Народно-художественные промыслы в России сегодня

Другие известные представители  этого промысла:

• Тобольская резьба по кости
• Хотьковский косторезный промысел

 

Художественная обработка металла

     Промыслы художественной обработки металла начали формироваться в России в XVII в.

Наиболее знаменитый представитель  данного промысла – Великоустюгское черненое серебро (или «Северная чернь»)

     В Великом Устюге уже в XVI в. начали появляться различные ремесла, в том числе по обработке серебра, меди, железа. Славу Великого Устюга на долгое время составило черненое серебро, которое не только приобрело свой художественный почерк, но и оказало влияние на развитие черненого дела в Москве. Великоустюгские изделия XVIII в. — это гравюры на металле, штрихи которой заполнены черным металлическим сплавом. Покрытый позолотой углубленный матовый фон подчеркивал глубину черненого рисунка на коробочках, табакерках, флаконах для духов. Тема оформления соответствовала назначению веши. Так, на табакерках изображали сцены охоты, военные баталии, на шкатулках для женских украшений — мотивы прогулок, торжественных выездов. 
     К началу XIX в. с переходом искусства к стилю «классицизм» формы изделий становятся проще, рисунок приобретает больше ясности. Мастера редко применяют позолоту, а на свободном поле светлого серебра черненую гравюру выполняют почти как рисунок на бумаге. На табакерки переносят вполне реалистические портреты, планы городов с большим числом надписей. 
     Современные мастера создают в основном черненые ювелирные украшения. На пластинах разной формы они гравируют розетку, развертывающийся бутон цветка или спиралевидный завиток орнамента, оставляя небольшое свободное поле серебра. Благодаря этому приему даже маленькие серьги приобретают декоративную выразительность, которая подчеркивается позолотой орнамента или обрамлением пластин.

 

Другие представители  данного промысла:

• Ростовская финифть
• Каслинское художественное литьё

 

 

Декоративная  живопись на металле и лаковая живопись

     Наиболее известный представитель – Жостовские подносы.

     Жостовский промысел известен на весь мир по, казалось бы, обычному в быту предмету – металлическому подносу. Основной мотив жостовской росписи – цветочный букет – прост и лаконичен по композиции. В ней чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы; объемно-живописная передача реальной формы цветка сочетается с декоративной красочностью цветового решения, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, прялках, туесах. Всё, что составляло деревенский быт. 
     Начало производства подносов в Жостово относится к 1807 г. Каждый поднос обычно проходил через руки трех человек: коваля, изготовлявшего форму, шпаклевщика и живописца, грунтовщика, после просушки покрывавшего изделие лаком.  
     Жостовское письмо начинается с «замалевки» - нанесения разбеленной краской силуэтов цветов и листьев, затем на просохший замалевок лессировочными (прозрачными) красками накладываются тени. Этот прием «тенежки» погружает букет в глубину фона. Далее следует «плотное корпусное письмо», наиболее ответственный этап живописи. «Бликовка» - наложение бликов - выявляет объем и свет, завершает лепку форм. Далее «чертежка» размещает детали, очерчивает лепестки, прожилки и семена. Завершает письмо «привязка» — тонкие травки и усики.  
     Расширяя выразительные средства, живописцы Жостова разрабатывают новые способы орнаментальной росписи. Так появился новый прием «копчения», с помощью которого на поверхность подноса наносился узор, напоминающий рисунок панциря черепахи.  
      Кроме черных и белых фонов, подносы расписывают и по цветным, и по золотым фонам. На поверхность подноса наносится порошок бронзы или алюминия. Просвечивая сквозь слой лака, он создает эффект золота. На золотом фоне краски приобретают особую яркость, а подносу придают вид дорогого предмета.  
     За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства.

Другие представители  данного промысла:

• Палехская лаковая миниатюра
• Федоскинская лаковая миниатюра

 

 

 

Вышивка

     Вышивка — один из наиболее распространенных видов народного искусства.  
     Орнаментация народной вышивки уходит своими корнями в глубокую древность. В ней сохранились следы того времени, когда люди одухотворяли окружающую природу. И помещая на своей одежде и предметах быта изображения солнца, древа жизни, птиц, женской фигуры, как символов жизненной силы, счастья, плодородия, верили, что они принесут в дом благополучие.  
     В процессе исторического развития у каждого народа складывался определенный характер вышитого узора, своеобразные приемы технического выполнения, неповторимые колористические решения. 
     Вышивка народов нашей страны необычайно разнообразна по художественным и техническим приемам, характеру использования в быту. В любой союзной и автономной республике, крае, области, районе встречаются неповторимые произведения талантливых вышивальщиц.

     Наиболее известный представитель – Орловская вышивка («Орловский спис»)

     Многие исследователи  считают, что само слово «спис» означает "списывать" узоры с разрисованных морозом зимних окон. 
     Декор этой вышивки запоминается своими необычными, даже причудливыми очертаниями, чаще всего напоминающими древо. В орнамент нередко вводятся изображения птиц, ромбов с продолжающимися краями, крестов и других знаков, которые в древности являлись языческими символами, обладающими магической силой.  
     Узоры заполнении удивительно разнообразны. Каждая мастерица придумывала свои, подбирала для них графический рисунок, комбинировала новые и новые варианты. Что касается цветовой гаммы, то классическое для «орловского списа» — сочетание красного и синего, с преобладанием красного. Обилие красного цвета придает узорам чрезвычайно оптимистическое, жизнеутверждающее впечатление. Кроме того, сочетание красного и синего наполнено глубоким духовным смыслом: красный — цвет жизни, «праздника жизни»; синий — цвет неба и воды, тех начал, которые поддерживают жизнь, самую суть ее. Позднее, в начале XX века, цветовая гамма становится разнообразнее, вводятся желтый, зеленый, синий цвет заменяется на черный, цвет «земли-кормилицы».

 

Кружевоплетение

     Русские кружева ручного плетения известны в истории наших народных художественных промыслов с конца XVIII века. Ручное кружевоплетение возникло и сформировалось сразу как народный промысел, не проходя стадии домашнего ремесла. Западноевропейское кружево стало проникать в Россию во второй половине XVII - начала XVIII вв.; оно служило отделкой одежды дворян и помещиков. С распространением моды на кружева и кружевные отделки многие дворяне заводят у себя крепостные мастерские по кружевоплетению. Ранние кружева, относящиеся к XVIII - первой половине XIX вв., нередко выполнялись из золотых и серебряных ниток с добавлением жемчуга.

     Наиболее известный представитель – Вологодское кружево.

     Своей плотностью, белизной и узорчатостью они очень напоминают морозные узоры на стеклах и иней в лесу на деревьях в разгар зимы, в тихий морозный день.  
     Основу вологодского кружева составляет плотная «лента-полотнянка», которую за то, что она так прихотливо вьется, обрисовывая разнообразные формы кружевного орнамента, называют еще «вилюшкой». Для вологодского кружева типичен растительный орнамент. Мотив симметрично развернутого пышного куста с широкими лапчатыми листьями и фронтальными шести, восьми — и более лепестковыми цветами-розетками образует широкую узорную кайму кружевного изделия. Решетки имеют стройный, ритмически совершенный характер, производят впечатление прочности, надежности. Ассортимент вологодских кружев очень разнообразен, он включает в себя круглые салфетки, дорожки, скатерти, декорированные настенные панно, оконные занавески, портьеры, отделки для женской одежды - воротнички, манжеты, шарфы, косынки.

Другие представители  данного промысла:

• Елецкие кружева
• Вятское кружево

 

Ручная набойка

     Это один из видов искусства художественного оформления тканей.  
     Набойка имела широкое распространение на большей части территории России. Печатным рисунком украшали льняной и конопляный холст, шерстяные, шелковые, а позднее и хлопчатобумажные ткани. Из набивных тканей шили сарафаны и юбки, изготовляли занавеси, скатерти и многие другие изделия.  
     При выполнении набойки узор наносили на ткань с помощью специальных печатных досок (манерок), имеющих резной плоскорельефный рисунок. Наряду с резными манерками использовали доски с вбитыми в них гвоздиками, проволочками, поставленными на ребро пластинами металла. Печатную форму с такими элементами применяли для нанесения рисунка графического характера. Делали манерки и с комбинированными элементами рисунка, когда резной орнамент дополняли детали из металла.

     Наиболее известный представитель этого промысла – Павло-Посадские платки.

     История платка начинается с конца 17 века, и именно благодаря российским мастерам, этот головной убор стал известен во всем мире и давно уже стал визитной карточкой России. 
     Выполняли платки со сложным рисунком, в каждом из них насчитывалось до 50 цветов и оттенков. Орнамент платков необычайно разнообразный: с крупными растительными мотивами, цветочными гирляндами, объемными розами, маками и другими цветами. В этой группе изделий удачное применение нашли анилиновые красители. Яркие розовые, зеленые, синие цвета приобрели особое звучание на черном, а позже и на цветном фоне.  
     Популярен мотив «турецкие огурцы», заимствованный у знаменитых индийских кашемировых шалей, ставших модными в Европе в наполеоновскую эпоху. 
     В современном производстве Павловского Посада большую часть платков декорируют способом фотопечати на столах с ручным переносом матриц. Часть платков выполняют на печатных машинах с цилиндрическими медными валами. Но для выполнения определенных видов наиболее сложных уникальных платков сохранена технология ручной набойки. И сейчас для ручного способа выполнения набойки изготовляют манерки для каждого цвета, что очень сложно выполнить в условиях производства. А поэтому ручной способ печати с каждым годом вытесняется все больше и больше. 
     Изначально платок представлял собой элемент национального костюма, его надевали по случаю праздника или торжества или, наоборот, в печали (недаром фабрики производили платки для разных житейских ситуаций). Со временем павловопосадские платки получили более широкое применение: сегодня они являются любимым головным убором и украшением многих модниц, его носят в повседневной жизни, в любое время года.

 

Узорное вязание

     Наиболее известный представитель данного промысла – Оренбургский пуховый платок

     Оренбургский пуховый платок — название собирательное: это и теплый тяжелый платок-шаль, и тонкий, легкий, ажурный платок — «паутинка». В удивительном согласии соединились в них уникальные особенности пуха местной породы коз и народное понимание красоты, гармонии и порядка. 
     В Оренбуржье изготовлением пуховых платков занимаются уже более 200 лет. К сожалению, в истории промысла не было коллекционеров и ценителей этого вида декоративно-прикладного искусства, которые сделали бы паутинку и шаль экспонатами своих коллекций. Долгое время оренбургский платок не пользовался особым вниманием и со стороны историков и искусствоведов. Полной информации о декоративных особенностях первых оренбургских платков, их внешнем виде, к сожалению, нет. Самым ранним источником, в котором зафиксирован факт переработки оренбургского козьего пуха для изготовления одежды, является статья известного исследователя П.И. Рычкова «Опыт о козьей шерсти» (1766 г). 
     Некоторые сведения о пуховязании как о промысловом занятии женского населения Оренбургской губернии дают путевые заметки представителей русской интеллигенции, посетивших наш край в XIX веке. 
     Оренбургский пуховый платок несет в себе все характерные черты, свойственные народному промыслу: традиционность, исполнительскую преем­ственность, вариантность, коллективность и ручное изготовление. В совокупности это составляет единое целое, позволяющее говорить о большом художественном явлении. В платке воплотились вкус и талант вязальщиц многих поколений, сумевших в своих творениях подняться до высот подлинного искусства.

 

Ковроделие

     Наиболее известный центр ковроделия – Сибирь

     Ручное надомное ковроткачество было широко распространено во всех уездах Тобольской губернии с XVIII в. Крупнейшим центром ковроткачества считался Тюменский уезд, и поэтому ковровый промысел получил название «тюменский». Ковры использовали для украшения стен, покрытия сундуков и лавок, а также для возков и в качестве одеяла для путешествий на лошадях в зимнее время. Ямщики в дальних поездках коврами покрывали самих лошадей. Надо заметить, что тюменскому ковру, как промыслу, сильно повезло. Его изучали и отразили в своих трудах исследователи, историки-краеведы, писатели, путешественники. Один из таких шедевров народного рукоделия увековечил на картине «Взятие снежного городка» великий художник В.И. Суриков. 
     Сибирские ковры отличались повышенной декоративностью за счет использования черного фона и живописных цветов на нем. Этот рисунок нельзя заменить или отменить. У него нет конкурентов. Черный фон символизирует плодородную землю и то изобилие, которое она дарит. Яркие букеты напоминают о красках благодатного лета. Мудрость черного и страсть красного цветов на ковре не только впечатляют, но и означают могущество и богатство. 
     В третьем тысячелетии в них все еще живо чувство таинственного, священного и прекрасного. В некоторых селениях до сих пор дарят ковры ручной работы молодоженам на свадьбу. По преданию такой ковер служит надежной защитой жилища и благополучия семьи.

Ковроткачество характерно также  для центральных русских  районов - Воронежской, Белгородской и особенно Курской областей.

 

 

 

 

2. Народно-художественные промыслы в России сегодня

 

2.1.: Организации и предприятия, занятые в сфере народной художественной промышленности

 

     Все организации, занимающиеся народно-художественными промыслами можно условно разделить на пять групп:

1. Некоммерческие организации  и фонды, оказывающие содействие  развитию народно-художественным  промыслам в России.

2. Фабрики и мастерские, занимающиеся изготовлением и  продажей изделий народных художественных  промыслов.

3. Организации, созданные  с целью создания и развития товаропроводящей сети для реализации изделий народных художественных промыслов (Торговые дома).

4. художественные училища,  занимающиеся подготовкой кадров  для изготовления предметов народно художественных промыслов.

5. Музеи, занимающиеся  сбором, сохранением и демонстрацией  произведений народно художественных  промыслов.

 

     Рассмотрим подробнее по несколько представителей каждой группы (на примере города Москвы и Московской области)

 
1. Некоммерческие  организации и фонды, оказывающие  содействие развитию народно-художественным промыслам в России.

 

Ассоциация  «Народные художественные промыслы России»

1) Общая характеристика  деятельности:     

     Ассоциация создана в Москве 1 ноября 1993 года,  в целях сохранения и развития народных художественных промыслов. Оказывает активную поддержку НХП, ежегодно организует крупные всероссийские выставки-ярмарки. Является добровольной, самоуправляемой, некоммерческой организацией. Ассоциация в своей деятельности руководствуется принципами добровольности и равноправия своих членов, законности и гласности.

2) Специфика деятельности:

Ассоциация создана в  целях сохранения и развития народных художественных промыслов, в том числе:

- совершенствования художественно-творческой  работы народных мастеров и  художников, повышения художественного уровня  изделий народных  художественных промыслов, обеспечения художественно-стилевой направленности развития промыслов в традициях народного искусства;

- формирования соответствующего  организационного механизма и  социально-культурных условий, широкого  привлечения общественных организаций,  движений, фондов к решению проблем народных художественных промыслов, сохранению и развитию традиций народного искусства;