Стиль рококо во французской живописи

  В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все оттенки тонов, так и в изображении Ватто даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 г. художник создал одно из самых больших своих произведений «Паломничество на остров Цитеру» (Киферу) , одна версия которой находится в Лувре, а другая – в Берлине, в замке Шарлоттенбург. Сюжет картины заимствован из пьесы 18 в. и представлен как галантное празднество, происходящее в саду перед статуей Венеры, с золотой ладьей и резвящимися амурами на заднем плане, что свидетельствует о приготовлениях к путешествию на остров богини любви. Чувственная сторона сюжета приглушена и смягчена. В высочайшем художественном мастерстве передачи фактуры тканей Ватто является наследником живописных традиций Рубенса и Веронезе, однако мазок у него более тонкий и текучий. Легкие и изящные фигурки персонажей Ватто кажутся почти бестелесными. Эта тончайшая палитра чувств прежде всего создана самим цветом: колеблющимся, мерцающим, переливающимся один в другой, гаммой золотистых оттенков, сквозь которые проступает основной серебристо-голубоватый тон, что в целом напоминает колорит венецианцев; светом, разбивающимся на блики. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна для всего искусства XVIII в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции: действие разыгрывается на переднем плане, который выглядит как площадка сцены; он всегда пишет кулисы — обрамление этой главной сцены; как в театре, располагает группы фигур, освещая их искусственным светом рампы. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник.

    «Капризница» (La boudeuse) ( Ок. 1718. Санк-Петербург. Государственный Эрмитаж)  —маленький шедевр, изящная и драгоценная по живописи картина, относящаяся к периоду расцвета его творчества - к 1718г. (см. Приложение 4).

    На фоне легкого, прозрачного, «перламутрового» пейзажа » светлого неба выделяются выразительные силуэты двух фигур: дама в темном блестящем шелке, присевшая на каменную-скамью, подбирая платье, отворачивается с недовольным и рассеянным видом от своего кавалера; он в непринужденной позе прилег, облокачиваясь на скамью и заглядывая сбоку ей в лицо; весь его вид выражает спокойствие и уверенность: ее неудовольствие — поверхностное, ее холодность — напускная, ею руководит только кокетство и каприз. Об этом говорит и ее личико с мелкими чертами (знакомое нам и по другим картинам Ватто) и выразительный своенравный поворот головки. Темное платье ее блестит мелкими, яркими бликами, живыми тонами переливается одежда и свешивающийся плащ кавалера. Это яркие, сочные пятна, с которыми контрастируют легкие и тонкие узоры древесной листвы и фигурки гуляющего в отдалении общества.

     В самом конце жизни Ватто создал свою последнюю работу — это вывеска антикварной лавки, которая так и называется «Лавка Жерсена». В правой части беседуют интересующиеся живописью дамы и кавалеры, в левой укладывают в ящики произведения искусства, среди них портрет Людовика XIV. Не хотел ли этим Ватто сказать, как быстротечна «слава мира», как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь одно искусство?

 Франсуа Буше

   Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше, ибо в его искусстве гедонизм рококо, доходящий до фривольности, пренебрежение к конструктивному, рациональному, разумному, как и вся утонченная культура "рокайльного языка", выразилось в полной мере.

   Франсуа Буше (1703–1770), французский живописец, рисовальщик, гравер и декоратор. Родился 29 сентября 1703 в Париже, где и прожил всю жизнь. Художник и парижанин в третьем поколении, Буше был учеником блистательного Франсуа Лемуана, учителем своим почитал и Антуана Ватто, сотни рисунков которого он в юности копировал, привнося нечто свое, а позднее делал с них гравюры. Двадцатилетним получил престижнейшую премию «Приз Рима», а потом и работал в Вечном городе более трех лет, освоив технику итальянского барокко и погрузившись в глубины исторической живописи, мастером которой и профессором которой во французской академии художеств он стал. Ему было едва за тридцать. Ну, а потом... Потом были замечательные иллюстрации к книгам Мольера, роспись и отделка интерьеров парижских домов и дворцов, в том числе королевских, обретение собственной неповторимой манеры письма и всеевропейская слава. 
        Ему удавалось все: религиозные, мифологические, исторические, жанровые картины, пейзажи и чудесные портреты, особенно, женские, в чем убеждают нас мастерские рисунки, собранные сейчас в музее Фрик-коллекшн из музеев и частных коллекций многих стран - Англии, Канады, Швеции, Франции, Италии, Голландии, России, Австрии, Испании и, конечно же, Америки. Так что ощущаешь себя так, будто объездил полмира.

   Нужно вам сказать, что живопись Буше бескрайне эротична. «Страстей, обжигавших сильнее огня наших сердец гранит», в его сюжетах предостаточно. Естественно и в графике тоже, в рисунках, необычайно грациозных, поэтичных, поражающих легкостью и пластикой линии. На счету у Буше более 10 тысяч рисунков: это и бесчисленные эскизы к картинам с бытовыми, но чаще мифологическими или аллегорическими сюжетами, к пасторальным сценкам, к картонам для шпалер (он был основным поставщиком картонов для мастерских Бувье и Гобелена), рисунки и эскизы моделей севрского фарфора, книжные иллюстрации и обложки, изящнейшие виньетки. Был он и превосходным гравером. Многообразию творчества, яркости индивидуальности Буше могли бы позавидовать многие именитые художники. Вождь французского классицизма, великий Жан Луи Давид, считавший Буше своим учителем, бросил как-то фразу: «Никто не может стать таким, как Буше». Таким оригинальным, самобытным, таким чарующим. -

   Буше – самый знаменитый и удачливый мастер, работавший в стиле рококо. Он получал заказы на создание декоративных картин для резиденций короля и мадам де Помпадур, а также частных особняков в Париже. Буше делал декорации для опер и спектаклей и картоны для гобеленов мануфактуры Бове; две серии картонов - Итальянские деревенские праздники (1736) и Благородная пастораль (1755) - находятся в коллекции Хантингтон в Сан-Марино (Калифорния). Достойны внимания многочисленные серии гравюр Буше, среди которых иллюстрации к произведениям Мольера и других авторов, а также серия Крики Парижа с изображениями уличных сценок. Художник выполнял также эскизы для изделий из фарфора Венсенской и Севрской мануфактур.

     Спектр сюжетов картин Буше охватывает всю тематику, характерную для стиля рококо. Он обращался к литературным, аллегорическим и мифологическим сюжетам (особенно связанным с Венерой), изображал деревенские ярмарки, фешенебельную парижскую жизнь, игривые экзотические «китайские» сценки и пасторали, писал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы. У Буше во всем чувствуется свойственное рококо сочетание острой наблюдательности и декоративной утонченности, чувственной непосредственности и игривого притворства. Среди его лучших произведений – картина "Туалет Венеры", Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж и Портрет маркизы де Помпадур. Ныне он находится в Старой Пинакотеке Мюнхена (см. Приложение 5).

      С годами у Буше вырабатывается легкий, но эффектный штамп, так как от него требовали частого повторения работ. К концу жизни ему несколько изменяет и чувство цвета. Однако и в 1760-е годы он продолжал работать в живописи и рисунке, где воплощает свой колористический дар в пастелях, гуашах, технике рисунка «в три карандаша» (сангина, белый и черный мел по тонированной бумаге). Живописный талант Буше, его рафинированный вкус высоко ценили ученики и современники.

 Жан Оноре Фрагонар

       Жан Оноре Фрагонар (фр. Jean-Honoré Fragonard;  1732, Грасс — 1806, Париж) — знаменитый французский художник,  живописец и график, яркий представитель стиля рококо. Один из крупнейших живописцев Франции второй половины XVIII в. В своём творчестве продолжая и развивая традиции художественного стиля рококо, создавал картины с галантными сценами,  игриво-эротическими мотивами.

      После Ватто и Шардена Фрагонар — самый крупный французский художник XVIII столетия. Творчество Фрагонара — утонченный и яркий цветок искусства рококо и всей французской культуры второй половины века.  
          Фрагонар родился на юге Франции, в Грассе. Его отец был перчаточником, в 40-х годах переселившимся в поисках заработка в Париж. Здесь семнадцатилетний Жан-Оноре Фрагонар попытался поступить в обучение Франсуа Буше, но был отослан мэтром в мастерскую Жана Батиста Шардена. Время, проведенное у великого живописца, не прошло для Фрагонара даром — но это скажется позднее; пока ему не пришлись по вкусу ни прозаические сюжеты Шардена, ни его кропотливые штудии натуры. Через полгода начинающий художник снова отправился к Буше, который проявил на этот раз большую благосклонность. За сравнительно короткий срок Фрагонар перенял стилевые приемы своего учителя и в 1752 году был удостоен Римской премии за картину на библейский сюжет. После трехлетней стажировки в Париже у академического живописца  Ванлоо Фрагонар уезжает в Рим в качестве стипендиата учрежденной там еще в XVII веке французской Академии. В годы, проведенные в Италии (1756—1761), происходит превращение  из бескрылого эпигона Буше и академиков в неповторимо самобытного мастера. Этой метаморфозе способствовала  встреча с искусством и природой Италии. Фрагонар создает в этот период серию замечательных графических пейзажей, дополненную во время вторичного посещения Италии в 1773—1776 годах.

      Это по преимуществу виды прославленных вилл, расположенных в Риме и его окрестностях. На этих рисунках, выполненных бистром или сангиной, изображены тенистые аллеи, напоминающие своды соборов, величавые зонты пиний, целые каскады зелени, гроты, ступенчатые террасы с балюстрадами и статуями. Все это отличается архитектурной стройностью композиции и проникнуто почти космическим чувством природы, роднящим Фрагонара с мастерами XVII века. Собственно «фрагонаровское»— в сочетании величия с невиданной прежде интимной теплотой, мягкостью и утонченностью восприятия мира. Его кисть и карандаш передают бесчисленное множество оттенков черного и белого, градаций размытых и четких форм. Но, пожалуй, главное очарование фрагонаровской графики — в ее светоносности. Свет в его пейзажах то мерцает, то струится широким потоком, вспыхивает в листве, таинственно озаряет дали...

     В 1670-е годы широкое распространение просветительских идей, призывы Руссо и Дидро к естественности, простоте и нравственности, а также изменения в личной жизни Фрагонара (он женится и становится отцом семейства) приводят к переменам в его искусстве. Теперь в его живописи преобладают идиллические семейные сцены. Особенно удавались ему сцены с детьми, написанные с необыкновенной нежностью и юмором. 

 Его произведения, исполненные трепетной эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами - “Качели”, 1766, собрание Уоллес, Лондон; (см. Приложение 6), “Праздник в Сен-Клу”, 1775, Французский банк, Париж; “Поцелуй украдкой”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург (см. Приложение 7).

   Тонкие светотеневые эффекты характерны для офортов и многочисленных рисунков Фрагонара. Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем иронических ситуациях ("Свидание", "Погоня"). Художник стремился передать интенсивную красочность реального мира, любил теплую золотистую гамму, игру света. Стиль и манера Фрагонара разнообразны, они менялись, эволюционировали от декоративного решения то к классическому, с характерным для него точным, упругим рисунком и локальным сдержанным цветом, данным в границах формы («Задвижка!», 1778г.),  то к романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка, живописностью (серия портретов 1760-х гг.), тонкостью свето - воздушных эффектов. Он мастер мимолетного наброска с натуры. В портретах Фрагонар стремился запечатлеть творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний, которые должны неизбежно перейти в действие, вывести за пределы обыденности, из интимной сферы жизни. Художник смело разрушал каноны аристократического портрета 18 в. В «Портрете Дидро» (Париж, частное собрание) он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. Экспрессивная роль света, динамика композиционного и живописного решения рождают впечатление изменчивости натуры. За пределы портретного жанра несколько выходит образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр), подчиненный одной страсти — патетическому взлету мысли, мечты. В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции, ставшие характерными для романтизма 19-го века.

     Позднее творчество Фрагонара мало изучено. Художник постепенно теряет былую популярность, а революция наносит ему окончательный удар: его довольно значительное состояние сильно уменьшилось, а богатая клиентура оказалась разоренной или вовсе была изгнана из страны. Однако Фрагонар избежал нищеты благодаря своему бывшему ученику Давиду, а также благодаря своим познаниям эксперта: в 1794 гг. он был избран членом Музейной комиссии — организации, занимавшейся формированием национальных музейных коллекций, в первую очередь — Лувра.  
         В поздний период творчества Фрагонар редко обращался к своей излюбленной теме галантных сцен и игривой эротики, однако именно в это время было создано одно из лучших его произведений — «Поцелуй украдкой» Конец 1870г.г.Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. (см. Приложение 7).

     К этому же времени относится большая серия аллегорических картин («Фонтан любви»1785г.), Собрание Уоллеса, Лондон (см. Приложение 8). В 1795 г. художник выполнил серию иллюстраций к «Сказкам» Лафонтена.  
         В конце XVIII в. Фрагонар был забыт современниками. Он умер в 1806 г. в безвестности и нищете. Былая слава вернулась к нему лишь в середине XIX столетия.

 Никола Ланкре

      Никола Ланкре ( 1690 - 1743 ), французский живописец, представитель искусства рококо.

      Большая часть картин Ланкре принадлежит к жанру светской пасторали, типичному в 2030-е годы XVIII века, отвечавшему вкусам и потребностям времени. Ланкре не сразу овладел этим жанром. Сына честных буржуа как написал о нем биограф (отец Ланкре был кучером, мать дочерью сапожника), его в юности отдали в обучение дяде-граверу. Но юношу привлекала живопись, и он ушел в Академию, где несколько лет учился у исторического живописца Пьера Дюлена. Провал на конкурсе на академическую премию в 1711 году убедил Ланкре в том, что историческая живопись не его амплуа. Он решил заниматься малым жанром и в 1712 году поступил в мастерскую живописца комических сцен и театрального декоратора Клода Жилло. Здесь и познакомился с Ватто.

      Общение с Ватто оказало на Ланкре решающее влияние. Ланкре так хорошо усвоил советы и рецепты своего молодого наставника, что две его картины на традиционной Выставке молодежи на площади Дофина были приняты публикой за работы Ватто. Обидчивый Ватто почувствовал себя оскорбленным, и отношения между художниками прекратились. В 1721 году Антуан Ватто умер, а несколько раньше, в 1719 году Ланкре был зачислен в Академию как живописец галантных празднеств. С тех пор и до самой своей смерти в 1743 году он неизменно пользовался признанием и уважением. 

      Ланкре писал в духе рококо “галантные сцены” (“Галантная беседа”, собрание Уоллес, Лондон), пейзажи, жанровые и театральные композиции (“Кухарка”, собрание Уоллес; “Концерт в парке”, ГМИИ, Москва), портреты (“Танцовщица Камарго”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) (см. Приложение 9).