Хореографическое искусство в нашей стране

Система классического танца разработала четкие группы движений: например, группа приседаний (plie), группа движений отведения и приведения ноги в позицию (battement tendu), группа вращений и т.д.

Классический танец является основой хореографии. Классика позволяет познать все тонкости балетного искусства, почувствовать гармонию движений и музыки.

Современный танец.

Один из самых обширных разделов хореографического искусства, включающий в себя множество танцевальных стилей и направлений (между которыми не всегда удаётся провести чёткую границу).

XX век значительно повлиял  на развитие балетного искусства. Классический стиль постепенно начинает обрастать новыми элементами танца, изменяется и образ каждого танцора.

Классический танец становится превосходным базисом для развития абсолютно другого направления в балете.

Развитие современного танца становится для известных балетмейстеров возможностью показать свое мастерство. Ведь в это время русские балетные традиции, сложенные за долгий период времени, практически не пополняются новыми элементами и не учитывают современных тенденций танцевального искусства.

Современное искусство танца должно было способствовать наиболее полному выражению чувств и идей автора в движениях танцоров.

В соответствие с этим классические элементы балета пополняются новыми танцевальными позициями.

В современном балете нет места уже классическим позициям ног и рук, а на смену традиционным пачкам у балерин приходят удлиненные одежды, которые делают образ утонченным.

Современный балет отказывается от сложного выворота ног, от высоких прыжков и удлинений рук и ног.

Многие танцоры начинают выступать босиком, а пуанты и пачки не являются основной одеждой балерины. Современный балет основывается не на сольных партиях отдельных танцоров, на парном выступлении. Кроме того, современный балетный танец, благодаря определенной свободе движения и танца, не стесненной многочисленными правилами, позволяет увлечься балетом уже в зрелом возрасте.

Ведь танец в стиле модерн не требует отличной техники, в нем главное – природная пластика тела, позволяющая выполнять сложные движения. В последнее время современный балет получил широкое распространение. Различные элементы классического балета гармонично сочетаются с новыми танцевальными движениями, что дает свободу вариаций и комбинаций, а это придает танцу особую выразительность.

Современный балет – это, прежде всего, танец эксперимента.

Профессия балетмейстер.

Сочинение любого из перечисленных видов танца требует специалиста-профессионала в своей области — балетмейстера. Балет в нашем понимании этого слова,  то есть хореографическая пьеса с определенным содержанием, образовался,  разумеется,  далеко не сразу.  Одним из значительных периодов развития балета считается XVIII век, эпоха Просвещения.

Просветители ориентировали на разум, рассматривали аспекты человеческой жизни с позиции здравого смысла. Просвещение, противопоставляя себя предыдущим течениям и эпохам, оказало огромное влияние на развитие всех сфер художественной культуры.  Его основным оружием стала безжалостная критика. Переосмыслению подверглось и идейное пространство театрального искусства, не обошло стороной и балет.

 Балетные постановки того времени еще опирались на каноны минувшего столетия, которые определяли тематику и форму балета.  В.И. Красовская дала следующую характеристику балетного образа, присущего классицизму начала XVIII века : «… Танец, как и пение, блистал общими местами, где своя техника трелей и рулад требовала высокого, но выхолощенного исполнительского мастерства, за которыми не таилось ни живого чувства, ни духовного взлета».

Просветители предлагали отойти от норм классицизма с его стремлением к идеальному представлению действительности и обратиться к жизни «естественного человека», тем самым дать возможности развитию содержательности балета и соответственно его независимости в театральном искусстве. Ведь в то время балет не был самостоятельным спектаклем. Опера сопровождалась балетными выходами, как правило, не связанными с действием спектакля. Это были танцевальные антре, вставные интермедии, различавшиеся только по музыке, цветам костюмов и количеству участников,— па-де-де, па-де-сис и т. п. в окружении безликого кордебалета. Ни смысла, ни содержания в них не было. Танцовщик-артист там был и не нужен. Но идеи классицизма, так много давшие балету, сохраняться до начала XIX века. Эта двойственность будет присутствовать в балетном искусстве на протяжении ста лет.

На рубеже веков придворный балет открывает двери профессиональным танцовщикам, постепенно становиться общедоступным.  В это время заметно обогащается техника танца, создается его система.  С созданием системы растут возможности хореографов. И в первую очередь они направлены на поиски способов построения драматического построения танца и пантомимы и их гармоничного сочетания.

Уже в первой половине XVIII века в Англии хореограф и теоретик балетного театра Д. Уивер создал пантомимные спектакли, которые отличались от прочих выстроенным в танце драматургическим действием и являлись началом осмысленного, целостного балета.  В своих постановках Уивер отказался от сказанного или пропетого слова, поясняющего происходящее на сцене, заменив его пантомимой. Он назвал пантомиму сценическим танцем, выделив его в отдельный вид театрального танца.

Австрийский артист и балетмейстер Ф. Хильфердинг в своих балетных комедиях стремился к цельности действия, достигаемой через единение танца и пантомимы. Поставив три балетных драмы, Хильфердинг хотел показать, что серьезный сюжет может и должен существовать в балете, тем самым определив его в один ряд с драматургией, оперой и прочими сценическими искусствами.  Продолжателем идей Хильфердинга стал талантливый балетмейстер Анджьолини.

К середине XVIII века преобразования в театральном искусстве выражали многие писатели, композиторы, артисты и балетмейстеры. Так, например, термин «действенный танец» впервые упоминал теоретик танца, писатель Луи Каюзак, в 1754г.

Просветительские преобразования в балете охарактеризовались поиском путей его самоопределения, созданием цельного спектакля. Расширились тематика и система художественных средств балетных постановок.

Самым решительным на пути к действенному балету в то время был французский балетмейстер Жан Жорж Новерр. По мнению балетмейстера, в балете, как и в других видах искусств, должно развиваться логическое и последовательное действие. Наличие сюжетной линии определяет самостоятельность балета.  В балетмейстере Новерр видел координатора всего сценического представления, включающего в себя музыку, хореографию и живопись. Он сравнивал балетное искусство с живописью, а балетмейстера – с художником, создающим на театральных подмостках яркие «ожившие картины», в работе над которыми автором основное место уделяется действенному танцу.  Только органичное сочетание танца, пантомимы и «танцевальной композиции» поможет выстроить действенный балет, который донесет до зрителей не только смысл, но и чувства героев, их характеры.  Утверждая на сцене действенный балет, Новерр обращал внимание на роль музыки, профессионализм артистов, декорационное оформление спектакля и костюмы. Иными словами, он заложил основы режиссуры в балетном спектакле. Творческое наследие Новерра насчитывает свыше ста самостоятельных и оперных балетов, дивертисментов, а также организованных им публичных празднеств.

Огромное значение для Новерра имело знакомство со знаменитым английским актером Д. Гарриком. В его творчестве Новерра поразило умение актера выражать подлинные чувства посредством виртуозного владения мимикой.  После пребывания в Англии Новерр в постановках приблизился к созданию действенного балета. Воплощенные на театральных подмостках и закрепленные успехом у зрителей идеи о действенном балете, стали делом всей жизни балетмейстера. 

Слово «балетмейстер» означает «мастер балетного спектакля». Балетмейстер — профессия творческая. Она требует от человека, выбравшего ее, очень многого: и знаний, и трудолюбия, и умения работать с людьми, и, конечно же, таланта.

Профессия балетмейстера предполагает решение большого круга вопросов в процессе работы. Балетмейстер не только сочиняет хореографический текст, рисунок танца, т. е. создает композицию танца, но и, пользуясь всеми средствами хореографического искусства, стремится воплотить свой замысел в сценических образах, выразить определенные мысли и чувства. Он является идейно-творческим руководителем коллектива, создателем хореографического произведения. Как любой художник, балетмейстер должен быть высокообразованным человеком, который не только владеет профессиональными секретами хореографического искусства, но и разбирается в смежных видах искусства — драматургии, музыке, изобразительном искусстве, литературе. Хореографу нужно изучать опыт, теоретические труды своих предшественников и современников, чтобы дальше развивать теорию и практику хореографического искусства.

Говоря о многогранности балетмейстерского творчества, полезно вспомнить теоретические положения, сформулированные выдающимися деятелями хореографии.

В древности греческий писатель Лукиан говорил о том, что балетмейстеру необходимо изучать историю, мифологию, поэтические творения и различные науки; он должен сочетать талант поэта с талантом живописца, а знакомство с геометрией даст ему возможность создавать четкие формы и фигуры.

Теоретически осмыслял особенности творчества балетмейстера, выявлял и анализировал закономерности соотношения балетного искусства с другими видами искусства и Ж.Ж. Новерр : «…Обязанности, которые должен выполнять, правила, коим должен следовать, и принципы, которые надлежит усвоить будущему балетмейстеру. Он должен знать танец, иметь за собой многолетний опыт танцовщика, знать неисчислимые способы сочетания темпов; ведь это они устанавливают то бесконечное многообразие, которое придает блеск исполнению. Если же балетмейстер не знает танца или лишь поверхностно с ним знаком, то он не сумеет творить. …Необходимы знания в области планировки и рисунка для образования многообразных фигур, которые балет должен беспрестанно показывать… Углубив знания техники танца, балетмейстер должен посвятить весь свой досуг изучению истории и мифологии, проникнуться всеми красотами поэзии, прочесть Гомера, Вергилия, Ариосто, Тассо и, наконец, узнать правила, установленные поэтикой.

…Общение с художниками и анализ их творений являются источниками просвещения, которыми не должен пренебрегать балетмейстер; они усовершенствуют его вкус, улучшат его произведения и помогут развиться его мыслям. Размышляя над произведениями гения, он обнаружит ту невидимую нить, которая связывает все искусства, и узнает, что произведения искусств должны заимствовать черты у прекрасной природы; и, только подражая ей, эти произведения становятся одновременно мудрыми и интересными.

Выбрав в своем репертуаре сюжет, балетмейстер должен тщательно разобраться в нем, …отбросить те части, которые могут замедлить развитие сюжета, и все лишнее, что внесло бы путаницу или медлительность в пантомимическое действие… Отбросив все лишнее, балетмейстер установит число актеров, требуемое сюжетом фабулы; если это число больше четырех, то благоразумнее совершенно отказаться от такого плана…; ибо чем больше актеров в балете-пантомиме, тем он менее понятен, чем больше затемняется действие, тем непонятнее становиться сюжет…

…Некоторые познания в геометрии также могут оказаться очень полезными, они приведут к отчетливости в фигурах, к порядку в сочетаниях и к четкости в формах; сокращая длинноты, они придают исполнению большую точность.

…Балетмейстер, желающий подняться над обычным уровнем, должен изучать живописцев и следовать им в различных приемах сочинения и мастерства. Его искусство выполняет те же задачи, как в отношении сходства, смешения красок, светотени, так и в отношении приемов группировки и драпировки фигур и расстановки их в изящных позах и, наконец, в наделении их характером, пламенностью и выразительностью…

…Балетмейстер должен все видеть,  все исследовать, ибо все, что существует во Вселенной, может послужить ему образцом. …Необходимо, чтобы балетмейстер знал красоты и несовершенства природы.  Это знание всегда поможет ему определить, что именно следует в ней выбирать…» Все эти мысли сохраняют свое значение и в наши дни.

    Творческая деятельность балетмейстера в коллективе весьма разнообразна: это сочинение произведения, постановка его и репетиционная работа. Балетмейстер, сочиняющий хореографическое произведение, основывает свою работу на программе, созданной либреттистом, и на музыке, написанной композитором. Часто бывает, особенно при создании хореографических миниатюр и концертных номеров, что балетмейстер является и автором сюжета номера.

     Когда говорят о широком кругозоре балетмейстера, имеют в виду знания, помогающие ему в его профессии сочинителя, создателя хореографического произведения.

    Создание нового хореографического произведения — процесс многоступенчатый, требующий совместных усилий представителей разных творческих профессий. И первыми в этой цепи художнических контактов, необходимых при создании танца, хореографической сцены, спектакля, можно назвать контакт композитора и балетмейстера.

   Танцевальное искусство и музыка связаны многими нитями. Музыка дает пластике ритмическую основу, она определяет ее эмоциональный строй, характер, образную выразительность. Про музыку справедливо говорят, что она душа танца. Значение музыки в рождении хореографического произведения отмечали многие выдающиеся хореографы. «Между музыкой и танцем... существует теснейшая связь, а потому балетмейстер несомненно извлечет для себя существенную пользу, если будет знаком с этим искусством практически: это всегда позволит ему яснее высказать композитору свой замысел... Хорошая музыка должна живописать, должна говорить... Отзываясь на нее, танец становится как бы эхом, послушно повторяющим вслед за ней все то, что она произносит. …Балетмейстер, совершенно не знающий музыки, будет плохо фразировать мотивы; он не уловит их духа и характера; он не сможет согласовать движения танца с движениями ритма, с точностью и тонкостью слуха, безусловно необходимыми. Удачный выбор мотивов – столь же существенная часть танца, как подбор слов и оборотов речи  для красноречия : движения и характер музыки закрепляют и определяют движения танцовщика», — писал Ж. Ж- Новерр. Через два с лишним столетия советский балетмейстер Р. В. Захаров писал: «В органическом единстве музыки и танца, в этом синтезе композиторского и балетмейстерского творчества и кроется успех будущего балетного спектакля».