Идеалы и ценности культуры Возрождения

ранний Ренессанс (кватроченто — ХV в.);

высокий Ренессанс (чинквеченто — ХVI в.).

Проторенессанс длился в Италии около полутора столетий, ранний Ренессанс — около столетия, а высокий Ренессанс — всего тридцать лет. Его окончание приходится на 1530 г., когда итальянские государства захватили Габсбурги. Только Папская область сохранила свою независимость, и Венеция еще долго оставалась свободной. Бурно развившиеся социальные отношения привели к установлению республик. Однако у этих республик не было прочной экономической базы, промышленного переворота не произошло. Сила итальянских городов-государств заключалась лишь в международной торговле, где они выступали в основном в качестве посредников. Открытие Америки и Великие географические открытия способствовали тому, что появились новые межконтинентальные торговые пути, переместившиеся из Средиземноморья в Атлантику. Ренессансная культура подобна греческой, которая сумела «поработить» захватчиков Греции, распространившись далеко за ее пределы.

Создается впечатление, что никогда так много не строили, не ваяли, не расписывали, как в тот  период. В Средневековье искусство было анонимным и обращенным к безымянной людской массе. Теперь же оно стало делом художников-профессионалов, которых высоко ценили.

Проторенессанс еще  во многом связан со средневековыми традициями — романской, готической и византийской. Но на фресках Джотто ди Бондоне (1267-1337) уже вводится трехмерное пространство, которое он моделирует светотенью, и появляются объемные фигуры. Вообще фреска занимала господствующее положение в искусстве итальянского Возрождения. Фрески Джотто в Капелла-дель-Арена в городе Падуе представляют собой картины. Они расположены ровными рядами и заключены в прямоугольники. Перед зрителями развертываются важнейшие события из жизни Христа. Композиции очень просты, в них мало деталей, скупо намечены лишь места действий. Краски светлые и холодные. Фреска «Поцелуй Иуды» — одно из лучших в мире изображений «поединка взглядов». Джотто пользовался заслуженной прижизненной славой, и его не зря считали величайшим преобразователем в живописи.

Искусство эпохи Возрождения  перестает быть лишь отражением небесных первообразов, как в Средневековье. Постепенно начала прослеживаться независимость искусства от религии. Композиция в живописи уже не является сведением в одно целое разновременных событий, как в эпоху Средневековья, и, кроме того, постепенно отходит от иконографии. Живопись теперь ориентируется не на «прочтение» (любое средневековое изображение «читалось», оно было зрительным отображением тех или иных библейских положений), а на «узнавание», становится «окном в мир». Постепенно именно живопись начинает лидировать среди других видов художественной культуры.

Зачинателями искусства раннего Возрождения считаются три мастера — живописец Мазаччо, скульптор Донателло, зодчий Брунеллески. В этот период разрабатывается система линейной перспективы, на картинах начинает присутствовать пейзаж. Живопись эпохи раннего Возрождения проникнута приподнятым, светлым настроением. Во фресках флорентийца Мазаччо (1401-1427) было достигнуто реалистичное выражение глубинных чувств его героев. К выдающимся художникам позднего кватроченто относится Сандро Боттичелли (1447-1510). В период своего расцвета он пишет картины «Весна» и «Рождение Венеры». Они прославили художника. В творчестве Боттичелли уживаются античные, мифологические и средневековые сюжеты. Им было написано большое количество «Мадонн», а также фрески на стенах Сикстинской капеллы в Ватикане. Особой виртуозности художник достигал в изображении отдельных фигур и лиц, а вот некоторые его многофигурные композиции несколько перегружены, труднообозримы.

Флоренция ХV в. была лабораторией художественных идей. Художники изучали анатомию, стремясь к естественному изображению человеческих фигур. Так, даже когда писали коленопреклоненную молящуюся Мадонну, то сначала ставили в эту позу скелет, зарисовывали его, а потом уже «одевали» плотью и одеждой. Религиозные сюжеты не исчезают, но при этом большое внимание стало уделяться обнаженному телу, атрибутике одежды, украшениям, прическам, даже конской сбруе. Появляется тяга к деталям. Это «детализирующее видение» преобладало впоследствии в Германии и Нидерландах. Реализм заходил иногда достаточно далеко. Были случаи, когда «мадоннами» оказывались известные всему городу куртизанки.

Новизна художественных изображений заключалась и в том, что место действия, убранство жилища переносились из библейских времен во Флоренцию ХV в., были узнаваемы.

Искусство чинквеченто стало уже всемирным явлением. Титанами эпохи Ренессанса называют Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело. Художники пользовались огромной популярностью. Все они сформировались в лоне флорентийской школы, а потом работали при дворах меценатов, в основном пап. Их пути часто перекрещивались, и они относились друг к другу как соперники.

Леонардо да Винчи (1452-1519) был универсальным гением: художником, скульптором, архитектором, поэтом, музыкантом, теоретиком искусства, инженером, анатомом, физиологом, ботаником. Он ощущал себя «гражданином мира», подолгу жил во Флоренции и Милане, свои последние 20 лет провел постоянно переселяясь с одного места на другое, а незадолго до смерти переехал во Францию. Известно очень мало законченных картин великого мастера. К ним относится почти совсем разрушившаяся фреска в Милане «Тайная вечеря», а также картина «Мадонна в скалах». Это произведения раннего периода его творчества. «Тайная вечеря» украшает одну из стен трапезной монастыря Санта-Мария-делла-Грацие. Перспектива картины продолжает перспективу трапезной. Пространство фрески умышленно ограничено, чтобы она органично связывалась с интерьером и обстановкой помещения. Христос и апостолы сидят как бы в этой же трапезной, но на некотором возвышении и в нише. 12 апостолов представляют собой различные психологические типы. Все фигуры направлены к центру, и только Иуда изображен тянущимся вперед. Фигура и жесты Христа выражают одновременно спокойствие и горечь, ибо он знает о предстоящем предательстве одного из своих учеников. Есть предположение, что, несмотря на то, что над фреской Леонардо работал более полутора десятков лет, он так и не дописал лицо Христа.

«Мадонна в скалах»  — типичное ренессансное «окно» —  формат, распространенный в живописи этого периода. Картина представляет собой большой, сверху закругленный прямоугольник. Планы картины плавно перетекают один в другой, без разрыва в перспективе. Вся группа персонажей: Мария, младенцы Христос и Иоанн Креститель, ангел — изображена в пещере, а не на фоне пещеры, как это было бы сделано в Средневековье. Персонажи связаны духовно: хотя они не смотрят друг на друга, очевидно, что есть некий стержень, объединяющий их. На это невидимое и тайное указывает перст ангела. Леонардо часто набрасывал покров таинственности и недосказанности на свои полотна.

Шедевром мастера является картина «Мона Лиза» («Джоконда»). Эта картина породила множество  легенд, ее похищали и подделывали, многократно копировали и изображали на различных рекламных предметах. Неуловимо выражение лица Джоконды. Пристальность взора сочетается с ускользающей, чуть ироничной улыбкой. «Сфумато» — нежная дымка светотени, так любимая художником, сообщает портрету особую внутреннюю жизнь. Выражение лица Джоконды меняется в зависимости от освещения портрета. Она может казаться то более молодой, то более старой, то более насмешливой, то более холодной и т.д. Картина создает впечатление, что ее персонаж наблюдает жизнь вокруг себя. «Мона Лиза» является венцом творчества художника.

Самое богатое собрание рисунков Леонардо хранится в Виндзорской библиотеке Лондона.

Рафаэль Санти (1483-1520) прожил всего 37 лет, но успел воплотить в жизнь многие из своих начинаний. Он был не только живописцем, но и архитектором. Его стиль отличают ясная соразмерность, строгая уравновешенность и чистота. Его учителем был Перуджино, но он также многое почерпнул у Микеланджело и Леонардо. Рафаэль был очень разносторонним художником (монументалист, мастер портрета и мастер декора), но в основном его знают как мастера «мадонн».

«Сикстинская мадонна» — одно из наиболее значительных его произведений и последняя из «Мадонн», созданных художником. Это огромная алтарная композиция, ставшая для многих людей образцом красоты. Поражает удивительная одухотворенность лиц матери и ребенка. Во взгляде младенца Христа есть что-то глубокое и прозорливое, а во взгляде Марии — ангельская, младенческая чистота. Работая с 1508 г. постоянно в Риме, мастер создал большое количество монументальных фресок, находящихся в апартаментах папы. Самая выдающаяся фреска художника — «Афинская школа» украшает в Ватикане папский дворец. В образе старца философа Платона Рафаэль изобразил Леонардо да Винчи, в образе Гераклита — Микеланджело, а самого себя художник написал рядом с группой астрономов. В этом произведении Рафаэль пытался показать синтез христианской религии и античной культуры.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) был скульптором, живописцем, архитектором и поэтом. В Сикстинской капелле сохранилась алтарная фреска «Страшный суд». Микеланджело с некоторой неохотой взялся за этот заказ, считая себя в первую очередь скульптором, а не живописцем. Несколько сот фигур были написаны им на пространстве 600 м². Художник нарисовал на стенах и потолке капеллы карнизы, пилястры, архи и цоколи. Эта архитектурная декорация, смоделированная светотенью, снизу кажется настоящей, а фигуры пророков и их окружения, помещенные в иллюзорных нишах, — объемными. Художник дал бесконечное разнообразие ракурсов и поз, создав, по сути, энциклопедию пластики. Особенностью его творчества является то, что он всегда изображал людей, могучих телом и духом. Даже в фигурах умирающих и отчаявшихся присутствует мощь.

Наибольшей славой пользуется фреска «Сотворение Адама», выполненная на одном из 11 плафонов свода капеллы. Бог-демиург, касаясь руки Адама, как бы вселяет в него жизнь. Работа Микеланджело в Сикстинской капелле может быть приравнена к профессиональному подвигу, ведь уже немолодой художник, отказавшись от учеников, все росписи выполнил сам.

Скульптуру художник ставил выше всех других видов искусств. К шедеврам мировой скульптуры относятся его работы «Давид» и «Умирающий раб». Пятиметровая статуя Давида была установлена на площади во Флоренции и со временем стала символом города. Изваянный из единой мраморной глыбы юноша прекрасен. Скульптуры Микеланджело отличаются монолитностью объема. Он любил повторять, что хороша лишь та скульптура, которую можно скатить с горы и при этом у нее не отколется ни одна часть. От двух главных скульптурных композиций мастера, размещенных на гробницах папы Юлия II и Медичи, до наших дней дошли «Моисей», «Скованный раб» и «Умирающий раб». Сохранились еще четыре незаконченные фигуры рабов.

К венецианской школе  можно отнести творчество художников Джорджоне (1477-1510) и Паоло Веронезе (1528-1588). Эти живописцы добились очень больших успехов в передаче цвета.

Вершиной венецианской живописи чинквеченто считается  творчество Тициана (ок. 1476/77 или 1489/90-1576). Этот художник прожил легендарно долгую жизнь, согласно традиции — 99 лет. Многочисленные тициановские «Венеры» не столько утонченны, сколько полны душевной свежести и здоровья. Это золотоволосые, спокойные, пышнотелые женщины, то в богатых нарядах, то обнаженные. Великолепно его полотно «Даная». Но Тициан — это не только певец чувственной и одновременно удивительно целомудренной женской красоты, но и весьма интеллектуальный художник, что особенно проявляется в его портретах, где он мастерски умеет передать и характер человека, и его социальное положение. К подобным шедеврам можно отнести портрет папы Павла III с его племянниками. Одно из последних значительных произведений Тициана — «Святой Себастьян».

Во Франции ренессансные идеи воплотились в произведениях  таких живописцев, как отец и сын  Клуэ, живших в ХVI в. Этими придворными живописцами был создан ряд портретов, в частности короля Франциска I и французской королевы Елизаветы Австрийской. Портреты Клуэ парадны, декоративны и вместе с тем реалистичны.

Самый выдающийся скульптор этого периода — Жан Гужон (1510-1564). Его работы украшали первые сооружения Лувра. Для скульптуры Гужона характерно сочетание изящества и естественности.

Во Франции и в  Италии стал распространяться новый  стиль — вычурный маньеризм, которому были присущи усложненность, напряженность  образов, изощренность форм, острота  художественных решений, что особенно проявлялось в портретах. Маньеризм отражал кризис гуманистически-ренессансного мировосприятия в западноевропейском искусстве ХVI в. Маньеристы не стремились следовать природе, подобно мастерам высокого Возрождения. В своих произведениях они утверждали неустойчивость мироздания, власть иррациональных сил, субъективность искусства.

Трудно переоценить  вклад художников Северного Возрождения  в мировое искусство. В нидерландской  живописи очень сложно провести четкую грань между готикой и Ренессансом. Весь ХV в. был своего рода переходной ступенью от одного мировоззрения к другому. В Нидерландах заказывались и писались в основном станковые картины. Произведения станкового искусства не предназначены быть составной и неотъемлемой частью ансамбля. Они были рассчитаны на непосредственное, личностное восприятие и на новые формы их бытования (интерьер, коллекция, позже музей). Художники постепенно развили виртуозную манеру письма, изображая мельчайшие подробности с крайней тщательностью. Подобные картины увлекали зрителей: чем больше их рассматривали, тем больше находили деталей. К основателям нидерландской школы ХV в. относятся братья Ян и Хуберт ван Эйки. Ими был расписан знаменитый алтарь собора города Гента, где из 12 картин пять составляют единую композицию.

Именно в Нидерландах в ХV в. появились масляные краски. Их стали изготовлять на основе растительного масла и клеящего вещества — гуммиарабика. Эта техника распространилась по всей Европе и сохранилась в качестве ведущей вплоть до ХIХ в.

На рубеже ХV — ХVI вв. в Нидерландах творил Иероним Босх, один из наиболее загадочных и необычных мастеров живописи. Некоторым он кажется еретиком, прямым предшественником эпохи Реформации, другим, напротив, — религиозным ортодоксом, третьим — мрачным мизантропом, четвертым — человеком с веселым, ироничным складом ума, а пятым — безумцем с болезненным воображением. Его картины пользовались признанием современников. Босха копировали, ему подражали, он получал заказы от царствующих особ. Босха по праву считают основоположником жанровой живописи, черпающей свои сюжеты из окружающей действительности. Но он неуклонно следует средневековой традиции, для выявления внутреннего смысла происходящего прибегая к иносказаниям. Поэтому сочетания предметов, кажущиеся теперь нелепыми или случайными, имели для его современников вполне конкретное значение. Многие образы художника — плоды его воображения способны напугать зрителя своей необычностью и противоестественностью. Но если вглядеться в этот сонм птицезверей, уродцев, живых механизмов, то можно узнать в них персонажей городских карнавалов, народных сказаний и легенд. У его «вульгаризмов» очевидна связь с народной традицией. Например, картина «Операция глупости» изображает врача, который из головы больного извлекает «камень глупости». Именно этот камень считался в народе причиной недалекого ума. В картине на первый взгляд все реально: и фигуры людей, и лирический городской пейзаж на заднем плане. Но, вглядевшись, можно обнаружить, что из раны на голове больного не льется кровь, а вырастает тюльпан, а на голове у женщины — закрытая книга. Таким образом, сюжет сводится к тому, что обманщики-врачи дурачат людей, извлекая прибыль из их глупости.