Театры Индии,Китая и Японии

Введение:

Театры стран  Азии являются новой, не изведанной страницей. Все от яркого грима до сценической  игры очень необычно и захватывающе. Эта тема очень интересная и актуальная.

Театры Индии, Китая и  Японии не похожи друг на друга. У каждой страны свой язык, своя культура, свои национальные традиции. И, тем не менее, есть нечто общее, что роднит театральное искусство этих стран.

Культура стран  Азии складывалась на протяжении тысячелетий, сохраняя на последующих этапах основные черты предыдущих. Именно поэтому театральное искусство называют традиционным, открывая в нем и в настоящее время черты более раннего времени.

Зарождение театрального искусства Индии, Китая и Японии тесно связано с религиозным  ритуалом, который оказал влияние  на формирование театрального канона. Он обусловил строгие правила сценического искусства и мастерства актера, требующие от исполнителя виртуозного владения всеми видами актерской техники.

История развития театров стран Азии сложная, но интересная. Индийский театр «Катхакали», Японский театры «Но» и «Кабуки», Китайский кукольный театр и др. складывались на протяжении многих веков. Были и взлёты и падения, но театры стран Азии «выдержали» всё.

До сих пор театры Индии, Китая и Японии очень популярны. Люди многих стран специально едут в страны, чтобы посмотреть их великолепные и чарующие представления.

 

 

 

 

 

 

 

ТЕАТР ИНДИИ

Ранним свидетельством зарождения театрального искусства  явилась бронзовая статуэтка  танцующей девушки, найденная при  раскопках в городе Мохенджо-Даро в III тыс. до н.э. Именно ритуальный танец и стал стержнем, вокруг которого сформировался индийский классический театр. Образцом для танцора служил образ танцующего Шивы, в танце которого проявлялась созидательная и разрушительная энергия Вселенной.

В Древней Индии театральные представления – часть праздника, посвященного богам, например, богу-громовержцу Индре. В его честь водружали «знамя», которое символизировало дерево, принесенное из леса. После церемонии его топили в реке, чтобы придать силы земле и воде. В празднестве принимали участие музыканты, фокусники, борцы, канатоходцы, забавники, которых называли «ната». Позже так именовали профессиональных актеров, упоминание о которых встречается в индийской литературе уже со второй половины I тысячелетия до н.э.

Задолго до новой эры в Индии сложился народный театр, популярный и в настоящее время. Одна из самых распространенных форм такого театра в северной Индии – музыкально-танцевальная драма (лила – в переводе с санскритского «игра»). По представлениям индусов все действия бога – это игра. В основе лил были положены два индийских эпоса Махабхарата и Рамаяна, состоящие из собраний мифов о деяниях могущественных богов, их борьба против злых демонов. Рядом с богом Рамой всегда его помощник – царь обезьян Хануман. Этническое полотно Махабхарата рассказывает о борьбе двух враждующих родов – Пандавов и Кауравов. Борьба длится до тех пор, пока не вмешивается бог Кришна на стороне обиженных, завершая вражду победой справедливости. Исполнители спектаклей выступают в красочных костюмах и масках. Действие происходит без декораций. Рамалилы и Кришналилы популярны в Индии и в современный период.

На юге страны развивалась  другая форма мистериального театра, связанная с искусством храмовых сказителей – чакиаров. Они читали стихи на санскрите, а затем объясняли текст на языке местных жителей. Сказитель использовал мимику и жесты. Позже его заменил актер, сопровождая декламацию танцами. Представление получило название кутияттам (санскр. «коллективный танец).

В середине I тысячелетия  до н.э. возник классический индийский театр. Его расцвет приходится на 1–9 вв., когда были созданы знаменитые произведения санскритской драмы. Самые известные драматурги – Бхаса, Калидаса, Шудрака. Даты их жизни приблизительны, сведения исследователей иногда расходятся на века. Из тринадцати произведений Бхасы лучшей считается «Явившаяся во сне Васавадата» – пьеса о любви царя к своей жене Васавадате.

Авторство знаменитой «Глиняной повозки» (предположительно 4 в.) приписывается царю Шудраке. Пьеса шла на сценах многих театров мира даже в 20 в. Пьеса рассказывает о любви актрисы-куртизанки к брахману Чарудатте – человеку, принадлежащему к высшей касте и к тому же женатому. Этот сюжет выходил за рамки традиционных сюжетов. После долгих испытаний влюбленные воссоединялись.

Вершина драматургии Древней  Индии – драма Шакунтала Калидасы (в некоторых источниках Сакунтала). Сюжет пьесы о верности и любви Шакунталы к царю Душьянте пришел из Махабхараты, но был дополнен и расширен Калидасой для большего драматизма развития сюжетной линии. Спектакль сохранился не только в современных театрах Индии, но и обошел сцены театров мира: он был поставлен в Берлине; в 1914 в камерном театре А.Таирова; в 1957 – в Пекине.

Особая форма театра Индии – классический танец, включающий слово и иногда пение. Именно в танце бог Шива создавал мир. В одном из храмов есть знаменитое изображение танцующего Шивы. На колоннах запечатлены 108 его танцующих поз, которые упоминаются в театральном трактате Натьяшастра.

Один из самых древних  стилей – бхарат натья дошел до нас благодаря деваси – храмовым танцовщицам, посвятившим свою жизнь божеству. С течением времени танец превратился в средство развлечения феодальной аристократии и название «деваси» стало синонимом куртизанки. Танец представлял собой сочетание нритья (танец-рассказ) и снритта (танец в чистом виде). Затем исполнялась интермедия (паддам), в которой танцовщица передает жестами содержание песни, исполненной на санскрите. Смысловая полифония интермедии рождалась из повтора певцом одной и той же строки, которой он давал разные трактовки, и из разнообразных толкований этого же текста танцовщицей.

                                                         БХАРАТ НАТЬЯ – классический танец Южной Индии

 

                                                  ОДИССИ – классический танец восточной Индии

 

В 15 в. в Северной Индии складывается классический танцевальный стиль катхак. К тому времени сложилось государство, в котором завоеватели мусульмане ассимилировались, и дав импульс слиянию мусульманского и индуистского искусства катхак явился результатом слияния двух культур. Танец исполнялся в персидских костюмах, но являлся продолжением легенд о любви Вадхи и Кришны. В отличие от бхарат натьям, где движения ног синхронизованы с движением рук и глаз, катхак построен на импровизации. Для него характерны искусные движения ног, многообразие и сложность ритмов. Чтобы испытать искусство танцовщицы, барабанщик время от времени маскирует основной ритм. В свою очередь танцовщица стремится изменить свой ритм, стараясь сбить с ритма барабанщика. Игра ритмов завершается общим согласием танца и ритмического сопровождения, что всегда сопровождается восторгами зрителей.

                                          МАНИПУРИ – классический танец Северо-Восточной Индии

В 17 в. на Юге  Индии рождается театр «Катхакали». Пантомимическая танцевальная драма рассказывает о богах и демонах, их любви и ненависти. Представление дается либо во дворе храма, либо под открытым небом. Его зрители – крестьяне окрестных деревень, которые оставляют свои ежевечерние заботы и дела, едва заслышав звук барабана. Театральное представление дается на черном фоне ночи. Действующие лица в ярком гриме – зеленом, красном и черном – появляются из темноты и исчезают во тьме. Грим и его рисунок имеет символическое значение, хорошо известное зрителю.

 

Персонажи катхакали подразделяются на семь типов:

пачча – благородные герои;

катти – заносчивые и высокомерные;

краснобородые – злодеи и честолюбцы;

 белобородые - чаще всего это советники царя обезьян Хануман, – образ благородный и героический;

чернобородые – лесные люди и охотники;

кари – злые великанши и демоны женского пола;

 минукку – мудрецы, отшельники, брахманы и женщины.

                             ПЕРСОНАЖ «КАТХАКАЛИ» – царь обезьян Хануман

Мастерство «Катхакали» постигают с детства под руководством гуру. Актер учится понимать внутреннюю суть изображаемого, будь то человек, цветок или птица.

Что касается театральной  теории, то первым санскритским трактатом  о театре явилось сочинение древнего мудреца Бхараты Натьяшастра (Трактат об искусстве актера). Появление трактата ученые относят к 3–4 вв. До сих пор правила, установленные в этой книге, остаются законом для индийских актеров всех поколений.

 

Согласно трактату существует четыре основных выразительных средства – ангика, мудра, вачика, ахарья.

Ангика – язык условных жестов рук, пальцев, губ, шеи и ног. Предписаны тринадцать движений головы, семь движений для бровей, тридцать шесть – для глаз; шесть – для носа, шесть – щек, семь – для подбородка, тридцать два – для ног. Предусмотрены различные позиции ноги и разнообразные походки – величавая поступь, семенящая или заплетающаяся и т.д.

Мудра – жест, имеющий символическое значение. Существует двадцать четыре основных жеста, каждый из которых имеет свыше тридцати различных значений.

 Вачика – дикция, интонация и темп речи, которые создают определенное настроение.

Ахарья – канонизированный цвет и детали костюма, грима. Для богов и небесных дев – оранжевый грим, для солнца и Брахмы – золотой, для Гималаев и Ганга – белый. Демоны и карлики носят рога – оленьи, бараньи или буйволовые. У людей грим зависит от их социального статуса, принадлежности к касте. У представителей высших каст – брахманов и кшатриев – грим красный, у шудр – темно-синий, у царей – нежно-розовый, у отшельников – лиловый.

Компонент театрального действия, саттвика – это душевные состояния, передаваемые актером (бхава), и настроение зрителей после увиденного на сцене (раса). Актер должен вжиться в чувства своего персонажа и уметь передать тончайшие переживания, для чего следует овладеть актерской техникой. Умение проронить слезу, показать, как от холода стягивает кожу лица, как от испуга пробегает дрожь по всему телу, т.е. мастерское владение актерской техникой может вызвать у зрителя определенное настроение. Вся эстетическая концепция индийского сценического искусства основана на учении бхава и раса.

Буквально слово  «раса» означает вкус или привкус, т.е. настроенность, которая остается у зрителей после спектакля.

Раса бывает девяти родов:

- эротическая,

- комическая,

- печальная,

- гневная,

- героическая,

- устрашающая,

- вызывающая отвращение,

- изумляющая,

- успокаивающая.

 Каждая раса обозначается определенным цветом: по порядку – прозрачно-зеленоватым, белым, пепельно-серым, красным, светло-оранжевым, черным, синим, желтым. Девяти раса соответствуют девять бхава, которая в свою очередь может быть устойчивой или преходящей.

Во второй половине 19 в. в Индии зарождается новая  драматургия и новый драматический  театр. Первые попытки создания новой  драматургии принадлежит бенгальским  драматургам Динобондху Митро, Модхущудону  Дотто, Рамчарайноу Таркоротну. Их произведения отличались социальной глубиной и антибританской направленностью. Тогда же возникают театральные коллективы и в других провинциях страны. Становление драмы « Хинди» связано с именем Бхаратенду Харишчандры, в творчестве которого сочетались традиции национальной и западноевропейской драматургии.

Идеи национально-освободительной  борьбы, требование независимости находят  отражение в творчестве С.Говиндаса (Путь служения, К чему страдания и др.).

В 1940-х театральная  жизнь страны значительно активизировалась. Создается Ассоциация народных театров Индии, деятельность которой оказала заметное влияние на развитие театральной культуры в стране.

 После установления  независимости в 1947 в Индии  созданы условия для развития, как традиционных форм театрального  искусства, так и для драматического театра. Создана Индийская академия музыки и драмы, которая проводит научную работу в области театрального искусства. В театрах Индии ставят лучшие произведения мировой драматургии, в том числе Шекспира, Ибсена, Мольера, Тургенева, Горького, Чехова.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ТЕАТР КИТАЯ

Основой китайского театра является музыка, которая сформировала классическую музыкальную драму «Сицюй», здравствующую и в настоящий период. Местоположение музыки в государстве издревле было закреплено первыми правителями ее важной функцией в религиозном ритуале. Но прежде, чем приступить к созданию музыки, творцу следовало услышать ее в космических звуках вселенной, а затем организовать ее согласно законам вселенной, вселенной, же установленным. Голоса вселенной достигали человека, когда он вслушивался в звуки ветра и течения рек, в шум деревьев и пение птиц, наблюдая повадки зверей и создавая мелодии и танцы, созвучные ритмам слияния ци Неба и Земли.

Музыка, мелодия, вокальное мастерство – области, которым театральная теория уделила наибольшее внимание. Около 50 театральных трактатов, составивших 10-томное «Собрание трактатов о китайской классической драме» (1959 и 1982), полностью или частично посвящены музыке. И хотя музыка в театре в китайском табеле о рангах представляла простонародный, низкий вид (су юэ) искусства в отличие от высокой (я юэ) ритуальной музыки, сам театр никогда не забывал о своих истоках, нередко сокрушаясь об утрате музыки древних канонов.

Истоки китайского театрального искусства берут начало в шаманских ритуалах эпохи Шан (1766–1122 до н.э.). Уже на иньских костях (I тыс. до н.э.) встречается изображение иероглифов ю э (музыка) и у (танец).

В эпоху Чжоу (1027–1256 до н.э.) религиозный ритуал и  дворцовые празднества шлифовали  танцевальную технику, вырабатывая канон сценического движения. Уже тогда различали поющих и танцующих актеров (чан – ю) и шутов, лицедеев и комиков (пай – ю). За стенами дворца театр давал всходы в народных обрядах и праздниках. Ощутимый элемент театральности присутствовал в обрядах, церемониях, танцах-пантомимах, связанных с культом поклонения предкам. Так, например, «Покойницкие игры» предполагали подражание покойному при изображении его деяний и ратных подвигов.