Развитие творческих способностей детей младшего школьного возраста в процессе изучения техники Монохром

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Глава 2. Изучение техники монохром  на уроках изобразительного искусства в школе

2.1. История возникновения техники монохром

Монохромия (от моно... и греч. chrōma — цвет), буквально — одноцветность. Термин "М." часто употребляется по отношению к произведениям искусства, выполненным в одном тоне какого-либо цвета или его тональных градациях (окрашенным в один цвет) (Приложение № 1).

Так называется цветовая композиция, в которой доминирует какой-либо один хроматический цвет  или его оттенки по цветовому тону, яркости или насыщенности (Приложение № 1).  В том и другом случае композицию могут дополнять ахроматические цвета.

Художественное полотно создано в одном цвете, но в различных оттенках этого цвета. Подобная живопись носит название камай (Camaieu). Если исполняемый цвет серый — то этот вид живописи носит название гризайль;

Природа дает образцы такого рода систем не столько в космическом «широкоформатном» пейзаже, сколько в отдельных деталях его, или же в отдельно взятых изделиях природы. Так, облачное небо в полдень — это синий в сочетании с белым и серым; поле, покрытое всходами злаков-зеленое; море, по нашим наблюдениям, может быть голубым, синим, зелено-голубым, а по наблюдениям Гомера оно пурпурное, или виноцветное.

В мире искусства монохромии занимают более обширное место, чем в природе. Ведь какая-нибудь птица или дерево в природной ситуации — мелкая деталь, в искусстве же этот предмет, изображенный на фоне и заключенный в раму, представляет собой весь мир со своими законами и своим более или менее глубоким смыслом, и в этом мире господствует один цвет; этот мир в целом монохромен.

Такая цветовая система наиболее экономна, она щадит нервную энергию и художника, и зрителя, не требуя от него переключения в различные хроматические регистры. Монохромия дает возможность сосредоточить внимание зрителя на какой-либо одной мысли, эмоции, чувстве, ассоциации. Наконец, если главным средством художника является форма, то ему нет необходимости в широкой палитре — ведь цвет вступает в конфликт с формой и может даже разрушить ее.

Творец нашего мира любит сочетать разные краски; он заботится о целом, о гармонии общего и совокупного. Художник же наполняет мир своей картины отзвуками своих внутренних импульсов, идей, переживаний. Поэтому живописец интровертного типа предпочитает монохромию другим цветовым системам.

В истории живописи Нового времени монохромные произведения преобладают в европейском барокко ХVII века: Рембрандт, Креспи, Фетти, Караваджо, Каналетто, Гварди, малые голландцы, мастера «внестилевого направления»… Позже, в конце ХIХ-начале ХХ века появляется метафизическая живопись со своей сосредоточенностью, интровертностью и обособленностью от реального мира. Виднейшие ее представители — Моранди, Карра, Кирико работают двумя-тремя сближенными красками, не считая ахроматических.

Аналитический кубизм также пользуется узкой палитрой, в которой доминирует античная «четверка цветов Плиния» — красный, желтый, белый, черный. Не забудем, что здесь красный — это железоокисная краска, а желтый — охра. Эти две краски родственны, так как обе окрашены окислами железа; поэтому они образуют монохромное сочетание.

У живописцев и поэтов середины ХХ века монохромия в насыщенном колорите с доминантой чистого цвета обычно выражает крайне напряженное состояние психики, острые эмоции на грани истерики. Таковы, например, немецкие экспрессионисты, т.н. «новые дикие». Впечатляет грандиозная картина заката в стихах великого цветочувствителя Андрея Белого:

В золотистой дали облака, как рубины,

Облака, как рубины, прошли — 

Как холодные красные льдины…

В истории известны примеры особого пристрастия царственных особ к пурпуру. Костюм византийских василевсов был с точки зрения гармонии слишком монотонным, но психологически впечатляющим. Василевс был одет во все пурпурное, расписывался пурпурными чернилами, и даже в раннем детстве был укутан в пурпурные пеленки (как свидетельствует Никита Хониат).

Св. Иоанну Богослову был явлен страшный момент гибели мира: небо и землю заливает красный цвет крови и огня.

Первый ангел вострубил, и сделались град и огонь, смешанные с кровью, и пали на землю; и третья часть дерев сгорела, и вся трава зеленая сгорела.

Вторый ангел вострубил, и как-бы большая гора, пылающая огнем, низверглась в море; и третья часть моря сделалась кровью.

Третий ангел вострубил, и упала с неба большая звезда, горящая подобно светильнику, и пала на третью часть рек и на источники вод. (Иоанн 8: 7, 8, 10)

Особое место в истории монохромной живописи занимает творчество  Н. К. Рериха. Лучшие его картины, поражающие силой религиозного чувства, выдержаны в глубоких синих, красных, пурпурно-фиолетовых тонах: Ярославль. Церковь Рождества Христова, пейзаж (Приложение № 2).

Рассмотрим творчество Джорджио Моранди.

1907 учился во флорентийской  Академии изящных искусств. Изучал  опыт Сезанна и кубизма. В 1914—1929 преподавал рисование в начальных  школах Болоньи. В 1915 был призван  в армию, но пережил нервный  срыв, его демобилизовали. В период войны развивает подход Сезанна, восхищается живописью Таможенника Руссо. В 1918—1922 сближается с «метафизической живописью» Де Кирико и Карло Карры. В 1930—1956 — профессор гравировального искусства во флорентийской Академии.

Моранди целиком посвятил себя натюрморту и пейзажу: Анри Матисс, Натюрморт с бутылками (Приложение № 3).

Его живопись и графика, скупостью средств и повторяемостью мотивов сближающиеся с минимализмом, были отмечены премиями Венецианской Биеннале (1948) , Биеннале в Сан-Пауло (1957). В 1963 он получил Золотую медаль Болоньи. Работы художника фигурируют в фильме Федерико Феллини «Сладкая жизнь» (1960).

В настоящее  время  часто встречаются художники, работающие в данной технике.

Выставочный проект "Монохром" в рамках шестого сезона "Сессий московских художников".

Первый выставочный проект назывался "Картина №1" и был показан в феврале 2005 года. Выставочные проекты сопровождаются выпуском каталогов. Вступительные статьи пишут известные искусствоведы, члены научно-художественного совета. Сессии московских художников являются арт-полигоном на котором подтверждаются известные тенденции в развитии современного искусства, и в то же время возникают новые идеи, дающие творческие импульсы участникам сессий, и становящиеся тенденциями, пока локальными, но возможно и приобретающими характер общих тенденций современного искусства.

"Монохром"  палочки и колбочки  или ночью  все кошки серы.

Шестой сезон «Сессий московских художников» в галерее А3 совпал с проводимой по всему миру (в Москве – с 2007 года) акцией «Ночь в музее». Это редкая возможность увидеть работы вне графика привычной жизни, шанс сместить точку зрения, обострить восприятие. Естественно, такое событие не могло не повлиять на выбор темы, предложенной участникам проекта.

Физиология нашего зрения позволяет различать тональные оттенки, когда цвет уже неразличим. Как известно, наш глаз обладает двумя видами светочувствительных клеток, называемых палочки и колбочки. Первые различают освещенность объектов, вторые воспринимают еще и цвет; палочки, расположенные на сетчатке, функционируют днем и ночью, а колбочки воспринимают мир, только если он достаточно ярко освещен. Когда света недостаточно, основной поток информации от глаз в мозг посылают палочки, не различающие цвета.

Таким образом «ночь», «сумерки» – становятся понятиями, отсылающими в область нижнего предела цветового восприятия.  Они являются своего рода связующим звеном между представлениями о «монохромном» как художественной категории с одной стороны, и знакомым состоянием окружающего мира с другой.  
μονόχρωμος - monochromos, (греч.) одноцветный – понятие, не отрицающее цвета как такового, чаще используется как синоним черно-белого, на деле являясь гораздо более многозначным. Сложные, почти неразличимые градации в границах одного цвета, либо лапидарные столкновения цвета и ахроматического ряда, а так же не обладающие собственными колористическими характеристиками объекты – все это пространство, определяемое как МОНОХРОМ.  

Использование единственного цвета, либо отказ от цвета вообще - это переход в область лимитированных выразительных средств. Если представить себе некую «шкалу свободы», то с одной стороны она окажется ограниченной внешними (техническими) условиями, а с другой - исключительно внутренними, установленными самим автором. Выбор монохромного решения – это возможность применить в художественной практике принцип «Лезвия Оккама», отсекая все те «артистические сущности», что становятся излишними в стремлении к предельной, абсолютной выразительности. 

Любопытно, что практически все монохромные техники в момент своего появления являлись наиболее передовыми –  от линии, проведенной углем на стене пещеры до монохромной вазописи, от гравюры  до дагерротипа, от черно-белого кино до первых копиров. Достаточно быстро развитие технических возможностей оттесняет каждое новшество в категорию архаики – и с течением времени этот процесс становится все более стремительным, - но часто именно с утратой «ауры новизны» происходит переосмысление скрытых качеств материала, и, как следствие, его актуализация.

Эти процессы интересно рассмотреть во всей полноте пластических воплощений, и именно поэтому проект не имеет формальных технологических ограничений – представлены живопись, графика, инсталляция, фотография, видеоарт более семидесяти художников (Приложение № 4, 5).

Рассмотрим  технику и духовную  основу монохромной живописи. Японское искусство СУМИ-Э.

В Японии существует масса различных и прекрасных направлений в искусстве. Одним из таких является суми-э (картина тушью). Еще ее называют суйбокуга (картина водой и тушью). Это черно-белая живопись, исполненная черной тушью (суми) – твердая форма древесного угля.

Начало появления в Японии относится к середине 13 века. 
Кроме черной и китайской туши (вторая производится из сажи и растирается в тушнице) в суми-э иногда используются и некоторые бледные цвета, которые подчиняются монохромному стилю.

«На первый взгляд, небольшое количество туши на листе белой бумаги кажется простым и скучным, но по мере пристального всматривания оно трансформируется в образ природы — маленькую частицу этого мира, видимую вроде бы смутно, как в тумане, но частицу, которая может увести дух зрителя к величественному целому», — писал современный японский исследователь Нома Сэйроку.

Это волшебная техника, от которой веет магией востока. Она может быть совершенно разной. Она передает эмоции, гармонию, безупречность и немаловажную филосовскую часть, которая передается через штрихи, пятна, растушевки и настроение художника.

Первыми художниками суми-э были дзэнские монахи Као Нинга, Мокуан Рейьен, Сессю Тоё, которые изображали пейзажи, напоминавшие китайский ландшафт. Это были разные ущелья, горы, пещеры, которые не имели ничего общего с японским ланшафтом, но со временем японские виртуозы изменяли стиль написания картин. Произведения стали более похожими на японские пейзажи. Также Таварая Сотацу создал новую технику — «тарасикоми», заключающуюся в том, что поверх непросохшей туши накладывается еще слой, благодаря чему создается декоративно выразительная «переливчатая» живописная фактура.

Кроме ландшафтов, тушью также писали портреты. Первые «модели» были дзэнскими монахами. Школы Амии – Ноами, Гейам и Соами постепенно начали отделять суми-э от дзэн-буддизма в конце эпохи Муромати. С 1600 года, в эпоху Эдо, такая живопись продолжала развиваться и определила историю развития суми-э именно с этого периода.

Для того, чтобы рисовать суми-э, необходимо подготовить нужные инструменты, главным образом японского происхождения, но их можно найти в специализированных магазинах.

Кисточка

Понадобиться 2 штуки – толстая и тонкая. Щетина может быть из козы, оленя или кабана. Длина ручки от 20 до 22 см и диаметром от 5 до 10 мм. Новые кисти необходимо мягчить перед работой в обыкновенной воде. После работы, кисти необходимо ополоснуть от краски и оставить сушиться в горизонтальном положении. Только после того как кисточки полностью высохли, их можно использовать вновь. Абсолютно непригодны для суми-э кисточки синтетические или со щетинками из конского волоса.

Сузури

Сузури (в переводе с японского "камень для красок") - это обработанный камень в форме прямоугольника или круга. У одной из его стенок есть углубление, которое наполняется водой. У камня ровная и гладкая поверхность, что позволяет легко растирать брусочек туши для получения краски с капельками воды. После каждого раза работы, сузури тщательно промывается от краски. Если вы не можете найти сузури, то можете использовать вместо нее керамическое блюдце из глины не покрытое лаком.

          Тушь

Тушь, используемая в живописи, выпускается в виде прямоугольных брусочков, сделанных из порошка из соснового угля или сажи и клейкого вещества или камфары. Постукивая брусочком краски по поверхности сузури, растирая из стороны в сторону вместе с водою, можно превратить порошок в краску. Однако пригодна также для этой технике и жидкая тушь.

Бумага

Для живописи суми-э идеальна «рисовая» бумага (газенсби). Она представляет собой гладкие листы, с шероховатой обратной стороною.  
Вполне подойдет для суми-э акварельная бумага или любая другая, имеющая пористую поверхность с некоторыми неровностями. Для живописи суми-э пригодна даже глянцевая бумага, так как глянец препятствует растеканию на ней туши.