Какую роль играл театр в жизни греческого народа

Благодаря тесной связи греческого театра с  культом Диониса актеры пользовались в Греции большим почетом и  занимали высокое общественное положение. Актером мог быть только свободнорожденный. Они, как и драматурги, могли принимать деятельное участие в жизни Греции. Их могли избирать на высшие государственные должности в Афинах и отправлять в качестве послов в другие государства.

Победителями  на драматических состязаниях вначале  признавались только хорег и драматург. Но, начиная со второй половины V в. до н.э. в театральных состязаниях принимали участие и протагонисты.

В греческой  драме число актеров не превышало  трех человек, то одному и тому же актеру в течении пьесы приходилось играть несколько ролей. Если в пьесах присутствовали немые роли, их играли статисты.

Женские роли всегда исполнялись мужчинами. Трагические и комедийные актеры должны были не только хорошо декламировать  стихи, но и владеть вокальным  мастерством, так как в наиболее патетических местах драмы актеры исполняли  арии. Путем постоянных упражнений греческие актеры вырабатывали у  себя силу, звучность и выразительность  голоса, безукоризненность дикции и  доводили до большого совершенства искусства  пения. Но кроме этого, греческий  актер должен был владеть искусством танца и вообще искусством движения в самом широком смысле этого  слова. Поэтому греческому актеру необходимо было много работать над гибкостью  и выразительностью тела.

Актеры  носили маски, так что мимика из игры была исключена. Тем больше должны были греческие актеры работать над искусством движения и жеста.

Маски проникли в греческий театр вследствие исконной связи последнего с культом  Диониса. Жрец, изображавший божество, всегда выступал в маске. Однако в  театре классического периода маски  уже не имели культового значения. Зато она отвечала задачам греческого театра создавать крупные обобщенные образы. “Так, например, характер или  сиюминутное настроение действующего лица определялось маской, которую  надевал на лицо актер: хохочущая, скорбная, умиротворенная. Они менялись всякий раз, как только исполнитель переходил соответственно от веселья к печали, от горестей к покойному расположению духа. Кроме того, определенное значение имела окраска маски: например, по багровому ее цвету, зрители узнавали раздражительного человека, по-рыжему - хитрого и коварного

Исполнение  женских ролей мужчинами вызывало необходимость использование маски. Употребление маски обусловливалось  также размерами греческого театра. Без маски лица актеров были бы плохо видны зрителям последних  рядов.

Маски делались из дерева или полотна, в последнем  случае полотно натягивалось на каркас, покрывалось гипсом и раскрашивалось. Маски закрывали не только лицо, но всю голову, так что прическа была укреплена на маске, к которой  в случае необходимости прикреплялась  так же борода. У трагической маски  обычно делали выступ надо лбом, увеличивавший  рост актера.

В древней  комедии большая часть масок  должна вызывать смех, отсюда их карикатурный и гротесковый характер.

Кроме вымышленных  персонажей, поэты древней комедии  выводили на сцену и своих современников. Маска в таких случаях была обычно шаржированным портретом.

Костюм  трагических актеров был некоторым  видоизменением пышной одежды, которую  носили жрецы Диониса во время  исполнения религиозных церемоний. Театральный хитон имел длинные  рукава и спускался до пят. Плащи  употреблялись в основном двух видов: гилматий и хламида. Отдельные персонажи носили специальную одежду. На театральных хитонах и плащах вышивались различные, нередко сложные рисунки - цветы, пальмы, звезды, спирали, арабески, а также фигуры людей и животных. Цвет на одежде имел тоже определенное значение: роли счастливцев исполнялись в одеяниях с желтой или красной полосой, а синие или зеленые полосы отмечали неудачников.

Обувь трагического актера называлась котурнами. Сценические  котурны имели толстые, состоящие  из нескольких слоев подошвы, благодаря  чему увеличивался, рост актера.

Чтобы придать  своей фигуре еще большую величественность, трагические актеры укрепляли под  одеждой специальные подкладки  или небольшие подушки, сохраняя при этом естественные пропорции  тела.

В комедии  употребление подушек и подкладок, наоборот, вызывалось стремлением нарушить нормальные пропорции человеческого  тела и тем вызвать смех.

Женские персонажи комедий носили обычный  женский костюм, мужские персонажи - короткую или плащ.

До наших  дней дошло много статуэток, изображающих актеров древнегреческой комедии. У маски вытаращенные глаза, безобразный  нос, широко открытый рот, живот и  зад увеличены с помощью подложенных  подушек.

Хор и зрители

Трагический хор насчитывал сначала 12 человек, затем  состав его был увеличен до 15. В  комедии хор всегда состоял из 24 человек. Участники хора назывались хоревтами, предводитель хора - корифеем. При выходе на орхестру во главе хора шел флейтист, который останавливался на ступенях алтаря, расположенного в центре орхестры.

В трагедии хор обычно изображал людей, близких  главному герою. “Так, в “Прометее  Прикованном” Эсхила хор составляют Океаниды, дочери Океана, сочувствующие  страданиям Прометея и готовые разделить  его судьбу”

Комический  хор изображал не только людей, но и животных и сказочных существ. Например, в комедии Аристофана “Облака” хор состоит из облаков.

Существует  мнение, что в трагедии хор тормозит действие и является данью культовой  традиции. Однако это не так. Трагедия развивалась на основе трагического хора, из которого впоследствии был  выделен один актер. С появлением второго и третьего актера роль хора ослабевает, драматический конфликт может происходить теперь между  героями и без участия хора. Но хор не исчезает. Он существует как  непременный компонент у всех трагических поэтов классического  периода, хотя несет не всегда одинаковую драматическую нагрузку. Жизненность  хора в этот период объясняется тем, что в трагедии он был необходим  как выразитель общественного мнения. Хор был героем коллективным, его  партии и поныне помогают понять философский  и человеческий смысл трагедии в  плане решения основного конфликта.

Театральные представления происходили в  дни всенародных праздников Диониса. Все дела в это время приостанавливались. Суды закрывались, должники освобождались  от уплаты долгов в течение всех дней праздника. Даже заключенных выпускали  из тюрем, чтобы они могли принять  участие в общем празднике. Наряду с мужчинами в театре бывали женщины, дети и даже слуги, домашние рабы.

На эти  представления люди собирались с  восхода солнца. “Сперва им было предоставлено право самим занимать какие угодно места, и нередко  дело доходило до драк (драчунов разнимали  нанятые для этой цели служители).” Позже чтобы устранить беспорядки и для покрытия расходов по содержанию театральных зданий, городские власти ввели выдачу входных билетов - медных кружочков, похожих на монеты и называвшихся символами. При Перикле неимущим гражданам выдавались на посещение театра особые зрелищные деньги (теорикон).

В театре были строго определены места для  разных групп зрителей. Первый отводили государственным лицам, жрецам и  полководцам. Им, восседающим в креслах, билеты были не нужны.

За креслами, отделенными проходом, начинались скамьи-ступени  для богатой публики. Каждый сектор был помечен одной буквой, начиная  с А (альфа). Той же буквой и помечали и оборотную билетов-символов с изображением головы богини Афины или морды льва, которого считали охранителем от всего плохого.

Значительно хуже вычеканенные символы, без каких  либо изображений и помеченные одной  и той же буквой на обеих своих  сторонах, служили билетами на следующий  ярус. Буквы на этих билетах соответствовали  обозначением секторов для зрителей со средним достатком.

Существовали  символы, изготовленные еще грубее и помеченные двумя одинаковыми  буквами на лицевой и оборотной  сторонах. Эти билеты предназначались  для верхнего яруса, где скамьи секторов, на которых располагались бедные зрители, были обозначены четырьмя буквами.

Количество  людей, получивших символы на один раз, не должно было превышать числа мест на скамьях. При входе билеты отбирались.

Драматические представления в Афинах начинались на рассвете и шли до самого вечера. Зрители ели и пили в самом  театре. Все были одеты в праздничные  одежды, головы украшали венками. На Великих  Дионисиях происходило громадное  стечение горожан, к которым присоединялись еще и жители других городов-государств, приезжавшие со всей Греции.

Жребий  определял порядок представления  пьес соревнующихся драматургов. Звук трубы возвещал о начале каждой пьесы.

Афинская  публика была очень восприимчивой  и непосредственной. Если пьеса нравилась, зрители выражали одобрение аплодисментами и криками. Среди зрителей были и  подставные лица. “Рассказывают, что  комедиограф Филемон (IV в. до н.э.) не раз с успехом использовал их против своего противника - Менандра.” Если пьеса не нравилась, зрители свистели, щелкали языком, стучали ногами. Бывали и такие случаи, когда актера прогоняли со сцены камнями и требовали прекратить пьесу и начинать новую. Таким образом, суждение народа имело существенное значение для успеха представления

3. Древнегреческие драматурги

Расцвет греческого театрального искусства  связан с деятельностью великих  драматургов, творивших в VI - V веках  до новой эры - Эсхила, Софокл, Еврепида и Аристофана, замечательного комедиографа древности.

В трагедии до Эсхила было ещё очень мало действия. Эсхил, автор героико-патриотических, поднимающих большие исторические и религиозно-философские темы произведений, он ввёл 2-го актёра , открыв этим возможность более глубокой разработки трагического конфликта и усиления действенной стороны театр, представления.

Введение 2-го актёра повлекло за собой и развитие диалога, который в старой трагедии имел лишь зачаточный характер. Эсхил  был сам главным исполнителем в своих трагедиях, требовавших  от актёра искусства создания титанических монолитно-героических образов.

Хор у  Эсхила, состоявший из 12 человек, был  настоящим действующим лицом. В его ранних трагедиях хоровые партии составляют более половины пьесы; в более поздних хор играет уже значительно меньшую роль. Постановки Эсхила отличались большой пышностью и включали в себя некоторые зрительные эффекты (торжественный въезды на колесницах, процессии и прочее). При Эсхиле определилась классическая фора строения трагедии и порядок трагического представления.

СОФОКЛ (496 - 406 гг. до н.э.) И ЕВРИПИД (485 - 406 гг. до н.э.) завершением греко-персидских войн последовал мощный политический и культурный подъём афинского демократического рабовладельческого государства, который обусловил новый период в развитии греческого искусства. Деятельность Софокла и Еврипида была следующим этапом в развитии греческого театра. Если у Эсхила боги, хотя бы и невидимые, выступают на первом плане, то в трагедиях Софокла основное внимание уделено человеку, со всем миром его душевных переживаний, мыслей, страстей, чувств. В трагедиях Софокла выразились гражданские и нравственные идеалы антично рабовладельческой демократии эпохи расцвета. “По свидетельству Аристотеля (Поэтика, гл. 25), Софокл сам говорил, что он изображает людей такими, какими они должны быть, а Еврипид — такими, каковы они в действительности.”*

Высокая гуманистическая направленность трагедии Софокла, интерес к человеческой личности и её душевным переживаниям повлекли за собой дальнейшую драматизацию театр, представления — появление 3-го актёра, уменьшение роли хора (несмотря на доведение числа хоревистов до 15) и увеличение диалогических частей трагедии.

С именем Софокла связывается и введение декорации живописи. Все эти театр, нововведения сделали его трагедию более живой и сценичной. Этому же способствовало введение более сложных, чем у Эсхила, перипетий (т. е. переходов от счастья к несчастью и обратно) и узнаваний. Однако Софокл отказался от некоторых сценических эффектов, которыми пользовался Эсхил: у него нет торжеств, въездов царей на колесницах, не появляются призраки.

В творчестве Еврипида нашёл отражение рост общественности противоречий периода Пелопоннесской войны и начинающегося кризиса  античного полиса. В его трагедиях  звучание героической темы снижается, но при этом ещё более усиливается  внимание к внутреннему миру человека и явлениям окружающей жизни.Миф становится для Еврипида только материалом или основой, дающей возможность высказаться его современникам. Обострение драматических конфликтов и умение в каждой драматической ситуации найти наиболее потрясающие моменты в соединении с изображением тончайших душевных переживаний героев делают Еврипида наиболее трагичным из всех античных драматургов.

В целях  эмоционального воздействия на зрителей и в то же время усиления чисто  зрелищной стороны трагедии Еврипид  вводит в свои драмы сцены смерти, физических страданий, безумия, траурные церемонии, использует машины для полётов  и появления богов и многое другое. Широко применял в своих  трагедиях Еврипид и монодии, в которых душевные переживания  героев раскрывались не только выразительными средствами слова, но и музыки. Но хор  в его драмах уже не имеет такой  тесной связи с развитием действия, как у Софокла