История развития керамики

Художественное своеобразие  Дымковской игрушки определяется массивной  лаконичной пластикой, подчeркнутой гармоничной декоративной росписью в виде крупного геометрического орнамента.

Дымковская игрушка - самый  известный из глиняных промыслов  России. Она отличается предельно  простой и ясной пластической формой, обобщённостью силуэта, яркой орнаментальной росписью по белому фону.

В образах краснощеких барынь, кормилиц, лихих всадников, сценах чаепитий, ярмарочных гуляний, весёлых каруселях продолжают жить трёхсотлетние традиции дымковского искусства, бережно сохраняется архаика древних образцов.

Дымковская вятская игрушка  давно стала народной скульптурой. Отличие этого художественного  промысла от других народных промыслов  России состоит в том, что каждая игрушка - это авторская творческая работа мастериц ручной лепки и росписи, и существует в единственном экземпляре. Традиционно промысел дымковской игрушки не имеет серийного поточного производства.

Почти все игрушки - это  свистульки, празднично расписанные  по белой глине разноцветными  полосами и линиями, кольцами и точечками, кружочками, похожими на цветы.

Свистульки имели формы  различных тотемных животных: медведь, козёл, баран, олень, но по сути своей  были очень просты, так их основная функция была магическая, а не декоративная. Несмотря на ритуальное значение глиняных свистулек, заметна некоторая ирония, с которой мастера их лепили. Медведь, например, мог играть на каком-нибудь музыкальном инструменте, козёл  мог быть одет в смешные штаны. Такие глиняные фигурки-свистульки лепили женщины и девочки задолго  до праздника. Эта работа считалась  исключительно женской.

В XIX веке праздник превратился  в оживлённую ярмарку «свистунью», с непременным свистом. Магическое значение празднества утратилось. Свистульки сохранялись, но приобретали всё более вычурные, декоративные формы. Если в древности основным сюжетом были животные, то в XIX столетии появляются женщины в нарядных одеждах, с младенцами, птицами, с корзинами с пирогами, с коромыслами, на скамеечках и в лодочках. Позже мастера дымковской игрушки обращаются к городским сюжетам: дамы-модницы, горожане, офицеры, купчихи, скоморохи.

Что бы не изображала дымковская игрушка, её всегда можно отличить своей неповторимой нарядной раскраской. На белом фоне очень весело смотрятся синий, голубой, зелёный, жёлто-оранжевый, малиновый цвета. Их может быть до десяти. Орнамент всегда прост: клетки, полоски, круги, точки, ромбики, зигзаги в разных сочетаниях. Но эти простые геометрические узоры несут некую информацию. Например, синяя волнистая полоса обозначает воду, перекрещенные полоски - сруб колодца, круг с серединкой-звёздочкой - солнце и другие светила.

Игрушки эти очень просты. В фигурке барыни выделяется голова в кокошнике да юбка - колокол  с передником. Наездник может быть не только на коне, но и на козле, свинье или петухе. Корова, баран, козел очень похожи между собой, а отличаются друг от друга только формой рогов.

Техника изготовления дымковской игрушки тоже очень проста. Игрушку  лепят руками из местной красной  глины, перемешанной с речным песком. Свистульки прокалывают палочкой. Фигурку  лепят по частям. Отдельные элементы соединяют между собой жидкой глиной. Швы сглаживают мокрой тряпкой. Игрушку просушивают и обжигают, а затем покрывают белилами (мел, разведённый с молоком) и расписывают. Роспись дымковской игрушки нарядна  и декоративна. На белом фоне очень  ярко сверкают малиновый, синий, зелёный, жёлто-оранжевый цвета.

Каждая дымковская игрушка - это ручная работа, которая существует только в единственном экземпляре. Каждая мастерица вносит свой почерк и колорит. Промысел дымковской игрушки  и по сей день не имеет серийного  производства, что отличает его от других народных промыслов.

Сегодня дымковскую игрушку  может попробовать изготовить любой  взрослый и ребёнок, даже не имеющий  специального образования. Нужна только глина, кисточка, краски и ваша фантазия.

3.3 Гжель

Гжель - это название живописного  подмосковного региона, что в 60-и  километрах от Москвы. Слово "гжель" сегодня невероятно популярно. С  ним ассоциируется красотой гармония, сказка и быль. Фарфор с нарядной синей росписью и многоцветная майолика известны теперь не только в России, но и за ее пределами. Гжельские изделия привлекают к себе всех, кто любит прекрасное, богатой фантазией и гармоничностью, высоким профессионализмом их создателей. Гжель - это колыбель и основной центр русской керамики. Здесь сформировались ее лучшие черты и проявились высшие достижения народного искусства. Реми , Г. Курс неорганической химии.

Сколько же лет этому русскому народному промыслу? Археологические  исследования на территории Гжели подтверждают существование здесь гончарного ремесла с начала XIV века. И неудивительно, гжельская земля издавна была богата лесами, реками, высококачественными  глинами,.. "которой нигде не видал я белизною превосходнее". С тех пор за свою более чем шести вековую историю Гжель переживала разные периоды.

На протяжении столетий гжельские  крестьяне изготавливали предметы оптового обихода, изразцы, черепицу. Со второй половины XVIII века она прославилась выпуском майоликовой посуды. Это  были изделия из цветных глин с  яркой многоцветной росписью по белой  эмали. В XIX веке гжельские мастера  изобрели новый для себя материал и новую технологию: выпускали  полуфаянс, затем фаянс и, наконец, фарфор. Особый интерес представляли изделия, расписанные в один цвет - синей подглизурной краской, наносимой кистью, с графической прорисовкой деталей. Выпуском фарфора и фаянса занимались многочисленные мелкие заводы и крупные предприятия.

Конец XIX - начало XX веков  стали периодом глубокого кризиса. Казалось, гжельское искусство погибло  навсегда. Послевоенное время связано  с началом возрождения промысла и поиском своего образного языка. Для этого потребовались годы кропотливой и неустанной работы, обучение новых мастеров. В результате это привело к успеху.

Высокого художественного  уровня Гжельская керамика достигла во 2-й половине 18 века, когда производившиеся  до середины века "чёрные" (простые) и "муравленые" (поливные) гончарные  изделия сменяются майоликой (квасники, кумганы, тарелки, игрушки и т.д.), с оригинальной многоцветной росписью по белой поливе, а иногда и с предельно обобщёнными лепными фигурками, отмеченными богатством фантазии и остротой видения народных мастеров.

С начала 19 в. Гжель перешла  на производство фарфора, фаянса и полуфаянса (разновидность полуфаянса - "бронзовый товар" с нарядным золотистым люстром). В 1830-40 в Гжели была сосредоточена почти половина всех фарфорофаянсовых предприятий России.

В 19 в. художественное своеобразие  сохраняют украшенный одноцветной  синей росписью полуфаянс и выпускавшуюся мелкими крестьянскими мастерскими фарфор - так называемый лубок (красочная дешёвая чайная посуда, полные народного юмора жанровые фигурки по лубочным картинкам).

В советское время гжельские  предприятия изготовляют посуду, скульптуру, архитектурные детали. В 1972 году создано объединение "Гжель", на основе шести маленьких производств, расположенных в нескольких деревнях. Творческие группы разрабатывали новые  образцы. Были созданы полностью  новые формы изделий. Живопись стала  более богатой, и выполняет художественные требования существующего дня.

Гжель - это вазы, статуэтки, игрушки, изделия интерьера: камины, люстры и другие фарфоровые изделия. Продукты "Гжели" пользуются устойчивым спросом на Российском и международном  рынке.

Гжель - это композиция народного  искусства и художества. В производстве фарфора Гжель следует за старыми  Российскими традициями в искусстве  народа. Мастера Гжели расписывают  каждое изделие только вручную. У  Гжели собственный стиль - синие  и голубые узоры и цветы, украшения  на белом фоне. Роспись производится кобальтом, который в ходе технологического процесса приобретает характерный  для Гжели синий цвет.

Опытные мастера-модельщики на специальных станках вытачивают гипсовые модели будущих изделий. Станок представляет собой гончарный круг с двумя стойками и деревянной рейкой для упора рук. С помощью  клюшек-резцов обрабатывается поверхность  гипсовой заготовки с которой изготавливается рабочая форма для отливки изделий. Фарфоровые изделия изготавливаются путем литья в гипсовых формах. Шликер (жидкую фарфоровую массу) литейщик заливает в формы. Пористый гипс впитывает влагу, шликер постепенно затвердевает и приобретает очертания формы.

Изделия, прошедшие обжиг, живописец расписывает окисью кобальта. Традиционная роспись - выполненные  от руки растительные и геометрические орнаменты, нанесенные быстрыми, сочными  мазками кисти. Исполнение росписи  вручную позволяет создавать  множество вариантов одного и  того же декоративного мотива.

3.4 Абашевская игрушка

Село Абашево Пензенской области - старинное русское село с глубокими историческими, религиозными и художественными корнями.

Впервые село Абашево упоминается  в писцовых книгах Шацкого уезда 1616 года. Село барское, владельцами его были исторические личности: царский стольник Иван Пыжов, князь Голицын.

Особенно прославили село Абашево мастеровые люди - горшечники и дудочники. Больше половины жителей  села кружили на гончарных кругах всевозможную посуду из глины и лепили игрушку-свистульку. В XIX - XX вв. Абашево  было ведущим гончарным центром  России.

Игрушки из глины абашевских мастеров экспонировались в Москве, Лондоне, Париже. Они глубоко традиционны: из поколения в поколение повторяются образы домашних животных, птиц, оленей, всадников, барынь, каждый художник - мастер пропускает эти образы через себя, свою душу, в результате чего рождаются неповторимые одухотворенные очеловеченные образы. Занималось этим 162 хозяйства.

Секреты лепки и обжига передавали в семьях из поколения  в поколение, от отца к сыну. Обучать  начинали с 8 лет. Таким образом образовались целые династии гончаров и дудочников.

В старину изделия из глины  в Абашеве обжигали в горнах - сооружениях округлой или овальной формы, выложенных из огнеупорного кирпича  шириной 1,5 м и высотой 2 метра. Мастер залезал в горн, а его жена подавала ему сверху кувшины и горшки. Сверху изделия закладывали "каланчиками" (осколками битой посуды). Обжигали глинянные изделия березовыми или дубовыми дровами. После окончания обжига традиционно пекли картошку.

Лечебная глина, используемая для лепки Абашевской игрушки, и доброта, вложенная руками мастера, снимает тревогу, стрессы, оберегает семью от дурного, от темных сил.

Все игрушки-свистульки изготавливаются  индивидуально и являются оберегом.

Чудесная Абашевская игрушка не оставляет разнодушным никого: будь то посетители лаборатории из приезжих или местных жителей.

3.5 Керамика России: Скопинский промысел

Скопинский гончарный художественный промысел - традиционный центр народного искусства на рязанской земле. Своим возникновением промысел обязан глине, залегающей в больших количествах в окрестностях города Скопина. Глиняная посуда в местах, где позднее появился город Скопин, делалась еще во времена Киевской Руси. В этой посуде сбивали масло, заквашивали тесто, хранили молоко, воду, квас.

Годом рождения скопинского гончарного промысла считается 1640-й. В этом году в переписи населения появилось первое имя скопинского гончара - Демка Киреев, сын Берников.

Скопинский гончарный промысел развивался как и многие другие в России, производя гончарную посуду для крестьянского быта, печные трубы, кирпич, черепицу. Но во второй половине XIX века в Скопине появилась отрасль, прославившая его далеко за его пределами, - производство глазурованных фигурных сосудов и подсвечников, многоярусных, украшенных сложной лепниной, выполненных в виде диковинного зверя или с фигурами птиц, рыб и животных.

"Ничего равного этим  произведениям русского народного  искусства мы не видим среди  скульптурных, посудных изделий  других народов", - так оценивал  изделия скопинских мастеров конца XIX - начало XX веков один из крупнейших русских искусствоведов А.Салтыков. Спрос на декоративные изделия поощрял мастеров делать их на продажу. Фантазийные фигуры возили на праздничные базары в Москву, Рязань, Липецк, а также в города южной России и на Украину. Их охотно покупали любители "экзотики" народного искусства, коллекционеры, иностранцы.

Достаточно быстро Скопин приобрел невиданную популярность. Изделиями  скопинских гончаров стали пополняться крупнейшие музеи России. Благодаря этому, современный посетитель Московского Исторического, Петербургских - Русского, Этнографии, Рязанских - Художественного и Историко-архитектурного музея-заповедника может ознакомиться с прекрасными коллекциями скопинских работ конца XIX - начала XX века.

В 1902 и 1913 годах скопинские изделия экспонировались на кустарных выставках и были неоднократно отмечены наградами. В 1900 году они были представлены на выставке в Париже.

Скопинский промысел всегда отличался широким ассортиментом изделий, буйством фантазии, исключительной смелостью пластических решений, оригинальными конструкциями сосудов, подсвечников, скульптур. Наряду с лаконичными гончарными формами делались сосуды с богатой лепниной, с изображением различных птиц, рыб, животных, сказочных и былинных персонажей. Орнамент наносился всевозможными штампиками и стеками по сырой глине в виде оттисков. Характер орнамента мог быть как растительным, так и геометрическим, но геометрический преобладал. Изделия глазуровались цветными поливами различных оттенков коричневого, желтого, зеленого, серо-синего цвета.

В изделиях скопинского промысла всегда чувствовался пытливый характер мастера-экспериментатора, часто изобретавшего новые формы, способы декорирования и обжига, порой заимствуя их из других ремесел.