Возникновение и развитие жанра портрет. Особенности портретного жанра 20 века

 Особенности русского портрета начала XX века. Художники – портретисты

В истории  русской художественной культуры начала ХХ столетия было одним из блестящих периодов – плодотворным, разноликим, стремительным в своем развитии. Вначале ХХ века еще работали живописцы старшего поколения. Но важно не только, сколько блестящих талантов было, важно их невероятное многообразие, характеризующее в целом картину того времени.

Художники искали иных способов осмысления мира. Одни верили, что могут обрести непосредственный, ничем не осложненный взгляд на натуру. Пренебрегая анализом общественных отношений и сложностью человеческой психики, они открывали тихую поэзию повседневности. Другие, желая дать нечто вроде «художественной формулы» современности, напрягали образ, концентрируя в нем накал чувств людей нового века.

Новое время  — время больших надежд и свершений — рождало потребность в монументальном стиле, в синтезе искусств. Художники мечтали о таком искусстве, которое вошло бы в жизнь, в быт людей, было бы способно формировать представление о мире и характер человека.

Интерес к  синтезу, к «хоровому» искусству нашел яркое воплощение в театральной декорации, переживавшей в начале XX века небывалый расцвет. Тяготение к монументализму не означало отказа от станковых форм живописи. Оно реализовалось в первую очередь именно в станковых произведениях, так как возможности развития монументальной живописи как таковой были слишком ограничены. Характер станковой живописи сильно изменился, и это в свою очередь оказало влияние на характер развития декоративного, прикладного и монументального искусств. Сложные, противоречивые взаимоотношения различных форм художественного творчества стали специфической чертой искусства первых десятилетий XX века.

На рубеже столетия стоят три крупнейших художника  В. Серов, М. Врубель, К. Коровин.

Портретная  живопись Михаила Врубеля отличается от портретов, Серова и Коровина, писавших в стиле реализма. Он пытается разрабатывать свою оригинальную художественную манеру.

Врубель, при  написание портрета оперирует символами.

В начале 20 столетия он был первым кто, обратился к  символизму.

Художник блестяще владел даром сообщать мгновенному характер вечного.

Врубель мыслил не бытовыми категориями окружающей жизни, в своих портретах он оперирует  “вечными” понятиями, мечтает поисках  истины и красоты. В его творчестве фантазия соединена с реальностью, природа наделена способностью, чувствовать и думать, а человеческие чувства усилены.

В своих портретах  художник показал светлое и темное начало человеческой души, возможность  их одновременного существования и  перетекания друг в друга. Это  тема хорошо раскрыта в работе “Девочка на фоне персидского ковра ” и других полотнах последующего периода. Стремясь наиболее точно передать внутреннее состояние натурщика, Врубель совершал подлинные открытия в сфере художественной формы. Он “гранил” фигуры и лица их плоскостями, конструируя их форму. Постигал самоценность цветного пятна и добивался того, что бы краски на его полотнах сияли внутренним светом.

Врубель выводил  образ человека из–под власти бытовой  конкретности, обобщая его ради создания символа, вбирающего в себя большие человеческие страсти, страдания и надежды. Трудный переход к искусству у Врубеля произошел стремительно и бесповоротно.

Другой крупнейший живописец рубежа столетия – Валентин Серов. Начиная 80х годов 19 века и  до конца жизни, Серов шел впереди и вел за собой других русских мастеров.

В работе над  портретом Серов видел высшею цель художника. Он переводил свои образы в широкий общечеловеческий план, выражал в них понятия юности, красоты, счастья.

Его живопись словно улыбалась, радовала солнцем и воздухом, горела чистыми красками. Серов учился в малом выражать нечто большое.

Валентину Серову принадлежат наиболее известные  портреты того времени. Один из них  “Девочка с персиками” (Илл.2). “По  мери постепенного углубления в содержание картину зритель понимает это не просто портрет это выхваченный из жизни момент. Образ созданный художником наполнен жизнью, умиротворением и спокойствием”.

Другой пример это “Девушка, освещенная солнцем” (Илл.3.). В нем художник представляет мастерство света. С помощью кистей и красок он смог отобразить красоту и гармонию мира в общественном потоки будней. Серов очень серьезно подходит к работе над портретом, его волновало не внешнее сходство, а внутренний мир модели. Со временем взгляд художника на модель становился все сильнее и зорче. Серов дает острую почти гротескную характеристику модели. Вмести с тем он создает формы героически, прекрасного. Художник очень часто пишет портреты художников, писателей, артистов. Само смотрение выразит представление о красоте человека в свидетельских его творческих возможностей показательно для мастера.

Позднее работы Серова вводят нас в проблематику “большого стиля”. По мысли Серова, это единственный стиль должен быть ощутим и в карандашном наброске и в портрете. Так это новая  тенденция развития искусства 20 века получила ворожение в портретной живописи Валентина Серова.

Третьим художником был Константин Коровин. Своим творчеством  он быстро повлиял на развитие русской  живописи.

Его творческий путь был последователен. С самого начала художник шел к импрессионизму. Добиваясь, как и Серов непосредственности воспроизведения натуры и чистоты цвета. На протяжении своего творческого пути художник развивал принципы своего раннего творчества. Коровин писал пейзажи и портреты. Но чаще он обращался к жанру тематического портрета. Примером может служить полотно Коровина «У открытого окна. Портрет дочерей Ф. И. Шаляпина» (Илл.4.).

В работе над  портретом Коровин предпочитал  этюд как одну из форм станковой  живописи, что совпадало с его  импрессионистическим выделением натуры. Французы, становившиеся учителями Коровина, помоги ему понять все богатые возможности цвета”.

Природа наделила художника редким колористическим  даром, и художник высоко развил его. Безукоризненно владея искусством живописи, всегда подчиняя гармонию, многокрасочную палитру мира, он создавал жизнеутверждающие образы, прославляя жизнь и ее краски. Уже в училище за Коровиным закреплялась репутация колориста.

Те мотивы, которых выбирал Коровин, давали ему повод для декоративного  решения многих своих партнеров.

Почти в каждом холсте художника есть своя, пусть  маленькая, цветовая “находка”, свое открытие. Он писал быстро и реалистично, легко и свободно. В его портретах  ощущается смелость, вдохновение, обожание натуры, точное “ попадание”, которое еще при жизни художника заставляло критиков говорить об “абсолютном глазе” Константина Коровина.

Творчество  Коровина являло собой лучший пример национального выражения импрессионистического  портретного письма, которое стало  достоянием в живописи начала 20 века.

Именно эти  три художника В. Серов, М. Врубель, К. Коровин наиболее сильно повлияли на развитие портрета как жанра. Живя, на рубеже веков каждый из этих живописцев принес в портретную живопись, свой новый стиль. Продолжателями, которого стали последователи.

Так Михаил Врубель  был первым художником, рисовавшим в стиле символизма. Творческий метод  Врубеля отличался – он гранил фигуры плоскостями и добивался  нового звучания цветового пятна.

Валентин Серов  в своих портретах дает четкую характеристику внутреннего мира человека. На полотнах, но запечатлеет момент из жизни.

Константин  Коровин принес в русский портрет  импрессионизм и этюдное письмо в работах художника особо  точно и ярко выражен цвет.

Все три художника  оказали огромное влияние на формирование творческого метода друг друга. Так благодаря дружбе с Коровиным в ранних портретах Серова виден легкий намек на импрессионизм, а Врубель занимается лепкой фигуры при помощи мазка и поисками колористического решения.

Так при творческом симбиозе М.Врубеля, В.Серова К.Коровина появляется новый, отличающийся от раннего, портрет, характерный для начала искусства 20 века. Триумвират этих художников стоящих на рубеже веков, определил наиболее существенные успехи в искусстве.

 

 

 

 

 

 

 

 

Стилистические  особенности скульптурных портретов от эпохи рабовладельческой деспотии до эпохи возрождения

 

В искусстве  рабовладельческого общества cкульптура выделилась как особый род деятельности, имеющий специфические задачи и своих мастеров. Скульптура  древневосточных государств, которая служила выражению всеобъемлющей идеи деспотизма, увековечению строгой общественной иерархии, прославлению власти богов и царей, заключала в себе имеющее объективную общечеловеческую ценность влечение к значительному и совершенному. Такова  скульптура  Древнего Египта: огромные неподвижные сфинксы, полные величия; статуи фараонов и их жён, портреты вельмож, с каноническими позами и фронтальным построением по принципу симметрии и равновесия; колоссальные рельефы на стенах гробниц и храмов и мелкая пластика, связанные с заупокойным культом. Сходными путями развивалась С. других древневосточных деспотий — Шумера, Аккада, Вавилонии, Ассирии.

Иной, гуманистический  характер носит скульптура Древней Греции и отчасти Древнего Рима, обращенная к массе свободных граждан и во многом сохраняющая связь с античной мифологией. В образах богов и героев, атлетов и воинов скульпторы Древней Греции воплощают идеал гармонично развитой личности, утверждают свои этические и эстетические представления. На смену наивно-целостной, пластически-обобщённой, но несколько скованной скульптура. периода архаики приходит гибкая, расчленённая, основанная на точном знании анатомии С. классики, выдвинувшая таких крупных мастеров, как Мирон, Фидий, Поликлет, Скопас, Прякситель, Лисипп. Реалистический характер древнегреческих статуй и рельефов (нередко связанных с культовой архитектурой), надгробных стел, бронзовых и терракотовых статуэток наглядно проявляется в высоком мастерстве изображения обнажённого или задрапированного человеческого тела.Скульптура формулировать законы его пропорциональности на основе математических расчётов попытался Поликлет в теоретическом сочинении "Канон". В древнегреческой скульптуре верность действительности, жизненная выразительность форм сочетаются с идеальной обобщенностью образа. В период эллинизма  гражданственный пафос и архитектоническая ясность классической скульптуры сменяются драматической патетикой, бурными контрастами света и тени; образ обретает заметно большую степень индивидуализации. Реализм древнеримской скульптуры особенно полно раскрылся в искусстве портрета, поражающего остротой индивидуальной и социальной обрисовки характеров. Получил развитие рельеф с историко-повествовательными сюжетами, украшающий триумфальные колонны и арки; сложился тип конного памятника (статуя Марка Аврелия, впоследствии установленная Микеланджело на площадь Капитолия в Риме).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Заключение.

 

  В  заключении хочется сказать, что я не ошиблась в выборе темы для своего реферата. Мне понравилось изучать возникновение и развитее портрета в разных странах и в разные времена. Каждая новая эпоха открывала новые рамки видения портрета. Изучение портрета захватывает и завораживает, начиная от канонических скульптур и заканчивая кубизмом и модерном 20 века. Портрет-потрясающий жанр,передающий не только внешность,но и внутренний мир ,как самой модели,так и художника.

 

 

   Список используемой литературы:

1.

1) Зингер Л.С. Очерки  теории и истории портрета. М.: Изобразительное искусство, 1986. 328 е., ил.

 

2) Галанов Б.Е. Искусство  портрета. - М., Советский писатель,1967.

 

3) Жукова А.С. Николай  Николаевич Жуков. М., Изобразительное  искусство, 1979.

 

2.

 1) Алешина Л.С. Русское искусство XIX – начала ХХ века - « Искусство» 1972.

 

2) Лихачев Д.С. Русское искусство от древности до авангарда – «Искусство», 1992.

 

3) Зингер Л.С. Очерки  теории и истории портрета  – «Изобразительное искусство» 1986.

 

5) Карпова Т.Д. Смысл  лица. Русский портрет .

 

3.

1) Бритова Н.Н., Лосева  Н.М, Сидорова Н.А. Римский скульптурный портрет. - М.: Искусство, 1975

 

2) Античное искусство  .

 

3) Скульптурный портрет  , 2004

 

4) Вощинина А. И.  Римский портрет. Коллекция Государственного  Эрмитажа. — Л., 1974.