Художественные направления и течения в современном искусстве

 Представителями  Боди-арта являются: Вито Аккончи, Брюс Науман, Гилберт Прош, Джордж Пассмор, Терри Фокс, Джина Пане, Крис Верден, Брюс Маклин, Денис Оппенхейм.

Видео-арт

 Видео-арт (англ. Video-art – видеоискусство) –  направление в изобразительном искусстве последней трети XX в., использующее для выражения своей художественной концепции возможности видеотехники, компьютерного и телевизионного изображения.

 Появление  видео-арта связывают с началом выпуска японской фирмой «5оnу» портативных видеокамер, а основоположником считают американца корейского происхождения Нам Джун Пайка, снявшего с помощью такой камеры первое произведение видео-арта – проезд Папы Римского по улицам Нью-Йорка.

 Однако как движение видео-арт возник гораздо раньше: его концепция зарождалась как протест против засилья массовой культуры, высшим воплощением которой в современном мире стало телевидение. Поэтому первые выступления представителей видео-арта носили ироничный, саркастический, нередко доходящий до абсурда, характер: художники забрасывали телевизоры кремовыми тортами, обвязывали их колючей проволокой, покрывали войлоком и надевали боксерские перчатки, готовые

в любую минуту вступить в бой, погребали в землю  и даже расстреливали из автоматов. Пережив эпоху ниспровержения, видео-артобратился к другим формам выражения и художественным приемам: участники движения стали снимать экспериментальные фильмы в духе концептуального искусства, которые демонстрировались в специальных просмотровых залах-кабинках,

создавать «видео-скульптуры», «видео-инсталляции» и даже «видео-оперы», превратившие теле и видеозапись из подсобных средств фиксации и передачи изображений в самоценную сферу творческих экспериментов. Немалую роль в этом сыграли патриархи видео-арта Билл Виола и особенно Нам Джун Пайк, автор знаменитой серии «видео-Будд», ставшую символом эпохи.

 Видео-арт  стремительно развивается, имея в своем арсенале невероятные технические средства воздействия, по остроте сравнимые только с самой жизнью. Недаром один из «отцов» видео-арта Вольф Фостель назвал это живое искусство «бегством в действительность».

 Мастера  видео-арта: Нам Джун Пайк, Вольф Фостель, Билл Виола Кит, Соньет Уильям, Уэгмен Брюс, Науман Клаус Ринке, Бойс Вольф Кален.

Граффити

 Граффити (итал.graffiti, от graffiare- царапать; другое название "пульверизаторное искусство" – произведения, представляющие собой крупноформатные изображения на стенах зданий и сооружений, выполненные с помощью аэрозольных баллончиков с краской.

 Граффити пришли из древности: так археологи называли надписи и рисунки, найденные на стенах античных памятников. Как широкое движение оформился в 1970-е гг. с массовым появлением разных надписей на вагонах нью-йоркского метро, на стенах общественных зданий и магазинов. Первыми граффитистами были выходцы из этнических меньшинств и маргиналы, выражавшие подобным образом протест против своего бесправного положения. К началу 1980-х гг. сформировалось уже целое направление полупрофессиональных художников, некоторые даже попытались выставлять свои творения в галереях и получили известность в художественных кругах.

Современное граффити - это ни на что не похожий  стиль в монументальном искусстве, символ урбанизации и высоких  технологий. В нем можно выделить два направления - сюжетное и шрифтовое. Первое - декоративные композиции на сюжеты "массовой" культуры: изображения  самолетов, автомобилей, повседневная жизнь, фрагменты фильмов, комиксов, пейзажи и т.д. Второе направление  считается - классом в уличной  живописи и являет собой переплетенные  в замысловатом узоре слова и  аббревиатуры. Здесь сложилось несколько стилей: ("пузырь") - дутые, округлые буквы, похожие друг на друга; ("дикий стиль"), отличающийся нечитаемостью букв; ("объемный стиль") - самый виртуозный стиль, отличающийся абсолютным объемом букв; (у1е - буквы, словно написаны на отдельных листах и наложены друг на друга.

 В современной жизни замысловатые рисунки граффити стали неотъемлемой частью городов в самых разных странах мира. Выполненные с невероятной фантазией и мастерством они олицетворяют дух свободного творчества и являют миру непреходящее желание творить Красоту.

Инсталляция

 Инсталляция  (анг. Installation – установка, размещение, монтаж) – пространственная композиция, созданная художником из различных элементов – бытовых предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов, фрагментов текстовой и визуальной информации; способ экспозиции художественных произведений, благодаря которому выставленные объекты активно распространяются в пространстве, «привязываясь» к нему, подобно некой сценической конструкции, занимая порой целые залы.

 Инсталляция  –  одно из центральных понятий для обозначения современных произведений искусства. Эта форма, широко распространенная в постмодернистской культуре, берет свои истоки из авангарда начала XX в.: ее основоположниками были дадаист Марсель Дюшан и сюрреалисты. Художники самых разных направлений создавали инсталляции: среди них можно назвать Роберта Раушенберга, Джима Дайна, Илью Кабакова, Йозефа Бойса, Янниса Кунеллиса и многих других.

 Главная  цель инсталляций – создание в определенном объеме особого художественно-смыслового пространства, построенного на неординарном сочетании тривиальных вещей, выявляющем в них новые смысловые значения и чувственные качества, скрытые от обыденного восприятия. Вещь, освобождаясь от своего утилитаризма, приобретает символический характер, а преобразованная окружающая среда и смена контекстов придают сотворенному художником пространству иную смысловую нагрузку и значимость.

 В последнее  время активно стали развиваться  новые формы инсталляций, связанные с развитием научно-технического прогресса, возможностями видеотехники, компьютерных технологий, перешагнувшие из экспозиционных залов на улицы, –  видеоинсталляции. Основоположником этого необычно зрелищного искусства является американский художник корейского происхождения Нам Джун Пайк.

 Мастера  инсталляции: Роберт Раушенберг, Джим Дайн, Понтер Юккер, Йозеф Бойс, Яннис Кунеллис, Илья Кабаков, Нам Джун Пайк, Курт                                   Швиттерс, Клас Ольденбург, Вольф Фостель.

Кинетическое  искусство

 Кинетическое искусство (от греч. kinetikos – приводящий в движение), кинетизм – направление в современном искусстве, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных составляющих его форм. Элементы кинетизма издревле существовали в виде разного рода трюков, оживлявших скульптуры, в прикладных искусствах (движущиеся фигуры часов), в театральной сценографии. Опыты создания динамической пластики присутствовали и в дадаизме (М. Дюшан «Велосипедное колесо на табуретке»), Баухаузе (Л. Мохоли-Надь «Модулятор пространство-свет») и в русском конструктивизме (В. Татлин - проект Башни III Интернационала).

 Как самостоятельное  направление кинетизм оформился в конце 1950-х гг. в русле экспериментальных поисков авангардного искусства, стремящегося овладеть четвертым измерением - временем.

 В кинетизме  движение вводится по-разному:  путем динамического преобразования самими зрителями, при изменении местоположения которых оптически меняется и форма объекта (вибрирующие картины Я. Агама, творчество художников Группы визуального изучения искусства). Это и конструкции, приводимые в движение естественными колебаниями воздушной среды (мобили А. Колдера), мотором (работы Ж. Тенгли) или электромагнитными волнами (Такие). Огромную роль в создании иллюзии движения играли установки меняющегося света. Одним из главных разработчиков и теоретиков «светового» движения был французский кинетист Никола Шеффер, создававший «светоди-намические» конструкции (монументальная «светозвуковая башня» в Льеже), приобретающие особую выразительность благодаря калейдоскопической игре бликов на металлических поверхностях, хитроумным звуковым и световым эффектам.

 Приемы  кинетического искусства нашли широкое применение в организации всевозможных выставок, ярмарок, промышленных экспозиций, в оформлении парков и площадей. Охватив Америку и Европу, кинетизм не обошел стороной и Советский Союз, где в 1960-х гг. существовала художественная группа «Движение».

Кубизм

 Кубизм (фр. cubisme, от сube – куб) – художественное направление во французском искусстве начала XX века, основателями и крупнейшими представителями которого были Пабло Пикассо и Жорж Брак. Термин «кубизм» возник из критического замечания по поводу работ Ж. Брака о том, что он сводит «города, дома и фигуры к геометрическим схемам и кубам». Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вешей и явлений, в которых бы выразились вся сложность и многообразие жизни. По существу кубизм  – это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П. Сезанна и африканской скульптуре под влиянием которой появились знаменитые «Авиньонские девицы» П. Пикассо (1907), ознаменовавшие рождение кубизма.

 В своем развитии кубизм пережил три периода: сезанновский, аналитический и синтетический.

 Для первого  периода (до 1909 г.) были характерны  массивные, несколько грубоватые формы, образованные пересечениями прямых и изломанных линий. Второй период (1909-1912) отличался более мелкой деталировкой предмета изображения. Дробя цельную форму на грани, художник стремился проникнуть в структуру вещи, произвести ее анализ, пытаясь «отыскать в объектах наиболее устойчивые элементы». Это привело к ограниченному набору изображаемых предметов и жанров (натюрморт, реже пейзаж и портрет). Основным приемом синтетического периода (1913-1914) стал коллаж. Картины синтезировались из разнородных материалов и фрагментов (обрывки газет и одежды, куски обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации фактуры). Художник не воспроизводил действительность, а зримо воплощал свои знания об изображаемом предмете, которые в воображении зрителя складывались в обозначаемый сюжет.

 Основные  теоретические идеи кубизма были  изложены самими участниками  движения (А. Глез и Ж. Метценже  «О кубизме», 1912) и симпатизировавшими движению критиками (Г. Аполлинер «Художники-кубисты», 1913). Русский философ Н. А. Бердяев назвал кубизм «самой полной и радикальной революцией со времен Ренессанса». Отвергая традиции фигуративной живописи и провозглашая создание самостоятельных живописных реалий, независимых от объективных, кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам XX века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму.

 Мастера кубизма: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез,  Жан Метценже, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Александр Архипенко, Жак Липшиц, Андре Лот.

Оп-арт

 Оп-арт (англ, op art, сокр. от optical art – оптическое искусство) – направление в искусстве, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Оп-арт как движение зародился в 1950-е гг. внутри абстракционизма, продолжив его рационалистическую линию – геометрическую абстракцию, представителем которой был французский художник венгерского происхождения Виктор Вазарели – основоположник и лидер оп-арта.

 Основа  оп-арта – в художественно  организованных оптических эффектах (эффектах пространственного перемещения,  парения, слияния форм), которые  достигались геометризированными  комбинациями линий и пятен  с введением резких цветовых  и тональных контрастов, ритмических  повторов, извивающихся линий, пересечением  спиралевидных и решетчатых конфигураций. Применение зеркал, линз, дрожащих  металлических пластинок и проволок, установок меняющегося света,  динамических конструкций усиливает  эффект воздействия и создает  особую эстетическую среду, достигающую  высокой степени абстрагирования  от конкретного. Иллюзия движения, вспышек света, меняющейся формы  и последовательной смены образов  возникают в произведениях оп-арта  автоматически, т.е. фиктивно, присутствуя  только в ощущениях зрителя.

 В 1960-х  гг. оп-арт получил недолгое, но  широкое признание не только  в живописи, но и в прикладном  искусстве: в графике, дизайне  (мебели, текстиля, росписи стен), в  сфере моды и декоративного  макияжа.

 Мастера  оп-арта: Виктор Вазарели, Бриджит  Райли, Ричард Анушкевич,               

Хесус Рафаэль  Сото, Лари Пунз, Карлос Крус-Диес.

Орфизм

 Орфизм (франц. orphisme, по имени персонажа древнегреческой мифологии певца Орфея) – течение в европейской живописи 1910-х гг., близкое к кубизму и футуризму. Термин "орфизм" был изобретен поэтом и художественным критиком Гийомом Аполлинером (орфизм как культ Орфея) для характеристики творчества Робера Делоне и публично заявлен во время лекции, посвященной современной живописи в октябре 1912г. Предложенным названием поэт хотел, по-видимому, подчеркнуть особую музыкальность, интуитивность, иррациональность абстрактного искусства Делоне. Впоследствии Аполлинер распространил это понятие также на творчество кубистов, дадаистов и художников группы "Синий всадник" (Кандинский, Марк, Макке, Явленский), внеся определенную путаницу в суть самим же изобретенного понятия.