Женская красота в живописи Ботичелли, Леонарда да Винчи, Рафаэля и Тициана: сравнительный анализ

4-Позднее Возрождение в Италии  охватывает период с 1530-х по 1590—1620-е годы. Некоторые исследователи  причисляют к Позднему Возрождению  и 1630-е, но эта позиция вызывает  споры среди искусствоведов и  историков. Искусство и культура  этого времени настолько разнообразны  по своим проявлениям, что сводить  их к одному знаменателю можно  только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия  пишет, что «Возрождение как  целостный исторический период  закончилось с падением Рима  в 1527 году». В Южной Европе  восторжествовала Контрреформация,  которая с опаской смотрела  на всякое свободомыслие, включая  воспевание человеческого тела  и воскрешение идеалов античности  как краеугольные камни ренессансной  идеологии. Мировоззренческие противоречия  и общее ощущение кризиса вылились  во Флоренции в «нервное» искусство  надуманных цветов и изломанных  линий — маньеризм. [8, с.22]

5-северное - Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с  Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение»[8,с.22].

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись  традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям  античного наследия и познанию анатомии человека.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Глава 2. Великие итальянские художники эпохи Возрождения

 

                         2.1. Биография и творчество художников

Сандро Боттичелли ( 1 марта 1445 — 17 мая 1510) — глубоко религиозный человек, работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, — «Весна» и «Рождение Венеры». [18].

Долгое время Боттичелли находился  в тени работавших после него гигантов Возрождения, пока не был в середине XIX века переоткрыт британскими прерафаэлитами, которые почитали хрупкую линеарность и весеннюю свежесть его зрелых полотен за высшую точку в развитии мирового искусства.

Родился в семье зажиточного  горожанина Мариано ди Ванни Филипепи. Получил хорошее образование.  Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую.[18].

Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое  время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Верроккьо. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают  начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской  капелле Ватикана.  Выполнил множество  картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. В 1470-1480-х гг портрет становится самостоятельным жанром в творчестве Боттичелли («Человек с медалью», ок. 1474; «Юноша», 1480-е гг). Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни Боттичелли, по всей видимости, оставил живопись.[18].

 Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти  во Флоренции. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.

        Леонардо ди сер Пьеро да Винчи ( 15 апреля 1452, селение Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции — 2 мая 1519,  — великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» . [18].

Нашим современникам Леонардо в  первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи — Джанкарло Джентилини и Карло Сиси — утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи. Однако сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. [18].

Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал  явления рассеяния света в  воздухе и возникновения сфумато — дымки между зрителем и изображенным предметом, которая смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень. [5,с.85].

 

  Рафаэль Санти (28 марта 1483 — 6 апреля 1520) — великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы.[18].

Сын живописца Джованни Санти прошёл первоначальную художественную выучку в Урбино у своего отца Джованни Санти, но уже в юном возрасте оказался в мастерской выдающегося художника Пьетро Перуджино. Именно художественный язык и образность картин Перуджино с их тяготением к симметричной уравновешенной композиции, ясностью пространственного решения и мягкостью в решении колорита и освещения оказали первостепенное влияние на манеру молодого Рафаэля.

Необходимо оговорить и то, что  творческий почерк Рафаэля включал  синтез приемов и находок других мастеров. Сначала Рафаэль опирался на опыт Перуджино, позднее поочерёдно — на находки Леонардо да Винчи, Фра Бартоломео, Микеланджело. [3,с.54].

Ранние произведения («Мадонна Конестабиле»  1502—1503) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях  комнат Ватикана (1509—1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов.[18].

Во Флоренции, соприкоснувшись  с творениями Микеланджело и Леонардо, Рафаэль учился у них анатомически правильному изображению человеческого  тела. В 25 лет художник попадает в Рим, и с этого момента начинается период наивысшего расцвета его творчества: он выполняет монументальные росписи в Ватиканском дворце (1509—1511), среди которых безусловный шедевр мастера — фреска «Афинская школа», пишет алтарные композиции и станковые картины, отличающиеся гармоничностью замысла и исполнения, работает как архитектор (некоторое время Рафаэль даже руководит строительством собора св. Петра). В неустанных поисках своего идеала, воплощающийся для художника в образе Мадонны, он создает самое совершенное своё творение — «Сикстинскую Мадонну» (1513), символ материнства и самоотречения. Картины и росписи Рафаэля были признаны современниками, и вскоре Санти стал центральной фигурой художественной жизни Рима . Породниться с художником хотели многие знатные люди Италии, в том числе близкий друг Рафаэля кардинал Биббиена. Художник умер в возрасте тридцати семи лет от сердечной недостаточности . Незаконченные росписи виллы Фарнезины, Ватиканские лоджии и другие работы были завершены учениками Рафаэля в соответствии с его эскизами и рисунками.[18].

Один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, для  картин которого характерна подчеркнутая сбалансированность и гармоничность  целого, уравновешенность композиции, размеренность ритма и деликатное использование возможностей цвета. Безупречное владение линией и умение обобщать и выделять главное, сделало  Рафаэля одним из самых выдающихся мастеров рисунка всех времен. Наследие Рафаэля послужило одним из столпов  в процессе становления европейского академизма. Приверженцы классицизма  — братья Карраччи, Пуссен, Менгс, Давид, Энгр, Брюллов и ещё многие другие художники — превозносили наследие Рафаэля как самое совершенное явление в мировом искусстве.[3,с.86].

 

       Тициан Вечеллио (1476/1477 или 1480-е—1576) — итальянский живописец эпохи Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.[18].

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный.[18].

Тициан родился в семье Грегорио Вечеллио, государственного и военного деятеля. В десятилетнем возрасте был направлен вместе с братом в Венецию для обучения у известного мозаичиста Себастьяна Дзуккато. Через несколько лет поступил учеником в мастерскую Джованни Беллини. Учился вместе с Лоренцо Лотто, Джорджо да Кастельфранко (Джорджоне) и рядом других художников, ставших впоследствии знаменитыми.

В 1518 году Тициан пишет картину  «Вознесение Богоматери» , в 1515 году — Саломею с головой Иоанна Крестителя. С 1519 по 1526 год расписывает ряд алтарей, в том числе алтарь семейства Пезаро.[18].

Тициан прожил долгую жизнь. До последних  дней он не прекращал работать. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576 году, заразившись от своего сына, ухаживая за ним.[18].

Император Карл V вызвал Тициана к  себе и окружил почётом и уважением  и не раз говорил: «Я могу создать  герцога, но где я возьму второго  Тициана». Когда однажды художник уронил кисть, Карл V поднял её и сказал: «Услужить Тициану почётно даже императору». И испанский, и французский  короли приглашали Тициана к себе, поселиться при дворе, но художник, выполнив заказы, всегда возвращался  в родную Венецию.В честь Тициана назван кратер на Меркурии. [4,с.78].

 

                                       2.2. Описание работ

 

               Картина Сандро Боттичелли (1445-1510) "Весна"

Образы картины навеяны античной поэзией и имеют мифологический подтекст. Однако это не только поэтическое  иносказание. Боттичелли вложил в свое произведение сложный философский  смысл. Для того чтобы раскрыть основной замысел «Весны», обратимся к  содержанию и композиционному построению картины.[18].

Движение в картине устремлено справа налево. Из верхнего правого  угла вторгается голубовато-зеленая  фигура в развевающемся плаще. По раздутым щекам и крыльям мы понимаем, что это ветер. От его полета согнулись  стволы деревьев. Цепко схватил он бегущую влево нимфу. Она обернула к нему испуганное лицо, а руками касается третьей фигуры, будто просит защиты. Но та, словно не замечая, шествует к нижнему краю картины, глядя  на зрителя, и жестом сеятеля, берущего новую пригоршню семян, опускает правую руку в складки платья, переполненные  розами. Девушку с худощавым лицом, с венком на золотых волосах, в  длинном платье, расшитом цветами, часто называли Весной. Это и есть богиня цветов и растений Флора.[2,с.38].

Три фигуры понадобились художнику, чтобы  рассказать миф о том, как весенний ветер Зефир своей любовью  превратил нимфу по имени Хлорис (что означает «зеленая» или «зелень») в богиню цветения Флору. О том, как весной расцветает природа. И как поэтично показано превращение. Вместе с дыханием с открытых губ нимфы слетают цветы, они сыплются из-под ее руки, покрывают мелким узором ее подол. Кажется, будто это просвечивают сквозь ткань цветы, растущие на лугу. Третья справа фигура — это уже превращенная Хлорис в ее новом облике. Она стала богиней в пышном одеянии. И как замечательно оживают и становятся настоящими цветами вышитые узоры ее платья (например, на ее вороте), напоминая зрителям, о каких реальных вещах повествует эта красивая сказка. Три правые фигуры символизируют первый месяц весны, ибо первое дуновение Зефира считалось ее началом.

Четвертой справа, чуть в глубине, помещена на картине Венера. Она  показана простой, тихой и скромной. Это не блистательная красавица-богиня, привыкшая повелевать. Мы бы и не догадались, что это Венера, если бы над ее головой не парил в воздухе Амур с луком и огненной стрелой. И если бы деревья, заполняющие фон картины, не расступались вокруг нее полукруглым просветом, показывая, что здесь смысловой центр картины. Склонив голову набок, смотрит она в нашу сторону задумчиво, чуть испытующе. Движением правой руки, словно остановленным в воздухе, благословляет Венера группу Граций. Жест заботливый, опекающий. Он задерживает наше внимание, заставляя лучше ощутить четкую ритмическую паузу в центре картины, а затем посылает наш взгляд влево. Венера и ее спутницы Грации символизируют второй месяц весны — апрель.