История хореографии

         Б. т. могут быть разделены  на парные и массовые. В отличие  от парного танца (блюз, чардаш, шейк), массовые танцы исполняются  группой танцующих, образующих  круг или линию (летка-енка, сиртаки  и др.). В массовых танцах каждый  исполнитель не имеет определённого партнёра по танцу.

         Для  Б. т. 50—60-х гг. характерны частая  смена модных танцев, возрастающая  роль группового массового танца,  появление (за рубежом) танцев  образно-тематического характера  (уош — стирка, манки — обезьяна, мешт потейтос — мять картошку и др.), отказ от ограничений, определяющих и устанавливающих положения или движения рук в танце, исполнение танца на расстоянии (в отличие от традиционного для парного Б. т. «положения в паре»).

7. О классическом танце.

Эта система движений, призванная сделать тело дисциплинированным, подвижным  и прекрасным, превращает его в  чуткий инструмент, послушный воле балетмейстера и самого исполнителя. Она вырабатывалась с тех пор, как балет стал равноправным жанром музыкального театра, то есть начиная с 17 века. Впрочем, сам термин «классический», отличающий этот вид театрального танца от других – народно-характерного, бытового и т. д., возник сравнительно недавно, и есть основания предполагать, что возник в России.

Чтобы установить это, необходим краткий экскурс в историю. Пока балет как искусство еще не самоопределился, танец в образе являлся важной составной частью синтетического зрелища. Подобно многим современным искусствам, он появился в эпоху Возрождения. Уже тогда танец играл значительную роль в представлениях народного театра и в религиозных мистериях, в площадных шествиях и парадных выездах мифологических персонажей на княжеских пирах. В ту пору, еще до своего терминологического закрепления, появилось и понятие балет, от латинского ballo - танцую. Как часть музыкально-драматического придворного спектакля балет проник во Францию 16 века и занял видное место в придворном жанре английской «маски». В 17 веке, когда в Париже была основана Королевская Академия танца(1661), балет вышел из дворцовых зал на профессиональную сцену и там, наконец, отделился от оперы, сделался самостоятельным театральным жанром.

Примерно тогда же начал  кристаллизоваться вид танца, который  сейчас называют классическим. Этот новый  вид был сложен, ибо, с одной стороны танец очищался от засорявших воздействий придворного бального танца, с другой же – этот профессиональный танец понемногу начинали насыщать элементы виртуозной техники плясунов и акробатов народного театра. Отбор и синтез таких элементов осуществлялись путём абстрагирования; целью был танец, способный, как и музыка, воплощать самые различные состояния, мысли, чувства человека и его взаимоотношения с окружающим миром.

Поначалу к такому танцу  могли обращаться, лишь изображая  «благородны» персонажей-богов, героев, королей. В19 в. именовался «благородным», «высоким», «серьёзным», в отличии от «демихарактерного» (то есть танца серьёзного, но допускающего известный налёт характерности), «пасторального» (то есть облагороженного крестьянского) и «комического»( как правило гротескного и подчас весьма вольного).

Переломной в судьбе классического  танца была эпоха романтизма. Но и тогда практики и теоретики  еще не прикрепили к нему термин «классический».

Таким образом, можно предполагать, что именно необходимость защитить благородство содержания и академизм форм русского балетного искусства от воздействий завезенного с Запада канкана вызвала к жизни термин «классический танец» и дала ему всеобщее признание. В то же время он являлся как бы охранной грамотой русского балета, ставшего во второй половине 19 века цитаделью мировой хореографии. Блюстителем ее канонов был в театре М. И. Петипа, в школе – Х. П. Иогансон.

На русской сцене и  в русской школе абстрагированная система пластической выразительности, за которой прочно укрепилось наименование классического танца, нашла и наиболее полное эстетическое выражение.

Балеты Петипа завершили  длительный процесс формирования классического  танца как системы выразительных  средств. В них собраны, упорядочены  и возведены в высокое художественное правило все поиски 19 века в области этого танца. Тогда же окончательно закрепилась и французская терминология классического танца, принятая и по сей день. Она создавалась путем отсеивания необязательных временных элементов и отбора постоянных, обусловливающих самую природу классического танца. Эта терминология, несмотря на свою условность, почти всегда позволяет обнаружить корни, установить генетические истоки того или иного движения, позы или положения.

Большинство названий определяет характер обозначаемых ими движений, связанных с работой мышц. Таковы разнообразные батманы, которые представляют значительную часть урока классического танца и, как многие другие упражнения, видоизменено присутствуют в сценических танцевальных формах.

8. Бале́т (фр. ballet, от итал. ballo — танцую) — вид сценического искусства, основными выразительными средствами которого являются неразрывно связанные между собой музыка и танец.

Чаще всего  в основе балета лежит определённый сюжет, драматургический замысел, либретто, но бывают и бессюжетные балеты. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец. Немаловажную роль здесь играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего. В современном балете широко используются также элементы гимнастики и акробатики. Балет требует выдержки и выносливости от любого человека, занимающегося им.

9. классическое наследие 

В последнее  время все чаще идет разговор о  сохранении классического наследия — отечественных и мировых культурных ценностей, об умении понимать и ценить их красоту и совершенство. Бережное отношение к классике — один из главных признаков образованности и культурного уровня современного человека.

Классическое  наследие нужно «не только потому, — писал А. В. Луначарский, — что оно само по себе ценно» эстетично, совершенно. Оно нам нужно потому, что от этого светоча зажигаются новые свечи...»

Российское хореографическое искусство унаследовало традиции русского классического балета, основными чертами которого являются реалистическая направленность, демократичность и гуманизм.

На этой основе родились такие всемирно известные  спектакли, как "Пламя Парижа" и "Бахчисарайский фонтан" Б. Асафьева, «Ромео и Джульетта» С. Прокофьева, "Легенда о любви" А. Меликова, "Спартак" А. Хачатуряна — образцы советской балетной классики.

Становление российского  хореографического искусства началось уже в первые послереволюционные годы. 20-е годы были временем борьбы за сохранение культурного наследия прошлого, за определение путей дальнейшего развития балетного театра. 30—40-е годы отмечены появлением на балетной сцене нового героя и победой метода социалистического реализма.

С послевоенных лет и по сегодняшний день идет процесс творческого развития накопленного опыта, неуклонное продвижение вперед. Мы наблюдаем небывалый расцвет российской хореографической культуры, важнейшим принципом содержания которой стал принцип соотношения судьбы человека с исторической судьбой народа.

За заслуги  в деле развития хореографического искусства многие мастера российского балета награждены орденами и медалями, лучшим из них присуждены Ленинские и Государственные премии, присвоены звания Героев Социалистического Труда, народных и заслуженных артистов.

Хореографическое искусство в СССР многонационально. Оно впитало в себя все лучшее из наследия русского балета, соединив технику классических постановок и национальное содержание.

В каждой республике созданы свои замечательные балеты. Это грузинский балет «Сердце  гор» А. Баланчивадзе. армянский — «Гаянэ» А. Хачатуряна, татарский — «Шурале» Ф. Яруллина, таджикский — «Лейли и Меджнун» С. Баласанина, украинские — «Лилея» К. Данькевича и «Лесная песня» М. Скоруль-ского, белорусский — «Соловей» М. Крошнера, башкирский — «Журавлиная песня» Л. Степанова и многие другие.

Сохранить все многообразие сложившихся традиций, передать их последующим поколениям, развивать  дальше прекрасное искусство балета, обогащая его новым содержанием, — задача трудная, но благородная. И  выполнять ее — молодым.

12. Танец модерн — одно из направлений современной хореографии, зародившееся в кон. XIX — начало. XX вв. в США и Германии. Термин «Танец модерн» появился в США для обозначения сценической хореографии, отвергающей традиционные балетные формы. Войдя в употребление, вытеснил другие термины (свободный танец, дунканизм, танец босоножек, ритмопластический танец, выразительный, экспрессионистский, абсолютный, новый художественный), возникавшие в процессе развития этого направления. Общим для представителей танца модерн, независимо от того, к какому течению они принадлежали и в какой период провозглашали свои эстетические программы, было намерение создать новую хореографию, отвечавшую, по их мнению, духовным потребностям человека XX века. Основные её принципы: отказ от канонов, воплощение новых тем и сюжетов оригинальными танцевально-пластическими средствами. В стремлении к полной независимости от традиций представители Т.м. пришли, в конце концов, к принятию отдельных технических приёмов, в противоборстве с которыми зародилось новое направление. Установка на полный отход от традиционных балетных форм на практике не смогла быть до конца реализована.

Модерн развился вопреки классическому балету, в  нем танцоры стремились выйти  за рамки наскучившей классики. Модерн — это даже некий эпатаж, шокирующий привычный взгляд зрителя. Ярким примером тому служат постановки известных классических балетов в стиле модерн, имеющие очень мало общего с традиционными балетными постановками. Ломаные движения тела, эффектные бросания на пол, немыслимые акробатические фигуры и даже какие-то оптические спецэффекты — танец полностью зависит от фантазии хореографа. В модерне вполне допустимо танцевать босиком, можно танцевать вообще без одежды, а порой даже без музыки. Модерн — это авангард балетного танцевального искусства, вечный поиск чего-то нового, этот стиль просто не может стоять на месте, он постоянно видоизменяется, ставит рисковые эксперименты над классическим танцем. Термин "модерн" больше распространен в Америке. В Европе чаще используют слово "современный" (contemporary). Иногда танцем модерн называют несколько крупных школ танца, определивших развитие этого стиля, а все остальное - современным танцем.

Многообразие  выразительных элементов танца  модерн делает его значительно более  демократичным и позволяет успешно выступать людям, пластически одаренным, но начавшим танцевать уже взрослвми и не обладающими достаточными данными для классического балета.

13. (Культура Древнего Египта)

Культура Древнего Египта была первой, обладающей совершенным обществом, и была она пропитана магией музыки и танцев. Древние египтяне жили полной жизнью, и ни один их праздник не обходился без музыки и танцев. На вечеринках певцы и музыканты выступали с арфами, лютнями, барабанами, флейтами, цимбалами, трещотками и бубнами. На фестивалях толпы пели и аплодировали в ритм звукам египетского оркестра, а как танцоры изумляли их своим мастерством, кручеными прыжками и причудливыми изгибами тел.

Музыкальные и  танцевальные выступления содержала  в себе большая часть светской и религиозной жизни Древнего Египта. Этот важный аспект жизни египтян запечатлен ими еще во время Додинастического периода: церемониальные дощечки и каменные сосуды указывают на важность музыки в самый ранний из периодов древнеегипетской истории. Значимость музыки в повседневной жизни Древнего Египта подчеркивает огромное количество музыкальных инструментов, выставленных в музеях по всему миру.

На многих изображениях пиршеств, найденных в гробницах  древних египтян, пиры кажутся скорее светскими. Там показаны идеализированные, а не какие-либо реальные события. За всю историю Египта вплоть до Нового Царства основное содержание этих сцен изменялось лишь ненамного. Во время 18 Династии мы можем заметить изменения в характере песен, танцев и вообще в «душе» этих картин. Появляются изображения, полные эротического подтекста. Цветы лотоса, мандрагоры, парики и мази, а также мужчины и женщины, одетые в полупрозрачные одежды…

Музыка, любовь и чувственность идут рука об руку во всех сферах жизни большинства  цивилизаций, как древних, так и современных. В целом, как уже было отмечено, музыка является важной частью религиозной и светской жизни.

Очевидно, лучшее доказательство того, что древний  египтянин ценил и любил музыку и танцы – это сатирический папирус, в котором осел, лев, крокодил и обезьяна играют на большой арфе, лире, лютне и двойном гобое соответственно.

Танец в Древнем  Египте

Танец в Древнем  Египте являлся большим, нежели приятным времяпрепровождением. Археологами  и сейчас находят изображения  Додинастического периода женских фигур, возможно Богинь или Жриц, танцующих с руками, поднятыми выше голов. Акт танца, несомненно, был важной частью ритуала и празднования в Древнем Египте.

Танцевали и  слушали музыку люди любого социального  положения. Чернорабочие трудились в ритм песен и ударов, уличные танцовщицы развлекали прохожих. В повседневной жизни музыканты и танцовщицы были неотъемлемым атрибутом пиров и праздников. Танцевальные труппы нанимались для выступлений на званых обедах, пирах, в жилых домах и даже в религиозных храмах. Некоторые женщины в гаремах богачей были обучены музыке и танцу. Но в то же время ни один родовитый египтянин не принимал во внимание публичные танцы и их исполнителей. Благородные люди скорее наняли бы служащих или рабов, чтобы на пиршестве приятно развлечь себя и своих гостей.

Elizabeth «Artemis»  Mourat, профессиональная танцовщица  и ученый, разделила все танцы  Древнего Египта на шесть видов:  религиозные танцы, нерелигиозные  танцы на фестивалях, танцы на  пирах, танцы в гаремах, танцы в сражениях и уличные танцы. Существовали также ритуальные танцы, необходимые для благополучного завершения религиозных и погребальных обрядов. Так, Танцовщицы Muu в клетчатых юбках и коронах из тростника танцевали рядом с похоронными процессиями.