Импрессионизм в искусстве

г. Волгодонск

МОУ лицей №11

 

 

 

 

 

 

Реферат

на тему:

“Импрессионизм в искусстве”

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Выполнил:

Ученик 11 “А” класса

Москалёв Максим

 

Импрессионизм в искусстве

Содержание:

1. Импрессионизм как явление  в искусстве

 

2. Импрессионизм в живописи

 

3. Художники - импрессионисты

 

3.1 Клод Моне

 

3.2 Эдгар Дега

 

3.3 Альфред Сислей

 

3.4 Камиль Писсаро

 

4. Импрессионизм в музыке

 

5. Импрессионизм в литературе

 

Импрессионизм - одно из ярчайших и важнейших явлений в Европейском искусстве, во многом определившее всё развитие современного искусства. В настоящее время работы не признаваемых в своё время импрессионистов ценятся очень высоко и их художественные достоинства неоспоримы. Актуальность выбранной темы объясняется необходимостью для каждого современного человека разбираться в стилях искусства, знать основные вехи его развития.

Я выбрал эту тему, потому что импрессионизм был своего рода революцией в искусстве, изменившей представление о произведениях  искусства как о целостных, монументальных вещах. Импрессионизм вывел на первое место индивидуальность творца, его  собственное видение мира, отодвинул  на задний план политические и религиозные  сюжеты, академические законы. Интересно, что эмоции и впечатление, а не сюжет и мораль играли главную роль в произведениях импрессионистов.

1. Импрессионизм как явление в  искусстве

 

Импрессионизм - одно из самых ярких и интересных направлений во французском искусстве последней четверти 19 века, родилось в очень сложной обстановке, отличающейся пестротой и контрастами, и дало толчок к возникновению многих современных течений. Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность оказал существенное влияние на искусство не только Франции, но и других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии. В России влияние импрессионизма испытали К. Бальмонт, Андрей Белый, Стравинский, К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же -- И. Грабарь. Импрессионизм стал последним крупным художественным движением во Франции XIX века, проложившим грань между искусством Нового и Новейшего времени.

По мнению М. Аплатова, “чистого импрессионизма, вероятно, не существовало. Импрессионизм - не доктрина, он не мог бы иметь канонизированных форм…Французским художникам-импрессионистам в различной степени присущи те или иные его черты». Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке.

Импрессионизм - это в первую очередь достигшее невиданной утонченности искусство наблюдения действительности, передачи или создания впечатления, искусство, в котором сюжет не важен. Это новая, субъективная художественная реальность. Импрессионисты выдвинули  собственные принципы восприятия и  отображения окружающего мира. Они  стерли грань между главными предметами, достойными высокого искусства, и предметами второстепенными.

Важным принципом импрессионизма был уход от типичности. В искусство  вошла сиюминутность, случайный  взгляд, создается впечатление, что  полотна импрессионистов написаны простым прохожим, гуляющим по бульварам  и наслаждающимся жизнью. Это была революция в видении.

Как художественное течение  импрессионизм, в частности в  живописи, довольно быстро исчерпал свои возможности. Классический французский  импрессионизм был слишком узок, и немногие всю жизнь оставались верными его принципам. В процессе развития импрессионистического метода субъективность живописного восприятия преодолевала предметность и поднималась  на все более высокий формальный уровень, открывая пути всем течениям постимпрессионизма, в том числе  символизму Гогена и экспрессионизму  Ван Гога. Но, несмотря на узкие временные рамки - каких-то два десятилетия, импрессионизм вывел искусство на принципиально иной уровень, оказав существенное влияние на всё современные живопись, музыку и литературу, а также кинематограф. Некоторые принципы импрессионизма -- передача мгновенного движения, текучесть формы -- в различной степени сказались в скульптуре 1880--1910-х годов.

 

 

2. Импрессионизм в живописи

 

Весной 1874 года группа молодых  художников-живописцев, включающая Моне, Ренуара, Писарро, Сислея, Дега, Сезана и Берту Моризо, пренебрегла официальным Салоном и устроила собственную выставку, став в последствии центральными фигурами нового направления. Она проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара в Париже, на бульваре Капуцинов. Там было представлено 30 художников, всего -- 165 работ. Подобный поступок уже сам по себе был революционным и рвал с вековыми устоями, картины же этих художников на первый взгляд казались еще более враждебными традиции. Потребовались годы, прежде чем эти, впоследствии признанные, классики живописи смогли убедить публику не только в своей искренности, но и в своем таланте. Всех этих очень разных художников объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом в искусстве. Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю - в 1886 году.

Именно на первой выставке 1874 году в Париже появилась картина  Клода Моне, изображающая восход солнца. Она привлекла всеобщее внимание прежде всего необычным названием: «Впечатление. Восход солнца». Но и сама живопись была необычной, она передавала ту почти неуловимую, переменчивую игру красок и света. Именно название этой картины -- «Впечатление» -- благодаря насмешке одного из журналистов, положило начало целому направлению в живописи, названному импрессионизмом (от французского слова «impression» -- впечатление).

Стараясь максимально  точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей, импрессионисты создали новый метод живописи. Его суть состояла в передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов  на поверхности предметов раздельными  мазками чистых красок, что зрительно  растворяло форму в окружающей световоздушной среде.

Правдоподобность приносилась  в жертву личностному восприятию - импрессионисты могли в зависимости  от своего видения небо написать зеленым, а траву синей, фрукты на их натюрмортах  были неузнаваемы, человеческие фигуры - расплывчаты и схематичны. Было важно не что изображается, а важно “как”. Объект становился поводом для решения зрительных задач.

Характерна краткость, этюдность творческого метода импрессионизма. Ведь только короткий этюд позволял точно фиксировать отдельные состояния природы. То, что ранее допускалось только в этюдах, теперь стало главной чертой завершенных полотен. Художники-импрессионисты всеми силами стремились преодолеть статичность живописи, навсегда запечатлеть всю прелесть ускользающего мгновения. Они начали использовали ассиметричные композиции, чтобы лучше выделить заинтересовавших их действующих лиц и предметы. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние увлечённости своим веком - не античностью как ранее, японской гравюры (таких мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро) и отчасти фотографии, её крупных планов и новых точек зрения.

Импрессионисты также  обновили колорит, они отказались от темных, земляных красок и лаков  и наносили на холст чистые, спектральные цвета, почти не смешивая их предварительно на палитре. Условная, "музейная" чернота в их полотна уступает место игре цветных теней.

 

Благодаря изобретению металлических  тюбиков для красок, уже готовых  и пригодных к переноске, которые  заменили старые краски, готовившиеся вручную из масла и порошковых пигментов, художники смогли покинуть свои мастерские, чтобы работать на пленэре. Работали они очень быстро, потому что движение солнца меняло освещение и колорит пейзажа. Иногда они выдавливали краску на холст прямо из тюбика и получали чистые сверкающие цвета с эффектом мазка. Кладя мазок одной краски рядом с другой, они часто оставляли поверхность картин шероховатой. Чтобы сохранить в картине свежесть и разнообразие красок натуры, импрессионисты создали живописную систему, которая отличается разложением сложных тонов на чистые цвета и взаимопроникновением раздельных мазков чистого цвета, как бы смешивающихся в глазу зрителя, цветными тенями и воспринимаются зрителем согласно закону дополнительных цветов.

Стремясь к максимальной непосредственности в передаче окружающего  мира, импрессионисты впервые в истории  искусства стали писать преимущественно  на открытом воздухе и подняли  значение этюда с натуры, почти  вытеснившего традиционный тип картины, тщательно и неспешно создаваемой  в мастерской. В силу самого метода работы на пленэре пейзаж, в том  числе открытый ими городской  пейзаж, занял в искусстве импрессионистов  очень важное место. Главной темой  для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены  люди и предметы. В их картинах чувствовался ветер, влажная, нагретая солнцем земля. Они стремились показать удивительное богатство цвета в природе.

Импрессионизм ввёл в искусство  новые темы - повседневную жизнь  города, уличные пейзажи и развлечения. Тематический и сюжетный диапазон его  был очень широк. В своих пейзажах, портретах, многофигурных композициях  художники стремятся сохранить  непредвзятость, силу и свежесть «первого впечатления», не вдаваясь в отдельные  детали, где мир - вечно изменяющееся явление.

Импрессионизм отличается яркой  и непосредственной жизненностью. Для  него характерны индивидуальность и  эстетическая самоценность полотен, их нарочитая случайность и незавершённость. В целом произведения импрессионистов отличаются жизнерадостностью, увлечённостью чувственной красотой мира

 

3. Художники-импрессионисты

 

Центральными фигурами импрессионизма были Сезанн, Дега, Мане, Моне, Писсарро, Ренуар и Сислей, и вклад каждого из них в его развитие уникален. Остановимся подробнее на творчестве некоторых из них.

 

3.1 Клод Моне

 

С именем Клода Моне (1840-1926 гг.) нередко связывают такие достижения импрессионизма, как передачу неуловимых переходных состояний освещения, вибрацию света и воздуха, их взаимосвязь  в процессе непрестанных изменений  и превращений. Он работал, в основном, в области пейзажа. Клод Моне в  общей сложности написал около 200 картин, среди которых - «Завтрак на траве», «Сирень на солнце», «Бульвар Капуцинов» и другие.

Ранние работы Моне вполне традиционны. В них еще присутствуют человеческие фигуры, которые в дальнейшем постепенно исчезают из его картин. В 1870-х годах окончательно складывается импрессионистическая манера художника, всецело посвятившего себя пейзажу, усиливается декоративность его  работ. С этого времени он работает почти исключительно на пленэре. Именно в его творчестве окончательно утверждается тип большой картины-этюда. Моне составляет и фигуры, и пейзаж из обобщенных световых пятен, оттенки  и цвет которых зависят только от освещения, в его работах нет  четких контуров предметов. Ощущение движения воздуха усиливается и самой  фактурой картины: она перестает  быть гладкой, а состоит из отдельных  пятен-мазков. Композицию он сознательно  строит таким образом, чтобы картина  производила впечатление случайно выхваченного фрагмента из потока жизни. Одним из первых Клод Моне начинает создавать серии картин, в которых  один и тот же мотив повторяется  в разное время года и суток, при  разном освещении и состоянии  погоды.

Моне стремился показать окружающую его жизнь во всем ее многообразии: игру солнечных бликов на колышущейся глади воды, многолюдную  пеструю толпу отдыхающих, которая  растворяется в пейзаже и составляет с ним единой целое.

Простые сюжеты картин 1860-1870 гг. уступают место всё более сложным. Моне привлекают серийные работы. В них, следуя импрессионистической манере, художник стремится передать различную степень освещенности одних и тех же предметов при различной погоде, в различное время дня, используя разнообразную тональность своей палитры. Изменение живописной манеры художника сопровождается переменами в его личной жизни - умирают близкие ему люди.

Моне участвует в выставках 1874, 1876, 1877, 1879 и 1882 годов. Однако его  произведения почти не продаются - все  его новшества вызывают неприятие  публики и критики. Гонимый нуждой, художник живет там, где жизнь  более дешева. Поселившись в Аржантёе, он увлечением рисует Сену, ее мосты, скользящие по водной поверхности парусники, Появляются его знаменитые серии, посвященные вокзалу Сен-Лазар, полям цветущих маков, Руанскому собору, лондонским мостам, поражающие свежестью красок и интенсивностью цвета. Добиваясь чистоты и звучности цвета, Моне избегает смешивать краски на палитре; чтобы передать нужный ему тон зеленой листвы, художник кладет рядом мазки желтого и синего, на расстоянии они сливаются, «смешиваются» в глазу зрителя, и листья кажутся зелеными.

В конце 1880-х годов его  искусство все более привлекает публику и критиков. Признание  приносит материальный достаток. Вскоре материальное положение художника  поправилось настолько, что он покупает собственный дом в Живерни, где и протекает поздний период его творчества. В этот период художник всецело поглощен работой над сериями пейзажей, в которых разрабатывает тончайшие световые эффекты.

 

 

 

3.2 Эдгар Дега

 

Эдгар Дега прославился благодаря  своему уникальному мастерству изображать человеческое тело в движении. Эдгар  Дега использовал различные краски, но предпочитал пастель. В центре искусства Эдгара всегда стоял человек, в то время как пейзаж, едва ли не ведущий жанр импрессионистов, не играл в его творчестве значительной роли. Большой почитатель Энгра, он придавал исключительное значение рисунку, интересовался Пуссеном и копировал его картины.

Эдгар Дега родился в 1834 году в богатой семье, которая принадлежала к высшим слоям французского общества, имела тесные связи с Италией  и США. К 1860 году Дега успел создать  несколько удивительных портретов  в лучших классических традициях. С 1862 года Дега начал рисовать лошадей, скачки, жокеев. Далее героями стали  отдельные музыканты или целые  оркестры во время исполнения произведений. Дега особенно интересовало качественное исполнение картин, четкая прорисовка телодвижений. Чтобы добиться непринужденности в передаче мимолетного движения, художник разлагал его на составные  части, включающие моменты предшествующие и последующие. Новаторство Дега в передаче движения неразрывно связано  с его композиционным мастерством. У него еще сильнее, чем у Мане, чувствуется непреднамеренность, случайность, выхваченность отдельного эпизода из потока жизни. Он достигает этого неожиданной ассиметрией и необычностью точек зрения (часто сверху или сбоку, под углом).