Экспрессионизм. Изображение человека, нестандартными вы-разительными средствами, на основе работ Эгона Шиле

Из числа крупных представителей течения только Кокошка (1886—1980) застал возрождение всеобщего интереса к экспрессионизму в конце 1970-х гг. [4,c.79]

 

 

 

1.2.Художники экспрессионисты. Эгон Шиле, как наиболее яркий представитель экспрессионизма

 

Стремление к «экспрессии», обостренному самовыражению, напряженности эмоций, гротескной изломанности, иррациональности образов, наиболее ярко проявилось в культуре Германии и Австрии. Наиболее яркими художниками были :

 

Август Маке

Один из ярких представителей немецкого экспрессионизма. Интерес к живописи проявился у Августа Маке ещё в родительском доме. В 1904 г. появился его первый альбом эскизов. Всего их в короткой жизни Маке было 78. В это время Август Маке познакомился с творчеством Арнольда Бёклина, однако со временем степень его влияния на творческое развитие Маке снизилось. В альбоме по следам своей поездки в Италию в 1905 г. этюды Маке значительно упростились и отражают эксперименты художника со светом. Картины Маке в этот период выполнены небольшим количеством тёмных тонов.         

В Базеле Маке познакомился с творчеством импрессионистов — художественного течения, практически неизвестного в то время в Германии. Первые картины Маке отражают результаты творческой переработки художником идей импрессионизма. Во время одной из первых поездок в Париж Маке особенно поразили полотна Мане. Его альбом эскизов пополнился рисунками из жизни города на Сене. Очевидным является также влияние на Маке Тулуз-Лотрека.  Позднее Маке учился у Ловиса Коринта. Во время этого краткого по времени обучения появилось 15 альбомов эскизов Маке. Основными темами для них служили театр, кафе и люди города.         

Как и в Париже, в Берлине Маке проводит время в музеях, изучая искусство Ренессанса и живопись XIX в. К 1909 г. у Маке образовался широкий круг знакомых в художественной среде.        Маке основал сообщество художников «Синий всадник». С 1911 г. Маке не только художник. Его обширные связи среди художников и руководства музеев по всему миру позволили ему заняться организацией выставок. Работы Пауля Клее, Кандинского и представителей художественного сообщества «Брюкке» («Мост») участвовали в выставках благодаря Маке.         

Работы Маке участвовали и во второй выставке «Синего всадника» в мюнхенской галерее Ганса Гольтца в 1912 г. Благодаря дружеским отношениям художника с французским художником Робертом Делоне Маке познакомился с абстрактной живописью. В 1913 г. Маке переехал в Швейцарию. Для него этот год был чрезвычайно продуктивным. В его работах, посвящённых человеку и природе, чувствуется влияние многих художников.         

Вместе с Паулем Клее и Луи Моллье Маке предпринял краткую поездку в Тунис, в ходе которой появилось большое количество знаковых акварелей художника. Сделанные в поездке эскизы и фотографии послужили основой для написанных им позднее маслом картин. Маке часто ездил во вдохновлявший его в творчестве южный Шварцвальд. Последняя картина Маке под названием «Прощание»[см.Приложение 1] оказалась пророческой. 8 августа 1914 г. Маке был призван в армию и погиб в бою 26 сентября в возрасте 27 лет. [2,c.248]        

 

Пабло Пикассо

 

Пабло Пикассо - испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Пикассо - изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ.

 Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Живописи учился сначала у своего отца X. Руиса, затем в школах изящных искусств: в Ла-Корунье (1894—1895 гг.), Барселоне (1895 г.) и Мадриде (1897— 1898 гг.). В 1901 - 1904 годы Пикассо создает картины так называемого "голубого периода", которые написаны в гамме синих, голубых и зеленых тонов; в 1905 - 1906 годах появляются работы с преобладанием золотисто-розовых и розово-серых оттенков ("розовый период"). Оба этих цикла картин посвящены теме трагического одиночества обездоленных людей, жизни странствующих комедиантов. В 1907 году Пабло Пикассо создал картину "Авиньонские девушки", которая стала началом перехода Пикассо от реалистических традиций к авангардизму. Вскоре Пикассо основывает новое направление в творчестве - кубизм, чему во многом способствовало увлечение художника африканской скульптурой. Пабло Пикассо разделяет предмет на составные геометрические элементы, превращая тем самым реальность в игру отвлеченных деталей. Позже Пикассо начинает эксперименты с фактурой, он использует в своих работах, например, обрывки газет и другие предметы. Период кубизма в творчестве Пабло Пикассо завершают такие его работы, как "Бутылка аперитива" (1913) и "Три музыканта" (1921). В дальнейшем в творчестве Пикассо возникли неоклассические тенденции, в его работах преобладают изящные линии ("Три женщины у источника" (1921), "Мать и дитя" (1922)). Начиная с 1936 года в творчестве Пикассо находят отражение современные события ("Плачущая женщина" (1937), "Кот и птица" (1939)), Пикассо становится участником Народного фронта во Франции, участвует в борьбе испанского народа с фашистской агрессией. Пабло Пикассо создает серию работ "Мечты и ложь генерала Франко", монументальное произведение "Герника" (1937)[см.Приложение 2].  В последующих работах Пикассо антивоенные сюжеты занимают большое место, в 1947 году он создает известного "Голубя мира", в 1952 году появляются его работы "Мир" и "Война".[8,c.96]

 

 

 

 

Марк Шагал

 

Шагал Марк - график, живописец, театральный художник, иллюстратор, мастер монументальных и прикладных видов искусства; выходец из России. Один из лидеров мирового авангарда 20 века, Шагал сумел органически соединить древние традиции иудейской культуры с остросовременным новаторством. Родился в Витебске 24 июня. Все творчество Шагала изначально автобиографично и лирически исповедально. Уже в ранних его картинах доминируют темы детства, семьи, смерти, глубоко личностные и в то же время «вечные» ("Суббота", 1910). Со временем на первый план выходит тема страстной любви художника к своей первой жене - Белле Розенфельд ("Над городом", 1914–1918). Характерны мотивы «местечкового» пейзажа и быта вкупе с символикой иудаизма ("Ворота еврейского кладбища", 1917). 
Однако, вглядываясь в архаику, в том числе и в русскую икону и лубок (которые оказали на него большое влияние), Шагал примыкает к футуризму и предугадывает будущие авангардные течения. Гротескно-алогичные сюжеты, резкие деформации и ирреально-сказочные цветовые контрасты его полотен ("Я и деревня", 1911[см.Приложение 3]; "Автопортрет с семью пальцами", 1911–1912,) оказывают большое влияние на развитие сюрреализма. По мере достижения пика славы его манера – в целом сюрреально - экспрессионистская – становится все легче и раскованней. Не только главные герои, но и все элементы образа парят, слагаясь в созвездия цветных видений.[3,c.196]

 

Кандинский Василий

 

 Кандинский Василий - русский и немецкий художник, теоретик искусства и поэт, один из лидеров авангарда первой половины 20 века; вошел в число основоположников абстрактного искусства. С 1897 года жил в Мюнхене, где занимался в местной Академии художеств под руководством Франца фон Штука. Много путешествовал по Европе и Северной Африке (1903–1907), с 1902 года Василий Кандинский жил в основном в Мюнхене, а в 1908–1909 в селе Марнау (Баварские Альпы). От ранних, уже достаточно ярких импрессионистских картин-этюдов перешел к бравурным, цветистым и «фольклорным» по колориту композициям, где суммировались характерные мотивы русского национального модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной культуры (картины "Пестрая жизнь"[см.Приложение  4], "Дамы в кринолинах" и другие).Василий Кандинский полагал, что лучше всего оно выражается прямым психофизическим воздействием чистых красочных созвучий и ритмов. В основе последующих «импрессий», «импровизаций» и «композиций» художника (так сам Кандинский различал циклы своих работ) лежит образ прекрасного горного пейзажа, как бы тающего в облаках, в космическом небытии, по мере мысленного воспарения созерцающего автора-зрителя. Драматургия картин маслом и акварелью строится за счет свободной игры цветовых пятен, точек, линий, отдельных символов.

 

Леже Фернан

 

Леже Фернан  - французский художник-экспрессионист. Родился в 1881 году во Франции, в Аржантане. Леже получил двухлетнее архитектурное образование, позднее был вольным слушателем Школы изящных искусств в Париже. Начиная с 1910, Леже - активный участник салона des Independants. Его ранние картины ("Обнаженные в лесу", "Сидящая женщина") написаны в стиле кубизма. Вместе с Браком и испанским художником Пабло Пикассо Леже сыграл важную роль в формировании и распространении кубизма. Участие Леже в первой мировой войне повлияло на стиль его последующих работ. В своих картинах Леже стал использовать много технократических символов, изображая свои объекты и людей в урбанистических, техногенных формах. "Город" - одна из его наиболее примечательных картин в этом плане. Работы Леже оказали немаловажное влияние на формирование неопластицизма в Нидерландах и конструктивизма в Советском Союзе. В середине ХХ века Леже имел успех и как художник декоративно- прикладного искусства, и как скульптор. Создавая мозаику, керамику и гобелены, он также использовал принципы конструктивизма. В своих последних картинах Леже использовал выделение и наложение монохромного цвета в композиции. "Большой Парад", одна из его последних картин - монументальный пример этого оригинального стиля.[9,c.98]

 

 

Эгон Шиле

 

Эгон Шиле -  австрийский художник, один из лучших мастеров европейского модерна.[см.Приложение 5] Учился в Венской Академии изящных искусств (1906-1909), где под влиянием Густава Климта обратился к эротической теме. Среди работ Шиле преобладают портреты и, после знакомства с творчеством Ван Гога в 1913, пейзажи. Живопись и графика Эгона Шиле, отмеченная нервными цветовыми контрастами, изощренно-гибким рисунком и драматическим эротизмом, являет смесь модерна и экспрессионизма.

Находясь под сильным влиянием психоанализа Зигмунда Фрейда, Шиле в своем творчестве давал волю собственным комплексам и сомнениям. Художественная карьера Эгона Шиле была короткой, но плодотворной, а многие произведения носили откровенно сексуальный характер. Это послужило даже причиной тюремного заключения художника за «создание аморальных рисунков». В 1912—1916 годах Шиле широко и успешно выставляется — его работы экспонированы в Вене, Будапеште, Мюнхене, Праге, Гамбурге, Штутгарте, Цюрихе, Хагене, Дрездене, Берлине, Риме,Кёльне, Брюсселе, Париже. В 1917 он вернулся в Вену. После смерти Климта весной 1918 года Шиле стал претендовать на роль крупнейшего художника Австрии. Наиболее яркими работами Эгона Шиле являются: «Сидящая женщина», 1917; «Молодая мать», 
1914; «Любовь», 1917; «Автопортрет»,  1912; «Семья», 1918 и др. Шиле создает свой собственный стиль, сосредоточиваясь почти исключительно на контуре. Особенно выразительны были декоративные очертания тел в его многочисленных «ню». В качестве модели Шиле часто выступала его сестра Гертруда («Герти»), к которой, как утверждали, он испытывал сильное эмоциональное, и отнюдь не только родственное, влечение. Необычайная нервность каждого мазка его картин вызывала сильные эмоции у зрителя, и созерцание их всегда весьма сложно, а иногда даже мучительно. 

Благодаря своему острому нервному стилю Шиле считается одним из важнейших представителей экспрессионизма. В наследие художника входят около 300 картин и несколько тысяч рисунков. Самое полное в мире собрание произведений Эгона Шиле (250 живописных и графических работ) находится в Музее Леопольда в Вене. Об Эгоне Шиле написано множество монографий, статей и даже два романа («Высокомерие» Джоаны Скотт и «Порнограф из Вены» Люиса Крофтса), а в 1981 году о нем снят художественный фильм «Эгон Шиле - Жизнь как эксцесс» (совместное производство ФРГ, Франции и Австрии). 

Шиле умер совсем молодым от гриппа, в тот момент, когда его творчество получило признание.[1,c.17]

 

 Творчество художников-экспрессионистов выражало собой протест против уродства и несовершенства буржуазной цивилизации, действительность в нём отображалась субъективно, фантастически гротескно, преувеличенно эмоционально и намеренно иррационально, что отличало новое направление от импрессионизма, в котором основу художественного образа составлял мир первичных чувственных ощущений. Границы между персонажами картин и той средой, что их окружала, уничтожались. Экспрессионизм всё больше противопоставляет себя эстетизму и натурализму, утверждая идею о сгущении мотивов боли и крика, повышенной аффектации, прямом эмоциональном воздействии на глубинное подсознание человека. В творчестве художников-экспрессионистов принцип выражения эмоций преобладает над самим изображением. Художественный язык был обусловлен установкой на своеобразную интуитивную “варварскую” непосредственность: тяжелые массы пастозных мазков, положенные на крупнозернистые холсты в черных рамах. В картинах выражено предчувствие какого-то ужаса через деформацию предметов, природных форм, как бы разрушается и дискредитируется все, что казалось незыблемым.

 

2. Особенности изображения  человека.

2.1.Выразительные средства  в изображение человека Эгона  Шиле

 

Эгон Шиле на протяжении всего творчества автопортрет оставался непременным, постоянно выступающим на первый план мотивом. Художник создал около сотни собственных изображений. Живописец очень пристально наблюдает за собой, изучая объект с маниакальной настойчивостью. Он очень любил изображать себя, свой облик и свои позы. Жесты на автопортретах Шиле часто нарочиты и неестественны, а между индивидуальностью художника и ее изображением часто возникает напряженное отчуждение, похожее на противостояние и неприятие зеркального отражения. Это можно наблюдать на «Автопортрете» 1914[см.Приложение 6]. Белый фон листа абсолютно нейтрален. Мастер, работая жесткой линией и броским цветом, лишает свое тело уверенности и придает движениям резкий, нервозный характер. Очертания фигуры неправильны и угловаты. Единственный яркий, кричащий оранжевый тон усиливает экспрессию. Шиле как портретиста мало интересует внешняя физическая форма и совершенно не интересуют такие категории, как гармония и красота. Но изображенный облик имеет внутреннее, глубинное сходство с моделью.