излюбленным С. мягким освещением) исполнены тонкого лиризма и свежести чувств; им присущи сдержанная, но в то же время изысканно лёгкая, светлая гамма цветов, ровная, чуждая эффектам манера письма («Мороз в Лувесьенне», 1873, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва). С середины 1880-х гг. в живописи С. нарастают черты декоративизма.

Альфред Сислей «Мороз в Лувесьенне»:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Камиль Писсарро

Более сложен был творческий путь Писсарро, единственного художника, участвовавшего во всех восьми выставках импрессионистов, - Дж. Ревалд называл его "патриархом" этого движения. Начав с пейзажей, близких по живописи барбизонцам, он под влиянием Мане и своих молодых друзей начал работать на пленэре, последовательно высветляя палитру. Постепенно он вырабатывает свой собственный импрессионистический метод. Одним из первых он отказался от употребления черной краски. Писсарро всегда был склонен к аналитическому подходу к живописи, отсюда его эксперименты по разложению цвета - "дивизионизму" и " пуантеллизму". Однако вскоре он возвращается к импрессионистической манере, в которой созданы его лучшие произведения - замечательные серии городских пейзажей Парижа и Руана. Их композиция всегда продумана и уравновешенна, живопись утонченна по цвету и виртуозна по технике.

Писсарро, единственный из импрессионистов, не склонных к отвлеченным рассуждениям, которые им часто приписывались задним числом, пережил краткий период увлечения пуантеллизмом (от французского point - точка). Эта теория была, в сущности, умозрительно доведенным до предела принципом импрессионизма, которому его классики никогда не следовали буквально. Ее создатели Жорж Сёра (1859-1891) и Поль Синьяк (1863-1935) стали писать картины раздельными мазками (другое название этого течения - дивизионизм, от division - разделять), полагая, что чистые, несмешанные краски, наложенные на белый грунт, должны сливаться в глазу зрителя. Они пытаются возродить декоративно-монументальную композицию, освободив ее от нарочитой случайности и фрагментарности.

Камиль Писсаро «Дети, сидящие в саду Эраньи»:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Камиль Писсаро  «Площадь Французского

театра в Париже»:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Камиль Писсаро «Понтуаз»:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Заключение

 

Импрессионисты разработали законченную систему пленэра. Импрессионистическая картина представляет собой отдельный кадр, фрагмент подвижного мира. Этим объясняются, с одной стороны, равноценность всех частей картины, одновременно рождающихся под кистью художника и одинаково участвующих в образном построении произведения; с другой стороны — кажущиеся случайность и неуравновешенность, асимметрия композиции, смелые срезы фигур, неожиданные точки зрения и сложные ракурсы, активизирующие пространственное построение; теряя глубину, пространство порой «выворачивается» на плоскость или же уходит в бесконечность.

Импрессионизм ввёл в искусство новые темы, осмыслив эстетическую значимость многих сторон реальности. Произведения зрелого импрессионизма отличаются яркой и непосредственной жизненностью. В то же время для импрессионизма характерно и выявление эстетической самоценности и новых выразительных возможностей цвета, подчёркнутая эстетизация способа выполнения, обнажение формальной структуры произведения; именно эти черты, только зарождающиеся в импрессионизме, получают дальнейшее развитие в неоимпрессионизме, постимпрессионизме. В 1880—1910-х гг. импрессионизм оказал значительное влияние на многих живописцев других стран, которое проявилось в освоении новых сторон действительности, в овладении эффектами пленэра, высветлении палитры, эскизности манеры, усвоении отдельных технических приёмов. Некоторые принципы импрессионизма — передача мгновенного движения, текучесть формы — в различной степени сказались в скульптуре 1880—1910-х гг. у Э. Дега и О. Родена во Франции, М. Россо в Италии, П. П. Трубецкого и А. С. Голубкиной в России. В то же время повышенная живописность импрессионистической скульптуры вступала порой в противоречие с осязательностью и телесностью, присущими самой природе скульптурного образа. Традиции импрессионизма ощутимы во многих реалистических течениях в искусстве 20 в. Импрессионизм в изобразительном искусстве оказал известное влияние на формирование некоторых принципов импрессионизма и на развитие выразительных средств в литературе, музыке и театре; однако в этих видах искусства импрессионизм не стал целостной художественной системой этапного значения.

 

 

 

 

Литература

Мейер-Грефе Ю., Импрессионисты – М., 1913.

Ревалд Дж., История  импрессионизма.— М., 1959.

Чегодаев А. Д., Импрессионисты. – М., 1971. 

Яворская Н. В., Пейзаж барбизонской школы – М., 1962.