Методы преподавания рисования в Древней Греции

Первоначальное художественное образование  Апеллес получил в эфесской школе. Затем Апеллес перешел в сикионскую школу к Памфилу, где очень  скоро превзошел своего учителя. Вскоре он и сам стал заниматься педагогической деятельностью. Обучение он начинал с технологических  и технических процессов. Ученики  учились растирать краски, знакомились  с техникой работы и основательно изучали рисунок. Рисунок был  главным учебным предметом, им занимались ежедневно. У Апеллеса было правило  — «ни одного дня без линии». Он считал, что «в живописи, как и  в музыке, постоянное занятие необходимо». С учениками Апеллес был прост, но очень требователен.Высокие требования Апеллес предъявлял не только к ученикам, но и к самому себе.

В основу своего творчества Апеллес  клал точный рисунок, который обеспечивал  реальность изображения. Апеллес передавал  лишь самые характерные признаки натуры.

Все основные положения изобразительного искусства Апеллес старался закрепить  в своих теоретических трудах, дать им научное обоснование. Как  утверждают историки, им было написано несколько томов о правилах искусства.

В портретах Апеллес достигал поразительного сходства. Плутарх рассказывает, что  Кассандр, один из полководцев Александра, затрясся всем телом, увидев изображение  царя Александра. Как художник Апеллес  обладал феноменальной зрительной памятью.

К IV веку до н. э. греческое искусство  достигает высокой ступени развития. Художники уже научились передавать на плоскости не только объем (трехмерность) предметов, но и явления перспективы. Более того, они начинают разрабатывать  теорию перспективы применительно  к задачам изобразительного искусства.

Умение греческих художников пользоваться правилами перспективного построения позволяло справляться со сложной  задачей изображения в ракурсе.

Однако не следует думать, что  у греков была теория перспективы, сходная  с нашей, основателем которой  был Филиппе Брунеллески, поставивший  во главу перспективного единства три  основных правила центрального изображения: главную точку схода, горизонт и  расстояние. Следует думать, что у греков существовала особая теория перспективы — «стереоперспектива», которая позволяла создавать иллюзию подлинного пространства и объема.

Изображения на помпейских фресках (в  основном копии с произведений греческих  художников) указывают на то, что  греки пользовались особыми правилами  перспективы. Анализ этих фресок показывает, что основой перспективного построения изображения является центральная  ось, на которой располагаются точки  схода, линий горизонта здесь  несколько.

Однако это не случайность и  не ошибка художника — каждая пара уходящих в глубину линий строго согласована. Этот же принцип мы наблюдаем  и при изображении многофигурных  композиций. Ярким примером может  служить стенная роспись, найденная  на Палатинском холме в Риме. Не вдаваясь в дальнейшие подробности, надо отметить, что греческие художники  при построении реалистического  изображения на плоскости пользовались определенными законами перспективы  и благодаря этому добивались желаемого результата. Их произведения для того времени были достаточно реальны. Но если учесть, что эти  произведения намного слабее тех, что  были созданы великими мастерами  Эллады, и живопись была на такой  же высоте, как и скульптура, то можно  не сомневаться — творения греческих  мастеров были прекрасны.

Обучаясь рисованию с натуры, греческие художники изучали  и анатомию. Об этом наглядно свидетельствуют  копии с античных скульптур.

По сохранившимся копиям с произведений скульпторов Древней Греции мы воочию убеждаемся, что греческие скульпторы воспроизводили тело с исключительной анатомической точностью. В произведениях  этих художников оно передано так  верно, что даже самый строгий  современный критик не сможет найти  в них малейшую неточность. Все  мускулы не только правильно моделированы на своих местах, но и, более того, формы одного и того же мускула  различно подчеркнуты на правой и  левой стороне тела, в зависимости  от характера движения и напряжения. Все это говорит о том, что  греческие художники создавали  свои произведения не на одном только вдохновении и наблюдении природы, а на основе серьезного изучения натуры.

Итак, говоря о постановке преподавания рисования в Древней Греции, необходимо отметить, что греческие художники  серьезно поставили дело преподавания, они призывали учеников изучать  искусство на основе данных науки. В  своих методических положениях они  указывали, что художник в своей  творческой работе должен отдавать преимущество знанию, рассудку, а не порывам вдохновения. В этом отношении весьма показательны рассуждения Платона. В своих  «Законах» он писал: «Существуют  две музы, которые хотят и могут  обе нравиться; однако совершенно различны. Муза мудрости имеет то преимущество, что делает своих учеников лучшими; обыкновенная же муза портит их. Художник должен следовать за первой и закрывать  уши от соблазнов другой».

Говоря о методах обучения рисованию  в Древней Греции, необходимо несколько  слов сказать и о технике рисунка. Рисовали в Греции преимущественно  на деревянных буковых дощечках и  реже — на папирусе. Буковые доски  приготовлялись двумя способами: для  рисования стилусами — заостренными металлическими или костяными палочками — доски покрывались слоем воска, иногда воск подкрашивался каким-нибудь цветом; для рисования краской и кистью буковая дощечка грунтовалась специальным левкасом белого цвета — излюбленный метод работы афинской школы. Такие доски применялись главным образом для ученических работ, для набросков и предварительных эскизов. Затем, когда рисунок был надлежащим образом уточнен, художник его перерисовывал на папирус или прямо на стену для фрески, или на керамическую вазу.

В качестве рисовальных материалов греческие художники употребляли  стилус, уголь, грифель, кисть и земляные краски.

Ученики рисовали в основном на буковых  дощечках, покрытых воском. На таких  досках рисовальщик металлической  пли костяной палочкой выцарапывал рисунок (абрис) какой-нибудь фигуры. Гели рисунок получался неверный, его заминали пальцем — разравнивали восковую поверхность — и наносили новый. Говоря о художественных школах Древней Греции, не следует их понимать в современном смысле этого слова. Художественная школа древнего мира была частной мастерской — студией, куда прием был очень ограничен.

Подводя итоги вышеизложенному, необходимо отметить следующее: изобразительное  искусство античного мира по сравнению  с египетским обогатилось новыми принципами и методами построения изображения, а вместе с тем и новыми методами обучения. Греческие художники впервые в истории развития учебного рисунка ввели в употребление светотень и дали образцы перспективного построения изображения на плоскости, заложив основы реалистического рисования с натуры.

Эпоха античной Греции была самой  блестящей эпохой в истории развития изобразительного искусства древнего мира. Значение греческого изобразительного искусства чрезвычайно велико. Здесь  был заложен метод научного понимания  искусства. Греческие художники-педагоги призывали своих учеников и последователей непосредственно изучать природу, наблюдать ее красоту, указывали, в  чем она заключается. По их мнению, красота заключалась в правильной пропорциональной соразмерности частей, совершенным образцом которой является человеческая фигура. Они говорили, что пропорциональная закономерность человеческого тела в своем единстве создает гармонию красоты.

Великие зодчие, устанавливая пропорции  колонны и капители, исходили из пропорциональной закономерности частей человеческого тела.Античная культура дорога нам прежде всего тем, что заложила основы для дальнейшего развития науки и искусства: в искусстве был указан путь к реализму, а в науке — к материалистическому мировоззрению. Но особенно велика роль античной культуры в развитии реалистического искусства, в становлении и развитии академической системы обучения рисунку. Она и сегодня вдохновляет нас на поиски более эффективных методов преподавания изобразительного искусства, на научную разработку методов обучения рисованию.