Роды, виды и жангры театрального искусства

 

 

 

 

 

2.1.   Вид театрального  искусства

  Вид - это исторически сложившиеся, формы творческой деятельности, обладающие способностью художественной реализации жизненного содержания и различающиеся по способам ее материального воплощения.  
    Театр является видом искусства, что художественно осваивает мир путем драматических действий, осуществляемых актерами публично. 
    Самые первые театральные представления состояли из слов и песен, из движений и танца. Благодаря музыке и движениям в театральном представлении сила слова росла и процветала, как отдельные представления, актеры театра все чаще представляли публике танцы. Все эти жесты и слова в театральной игре так умело были соединены в единое целое, что зрители совершенно не могли в своем сознании разделять все эти формы, не могли воспринимать каждую отдельно, они наслаждались игрой актеров, их мастерством, весь спектакль проходил для них на одном дыхании. 
    Со временем зритель стал более разборчив, научился разделять и распознавать элементы и формы в театральном представлении, так и появились разновидности театра. В представлениях стали намеренно соединять различные формы и приемы актерской игры. 
    Возникновение разнообразных видом театрального искусства  зависит от настроения и требований публики, от географического расположения страны, в которой рождается тот или иной жанр, разные жанры способны выражать целый спектр человеческих эмоций – от позитивных до негативных.  
Существует 5 основных видов театрально искусства :

1.Трагедия

2.Комедия 

3.Водевиль

4.Фарс

5.Мелодрама

 

2.2. Трагедия

Трагедия - один из основных жанров театрального искусства. Трагедия – драматургическое или сценическое произведение, в котором изображается непримиримый конфликт личности с противостоящими ей силами, неизбежно ведущий к гибели героя.

Трагедия, возникла из языческого ритуала, сопровождавшегося хоровым песнопением в честь древнегреческого бога Диониса, включающим  в себя зачатки диалога между хором и запевалой, и именно диалог позже стал главной формой организации всех жанров драматургического и сценического искусства.

Обязательный составляющий элемент трагедии – масштабность событий. В ней всегда идет речь о высоких материях: о справедливости, любви, принципах, нравственном долге и т.п. Вот почему героями трагедии часто становятся персонажи, занимающие высокое положение – монархи, полководцы и т.п.: их поступки и судьбы оказывают решающее влияние на историческое развитие общества. Герои трагедии решают кардинальные вопросы бытия. При этом неизбежная гибель героя в финале отнюдь не означает пессимистического характера трагедии. Напротив, стремление противостоять складывающимся обстоятельствам дает обостренное ощущение торжества нравственного императива, обнажает героическое начало человеческой сущности, вызывает осознание непрерывности и вечного обновления жизни. Именно это позволяет зрителю достичь т.н. катарсиса (очищения), и показывает глубокое родство трагедии с темой циклического умирания и обновления природы.

Историческое развитие трагедии происходило весьма драматично, жанр переживал самые разнообразные трансформации, при этом сохраняя свои основополагающие черты.

Основы трагедии были заложены в древнегреческом театре. Главной темой древнегреческих трагедий были мифы (хотя встречались и трагедии, написанные на современные сюжеты – например, Персы Эсхила. Эволюция и становление жанра ясно просматривается в творчестве трех великих древнегреческих драматургов, считающихся основоположниками трагедии: Эсхила, Софокла и Еврипида. Эсхил первым ввел в трагедию второго актера (до него на сценической площадке действовали один актер и хор), укрупнив роли индивидуальных персонажей. Софокл значительно увеличил диалогические части и ввел третьего актера, что позволило обострить действие: герою противопоставлялся второстепенный персонаж, стремящийся отклонить его от выполнения долга. Кроме того, Софокл ввел в древнегреческий театр декорации. Еврипид повернул трагедию к реальной действительности, по свидетельству Аристотеля, изображая людей «такими, каковы они есть» раскрывая сложный мир психологических переживаний, характеров и страстей

«Золотым веком» трагедии считается эпоха Ренессанса. Наиболее яркие образцы трагедии этого времени дал английский театр, и, конечно, в первую очередь –У.Шекспир. Основу сюжетов английской трагедии составляли не мифы, а исторические события (либо легенды, приобретавшие статус реальности). В отличие отантичной, ренессансная трагедия имела свободную сложную композицию, обладала неизмеримо большей динамикой, выводила на сцену многочисленных персонажей. Отказ от строгих композиционных канонов, – при сохранении главных типических черт жанра, – сделал ренессансную трагедию вечной, актуальной во все времена. Это справедливо не только для английской, но и испанской трагедии Возрождения .  Для трагедии Ренессанса характерен отказ от полной чистоты жанра, истинно трагические сцены перемежались комическими интермедиями.

Для театрального искусства 20 в. характерна тенденция смешения жанров, их усложнения и развития промежуточных жанровых образований. Однако трагедия существует постоянным контрапунктом в жанровом многоголосии. Ее признаки мы находим в драматургии всех стилевых течений – экспрессионизме, реализме, экзистенциализме, романтизме, абсурдизме и т.д. Этому, несомненно, способствовало то обстоятельство, что 20 в. наполнен масштабными трагическими событиями, оказавшими серьезное воздействие на судьбы всего мира.

 

 

2.3.  Комедия

Комедия  - один из основных жанров театрального искусства. Опираясь на формальные признаки, можно определить комедию как произведение драматургии или сценического искусства, возбуждающее смех зрителей. Однако трудно найти другой термин, вызывавший столько теоретических споров в искусствоведении, эстетике и культурологии на протяжении всей истории своего существования. 

Комедия — вид драмы, где действие и характеры изображены в формах комического. Как и трагедия, родилась в Древней Греции. Комедия, саркастично исследуя человеческую природу, смеялась над пороками и заблуждениями людей и общества. По принципу организации действия может быть комедия характеров, положений, идей. По типу сюжетов комедия может быть бытовой и лирической, по характеру комического языка — юмористической или сатирической.

Различают комедию положений и комедию характеров.

Комедия положений (комедия ситуаций, ситуационная комедия) — комедия, в которой источником смешного являются события и обстоятельства.

Комедия характеров (комедия нравов) — комедия, в которой источником смешного является внутренняя суть характеров (нравов), смешная и уродливая однобокость, гипертрофированная черта или страсть (порок, недостаток). Очень часто комедия нравов является сатирической комедией, высмеивает все эти человеческие качества.

Для того что бы воплотить «комедию» на сценической площадке нужно уметь быть смешным.

Почти все с рождения умеют пугаться, смущаться, быть серьезными, рассеянными, расстроенными и сердитыми.И все это помогает хорошо в сценарном деле. Но быть «смешным»? Если вы не приобрели этот навык в детстве, то часто это проявляется в ваших работах. Тем не менее любой человек, у которого хотя бы есть чувство юмора, кто любит шутки и много смеется, может научиться быть «смешнее».

Существуют некие правила, которые помогают «оживить» комедийный сценарий :

1) говорить конкретно

Ничто так не улучшает шутку как конкретная аллюзия. Чем известнее аллюзия, тем больше вероятность попасть в цель и заставить людей смеяться. Часто новички, создавая шутку, используют в ней общие понятия, например, слово «собака» вместо «овчарка», «пудель» или «чихуахуа». Между тем использование конкретной породы делает шутку гораздо смешнее

2) в конце шутки должно стоять смешное слово

Это правило настолько простое и очевидное, что авторы зачастую игнорируют его. При этом оно работает! Если в вашей шутке есть слово, которое смешно звучит, попытайтесь построить предложение так, чтобы оно попало в конец вашей шутки. Многое из того, что нас смешит, трудно объяснить. Даже закаленные и циничные комедиографы зачастую не могут сказать, почему одни шутки работают, а другие нет. Но можно с уверенностью сказать, что эффективность шутки зависит от ритма и звучности. Если вы завершаете свою шутку смешным словом, она обретает силу. Что такое «смешное слово»? Ну, для начала:

3) слова с твердым звуком «к»

Посмотрите любую классическую комедию или ситком и поймете, что большинство шуток основаны на использовании этого звука. В шедевре Нила Саймона «TheSunshineBoys» («Солнечные мальчики»), главный персонаж, стареющий актер водевиля, говорит: «Смешны слова «пикуль», «кура», «Алка-зельтцер». И он прав. Комедийные сценаристы не обязательно ищут слова с твердым «к» для своих шуток, но когда мы их слышим, то инстинктивно цепляемся за эту согласную.

4) нельзя переписывать сценарий под шутку — она должна возникать естественно

Часто, когда сценарист пытается быть смешным, к нему может прийти в голову хорошая шутка, которую можно использовать в конце эпизода. И она так ему нравится, что он начинает строить сцену и диалоги, чтобы подвести сценарий к этой шутке. Это практически никогда не срабатывает. В девяти случаях из десяти эта шутка нарушает целостность сценария. Иногда она напрочь убивает динамику сцены, иногда меняет ее эмоциональную окраску. Шутка не срабатывает, поскольку она не органична, не исходит от персонажа и не является логическим продолжением ситуации. Юмор всегда создается для персонажей, которые обладают цельным характером с очень конкретными, иногда причудливыми чертами. Кроме того, комедия может возникать из конфликта или определенной ситуации. Многие знаменитые комедийные авторы создавали сцены, в которых не было ничего смешного, а затем переписывали сценарий, чтобы понять, в каком персонаже и в какой ситуации можно найти юмор.

5) удаление шуток, которые не подходят к сценарию, даже если они вам нравятся

Часто юмор был даже острее, чем в оригинале, ведь еще Шекспир писал: «Краткость — сестра таланта». Не бойтесь менять, сокращать и отбрасывать, поскольку ритм — это ключевой элемент успешной комедии. Самое сложное в создании комедии — понять, что ваша хорошо написанная и смешная шутка не работает для этой сцены. Просто откажитесь от нее.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2.4.Водевиль

Водевиль (фр. vaudeville) - это собирательное обозначение особого жанра простой незатейливой шутливой песенки народного характера, лёгкой по мелодической композиции, насмешливо-сатирической по содержанию.

Во второй половине XVII столетия появились во Франции и небольшие театральные пьески, вводившие по ходу действия эти песенки и от них и сами получившие название «водевиль». А в 1792 в Париже был основан даже специальный «ThéâtredeVaudeville» — «Театр водевиля». Из французских водевилистов особенно известныСкриб и Лабиш.

В России прототипом водевиля была небольшая комическая опера конца XVII века, удержавшаяся в репертуаре русского театра и к началу XIX века. Сюда можно отнести — «Сбитеньщик» Княжнина, Николаева — «Опекун-Профессор» и «Несчастье от кареты», Левшина — «Мнимые вдовцы», Матинского — «С.-Петербургский Гостиный двор», Крылова — «Кофейница» и др.

Ранний водевиль тесно связан с синтетической ярмарочной эстетикой: буффонадой, эксцентрическими персонажами народного театра (Арлекином и др.). Его отличительной чертой была злободневность: куплеты исполнялись, как правило, не на оригинальную музыку, а на знакомые популярные мелодии, что, несомненно, давало возможность подготовки нового представления за очень короткие сроки. Это придавало водевилю необычайную мобильность и гибкость – не случайно первый расцвет водевиля приходится на годы Французской буржуазной революции (1789–1794). Возможность немедленного отклика на происходящие события сделала водевиль агитационным орудием революционной идеологии. После революции водевиль утрачивает пафос и злободневную остроту; однако, популярность его не падает, но, напротив, – увеличивается. Именно в водевиле проявляется страсть к шутке, каламбуру, остроумию, что, по выражению , «составляет один из существенных и прекрасных элементов французского характера». К началу 1790-х популярность водевиля во Франции настолько велика, что группа актеров театра «КомедиИтальенн» открывает театр «Водевиль» (1792). Вслед за ним открываются и другие водевильные театры – «Театр Трубадуров», «Театр Монтансье» и др. А сам жанр постепенно начинает проникать и в театры других жанров, сопровождая постановки «серьезных» пьес.

Французский водевиль дал толчок развитию жанра во многих странах и оказал существенное влияние на развитие европейской комедии 19 в., причем не только в драматургии, но и в ее сценическом воплощении. Основные принципы структуры жанра – стремительный ритм, легкость диалога, живое общение со зрителем, яркость и выразительность характеров, вокальные и танцевальные номера – способствовали развитию синтетического актера, владеющего приемами внешнего перевоплощения, богатой пластикой и вокальной культурой.

К концу 19 в. водевиль практически сходит с русской сцены, вытесненный как бурным развитием реалистического театра, так и – с другой стороны – не менее бурным развитием оперетты. На рубеже 19–20 вв., пожалуй, единственным заметным явлением этого жанра были десять одноактных пьес . Несмотря на отказ от традиционных куплетов, Чехов сохранил типично водевильную структуру своих одноактных пьес: парадоксальность, стремительность действия, неожиданность развязки. Тем не менее, в дальнейшем А.Чехов уходит от водевильной традиции, в своих поздних пьесах разрабатывая драматургические принципы совершенно нового комедии.

Некоторое оживление российской водевильной традиции можно обнаружить в 1920–1930, когда в этом жанре работали А.Файко (Учитель Бубус), В.Шкваркин (Чужой ребенок). Тем не менее, дальнейшего развития в чистом виде водевиль не получил, в 20 в. гораздо большей популярностью пользовались иные, более сложные комедийные жанры – социально-обличительная, эксцентрическая, политическая, «мрачная», романтическая, фантастическая, интеллектуальная комедия, а также – трагикомедия.

 

 

 

 

2.5.Фарс

Вид народного театра, получивший распространение в большинстве западноевропейских стран в 14–16 вв. Легкие развлекательные сценки, разыгрываемые актерами-масками, действующими в рамках постоянных характеров, ведут свое начало из народных обрядов и игр. В период становления христианства этот вид зрелищ сохранялся в представлениях странствующих актеров, называвшихся в разных странах по-разному (гистрионы, скоморохи, ваганты, шпильманы, мимы, жонглеры, франки, хугляры и т.д.). Такие представления жестоко преследовались церковью, и существовали практически на «подпольном» положении. Однако, с развитием и ростом популярности мистерий (14–16 вв.), в них все большее место начали занимать комедийно-бытовые элементы, интермедии, слабо связанные с основным религиозным действом. Собственно, именно тогда и возник термин «фарс» – главное патетическое и торжественное действие «начинялось» комедийными вставками. Так началось возрождение народного театра. Фарс постепенно складывался в отдельный жанр, причем не только в рамках профессионального, но и самодеятельного театра – объединений горожан, широко занятых в комедийных эпизодах мистерий и осуществлявших организационную работу по их проведению (во Франции – братства и шутовские общества, в Нидерландах – камеры риторов, в Германии – мейстерзингеры). Фарс стал истинно народным, демократическим жанром зрелищно-театрального искусства. Так, во Франции в 15–16 вв., наряду с мистерией и моралите, получил широкое распространение фарсовый театр соти (франц. sotie, от sot – глупый), где все персонажи выступали в обличии «дураков», аллегорически изображающих общественные пороки. Не менее широко фарсовые сценки были распространены в массовых праздниках, особенно – карнавалах, предварявших начало Великого поста. Для фарса характерен грубоватый юмор, буффонада, импровизация, акцент не на индивидуальных, а типических чертах персонажей. Наибольшую известность получили французские фарсы: Лохань, цикл об адвокате Патлене и т.д. Эстетика средневековых фарсов оказала серьезное влияние на развитие европейского театра (в Италии – комедия дель арте; в Англии – интерлюдии; в Испании – пасос; в Германии – фастнахтшпиль; и т.д.). Фарсовые мотивы отчетливо видны и в литературном творчестве драматургов эпохи Возрождения (Шекспира, Мольера, Сервантеса и др.).