Танец как явление культуры

1.5 Танец в XIX веке

Во второй половине XVIII века менуэт наскучил публике своими формализмом и жеманностью. Настало время вальса. Его непосредственным предшественником был немецкий лендлер, распространенный в горных областях Южной Германии и Австрии под названиями веллер или шпиннер. Этот быстрый скользящий крестьянский танец отличался непосредственностью, естественностью и полным отсутствием преувеличенной манерности. Вальс стал предметом всеобщего увлечения во второй половине XVIII века. Быстро завоевав сердца немецких буржуа, он в течение долгого времени не получал доступа на придворные балы немецкого императорского дома. В Англии вальс находился под запретом до 1812 года. В течение XIX века во Франции появилась чисто французская, «подпрыгивающая» разновидность вальса; в 1880-х годах в Америке распространилась американская разновидность — медленный вальс-бостон. В Европе вальс часто чередовали с кадрилью, которая была столь же популярна в начале и середине XIX века, как канкан — в конце века. Среди подвижных, с прыжками, танцев XIX века можно отметить польку, мазурку и галоп.

На рубеже XIX-XX веков Веку вальса с его романтическим настроением соответствовал век классического балета. Главными чертами балетного искусства стали воздушность движений, сказочные сюжеты и сценическое оформление, столкновение обыденного и сверхъестественного, смесь реальности и вымысла. Но гипертрофия технической стороны, одностороннее развитие виртуозности постепенно привела классический балет к вырождению в формальные стереотипы, против которых пришлось бороться следующему поколению театральных деятелей.

В конце XIX европейский танец испытал новые влияния, идущие из афроамериканских и латиноамериканских источников. Афроамериканский танец, развивавшийся в Новом Свете, воплотил идею свободы. Законы запрещали неграм «бить в барабаны, трубить в рога и т.п.» на том основании, что подобные действия могли оказаться подстрекательством к восстанию, и поэтому негры танцевали под удары в ладоши и аккомпанемент банджо. Из шарканья ногами и притопывания родился характерный эстрадный танец типа чечетки (или степа), который исполнялся в представлениях т. н. менестрелей (минстрел-шоу) и позже приобрел художественную форму. Другим изобретением черных жителей Америки стал кэк-уок, который вошел в моду в США к концу XIX века. Это был танец-соревнование, где каждая пара старалась превзойти соперников в каскаде высоких замахов ногой, быстрых шагов, захватывающих дух прыжков и изобретательных поворотов. Кэк-уок был американской аналогией завоевавшего тогда Европу канкана.

Ритмические танцы Латинской Америки привлекали своим экзотическим обаянием. Особым успехом пользовались бразильский матчиш и кубинская хабанера — предшественница танго.

Глава 2. Развитие танцевального искусства в XX столетии

Грянуло новое мышление. Артисты танца стали принимать во внимание качества личности, ритуальные и религиозные аспекты, примитив, выразительность и эмоциональность. В этой атмосфере произошел бум современного танца. Внезапно появилась новая свобода в том, что теперь считалось приемлемым, что получило название признанного искусства, в котором отныне хотели творить многие люди. Все атрибуты нового искусства стали также ценны, как костюмы балета – или даже ценнее их.

Большинство хореографов и танцоров начала XX века относились к балету крайне негативно. Исидора Дункан считала его безобразной бессмысленной гимнастикой. Марта Грэм (Грэхем) видела в нем европейщину и империализм, у которых с американцами нет ничего общего. Мерс Каннингхэм, несмотря на то, что использовал в преподавании некоторые основы балетной техники, подходил к хореографии и выступлению с позиций прямо противоположных традиционному балету.

Двадцатый век определенно стал временем отрыва ото всего, на что опирался балет. Временем беспрецедентного творческого роста танцоров и хореографов. Временем шока, удивления и зрителей, которые изменили свое представление о танце. Временем революции в полном смысле этого слова.

Шестидесятые годы ознаменовали развитие постмодернизма, который изменил курс на простоту, красоту маленьких вещей, нетренированных тел и безыскусственных, простых движений. Знаменитый манифест «Нет», отвергающий все костюмы, сюжеты и «показуху» ради сырого, необработанного движения – это, наверное, ярчайшая крайность этой волны новой мысли. К сожалению, отсутствие костюмов, сюжетов и бутафории не способствуют успешности танцевального шоу – и спустя недолгое время «декорации», «художественное оформление» и «уровень шока» снова появились в лексиконе хореографов современного танца.

К восьмидесятым годам классический танец вернулся в исходную точку, а современный танец (или, к этому времени уже contemporary dance) стал высокотехничным оружием профессионалов, недалеким от политики. Две формы танца, contemporary dance и классический балет, мирно сосуществуют бок о бок, испытывая одна к другой лишь крохотную долю былой неприязни и почти не вступая в соперничество. Сегодня танцевальное искусство проникнуто творческой конкуренцией и хореографы зачастую стремятся к тому, чтобы именно их работу назвали самой шокирующей. Однако до сих пор в искусстве есть красота, и танец современности потрясает такими профессионализмом, силой и гибкостью, которых никогда не было доныне.

2.1 Фольклорный танец

Фольклорный танец подразумевает соучастие зрителей, в нем запечатлеваются основные черты характера и темперамента создавшего его народа. Это обычно танец анонимного происхождения, передающийся от поколения к поколению. Хотя фольклорный танец может исполняться и в городах, истоки его почти всегда связаны с сельской местностью. Несмотря на различия исторического характера, фольклорные танцы разных стран имеют много общего в ритмическом строении и рисунке движений. Упомянутые различия иногда обусловлены географическими условиями. Например, танцы горцев одной страны могут быть в большей степени похожи на танцы горцев других стран, чем на танцы обитателей равнин в той же стране.

Танец рил американского штата Виргиния близок хороводным танцем многих других стран. Мазурка с ее характерной трехдольностью воплощает польский характер, в то время как полька с ее отрывистым ритмом — дух чешского народа. Чардаш, состоящий из двух частей — медленного кругового танца мужчин и огненного парного танца — соответствует общему представлению о венгерском характере, с его безотчетной тоской и бурными страстями. Альпийская форма шуплаттлера, танца ухаживания, распространена в Баварских и Австрийских Альпах. Этот интересный народный танец состоит в притопывании ногами, прищелкивании каблуками и в хлопках по бедрам и коленям; кроме того, в этом танце мужчина перепрыгивает через присевшую партнершу, а та кружится под его рукой.

Некоторые фольклорные танцы являются напоминанием о древних культах плодородия, в рамках которых эти танцы и возникли. Так, хоровод вокруг майского дерева приветствует пробуждение природы. Этот танец характерен для всей Европы — от Испании до Норвегии, и его истоки прослеживаются в греческих дифирамбах во время дионисийских празднеств. Танцы с мечами возникли из языческого обряда, имитирующего борьбу между зимой и летом; они связаны также с древнегреческим военным танцем. Шотландский мужской одиночный танец с мечами — один из самых известных примеров данного типа.

Фольклорные мотивы часто играют большую роль в балете. С 1940-х годов стало распространяться увлечение подлинным, этнографически достоверным танцевальным фольклором. Существует немало профессиональных танцевальных трупп, которые достигли международной известности, демонстрируя сценические формы народных танцев, например российский Ансамбль народного танца Игоря Моисеева, Ансамбль украинского танца, ансамбль "Инбал" в Израиле, "Фольклорный балет" Мексики, "Баянихан" на Филиппинах.

2.2 Балет

Балет - высшая ступень хореографии, в котором танцевальное искусство поднимается до уровня музыкально-сценического представления, возник как придворно-аристократическое искусство гораздо позже танца, в XV-XVI веках. Термин «балет» появился в ренессансной Италии в XVI веке и обозначал не спектакль, а танцевальный эпизод. Балет — синтетическое искусство, в котором танец - главное выразительное средство балета, тесно связан с музыкой, с драматургической основой — либретто, со сценографией, с работой костюмера, художника-осветителя и т.д. Балет многообразен: сюжетный — классический повествовательный многоактный балет, драмбалет; бессюжетный — балет-симфония, балет-настроение, миниатюра. По жанру балет может быть комическим, героическим, фольклорным. XX век принёс в балет новые формы: джаз-балет, модерн-балет.

История балета XX века характеризуется процессами ассимиляции традиций русского классического балета с европейскими балетными коллективами. Ведущими тенденциями становятся метафоричность, бессюжетность, симфонизм, свободная ритмопластика, танец модерн, элементы фольклорной, бытовой, спортивной, джазовой лексики. Во второй половине XX века развивается постмодерн, в арсенал выразительных средств которого вошли использование кино и фотопроекций, эффекты освещения, звука, электронная музыка, хэппенинг (участие зрителей в балете) и т.д. Появился жанр контактной хореографии, когда танцовщик «контактирует» с предметами на сцене и самой сценой. Доминирует одноактный балет-миниатюра (новелла, балет-настроение). Странами наиболее развитой хореографической культуры были Великобритания, США, Франция, СССР. Большую роль в развитии мирового балета сыграли танцовщики второй волны русской эмиграции (Р.Нуреев, Н.Макарова, М.Барышников) и танцовщики русской школы, работавшие на Западе по контракту (М.Плисецкая, А.Асылмуратова, Н.Ананиашвили, В.Малахов, А.Ратманский). В Германии, Голландии, Швеции развился экспрессионистский, затем постмодернистский балет.

В 1920-1930-х годах центром европейского балетного искусства стала Франция, где до 1929 года работала труппа «Русский балет» Дягилева и выросшие на ее основе коллективы. Во второй половине XX века Франция дала балету таких самобытных хореографов, как Морис Бежар и Ролан Пети.

В 1930-1959 годах, с перерывом на военные 1944-1947 годы, труппу Парижской оперы возглавлял Серж Лифарь, поставивший там 50 балетов в стиле неоклассицизма, модернизировав классический танец и соединив его с элементами свободного, фольклорного, бытового танца. Наиболее известные балерины того времени: Клод Бесси, ученица Лифаря, а также лирическая танцовщица Иветт Шовире, прославившаяся исполнением партии Жизели.

Хореографические новации развились вне стен Оперы, хотя с 1970-х годов там ставили балеты Баланчин, Д.Роббинс, Г.Тетли, П.Тейлор. В 1983-1989 годах руководителем балетной труппы Парижской оперы вновь стал выходец из России, советский танцовщик Р.Х.Нуриев. Он поставил там ряд классических балетов, а также пригласил к сотрудничеству одного из крупнейших хореографов современности У.Форсайта, что внесло свежую струю в жизнь танцевальной труппы театра, превратившейся к тому времени в балетный музей. Из танцовщиц оперы известность получили Сильви Гийе, Изабель Герен. Выдающийся классический танцовщик Патрик Дюпон руководил труппой в 1990-1995 годах.

Главное достижение американского балета — творчество Джорджа Баланчина, выходца из России, выпускника Петроградского театрального училища. Он создал новое направление в хореографии — симфонический бессюжетный балет неоклассического стиля, самодостаточное хореографическое действо (иногда без либретто, сценографии и костюмов). На творчество Баланчина большое влияние также оказала датская школа хореографии, стремящаяся к тонкости, живой легкой работе ног (т.н. заноски Бурнонвиля), быстрой смене направлений и нарастающих ритмов движений. Крупнейшие танцевальные театры США — «Нью-Йорк сити балле» и «Американ балле тиэтр» родились в результате взаимодействия русской классической и американских (танца модерн, акробатической, джазовой, бытовой лексики) традиций. Ведущей тенденцией американского балета остается бессюжетность и метафоричность, камерный одноактный балет.

Балет стран с богатым хореографическим прошлым (Австрия, Италия) в настоящее время находится на периферии балетных идей. Музыкальные театры Вены и Милана отдают приоритет опере. Хотя в Италии существует многовековая школа виртуозного танца, но талантливые балерины реализуют себя, как правило, за границей (Карла Фраччи, Алессандра Феруччи), а итальянский балет находится на грани выживания.

Во второй половине XX века балет проник в страны, где сильны традиции народного танца. В Испании появился «Балет лирико насионал» под руководством бывшего артиста «Нидерландского танцевального театра» Начо Дуато, в Латинской Америке возникли «Национальный балет Кубы», созданный балериной «Американ Балле» Алисией Алонсо, «Аргентинский балет», основанный танцовщиком того же театра Хулио Бокка. Появились балетные труппы в Японии, где популярен и классический балет, и современный танец: Токио-балет, группа "КАРАС" Сабуро Тешидава открыты всем направлениям, от классики до перфоманса.

2.3 Твист

Твист по определению является одним из бальных танцев, которые обычно обязательны в любой танцевальной программе подобного рода.

В переводе с английского языка, слово «твист» буквально означает «кручение». Танец твист распространился только в 60-е годы XX века, несмотря на то, что существовал он уже достаточно продолжительное время. Родиной твиста считается Америка, что вполне заслужено, так как все наиболее известные исполнители музыки в стиле твист и все наиболее знаменитые танцевальные коллективы родом из разных частей Америки, как Южной, так и Северной. Особенностью танца твист, а также музыки твист, является, несомненно, музыкальный размер, с которым исполняется произведение данного стиля. В том случае, если исполняется твист, важно помнить, что акценты в произведении делаются на все четыре четверти такта. Самым известным исполнителем музыки твист заслуженно считался американский певец по фамилии Чекер.

Несмотря на то, что твист в большей степени являлся в исполнении прерогативой иностранных исполнителей, его ритмика и особенности звучания так же использовались при исполнении и написании композиторами и исполнителями советских стран. Особенно в этом плане отличился композитор Бабджанян, композиции которого до сих пор являются заслуживающими уважения хитами 60-80-х годов. Твист является достаточно быстрым танцем, ритм которого очень легко улавливается. Даже в наше время при проведении танцевальных соревнований в обязательную программу, которую должна исполнить каждая из пар, входит твист. Он включает в себя несколько основных па, которые должны присутствовать в программе танца, а также всевозможные дополнительные движения, соответствующие не только ритму, сколько стилевым особенностям танца.

Все с чего-то начинается, так и музыка и танец твист когда-то начались со стремления молодого талантливого танцора сделать что-то большее, выступать не только в качестве танцора, но и в качестве исполнителя песен, певца.

После того, как этот молодой человек, которого в то время звали Эрнст Эванс, выпустил свой первый хит, пародируя известных личностей мирового класса на поприще исполнения рок-н-ролла, он получил реальный шанс осуществить свою мечту. В начале 60-х годов малоизвестный в то время танцор, начинающий свою карьеру на поприще музыкального искусства в качестве певца привлек к себе внимание одного из самых известных телеведущих Америки. Этот телеведущий отличался не только стремлению соответствовать модным тенденциям, но и изрядной долей консерватизма. И именно по этой причине он решил немного сместить в сторону очень популярный в то время рок-н-ролл, который считал полным эротики, что, опять же, по его мнению, развращало молодое поколение. Он решил заменить его на не менее жизнерадостный и энергичный танец, но при этом изменить как сам танец, так и музыкальное сопровождение.  
 После того, как схлынула первая волна увлечения твистом практически всего населения мира, внимания большинства обратилось на более новые и неизведанные стили музыки и танцев. Тем не менее, популярность твиста полностью не угасла, и через 10 лет интерес к нему проявился с новой силой. Первого исполнителя и создателя твиста, Чебби Чекера пригласили спеть вместе с одной известной рэп-группой. Композиция, которая обрела второе дыхание, стала снова популярной.