Общее и отличие современных форм НХК: художественной самодеятельности, любительского творчества. Мстерская миниатюрная живопись

Цветовая гамма Мстерской школы - голубовато-серебристая, охристо-желтая и красная. В изделиях сочетаются растительные и геометрические узоры.

В тематике преобладают русские народные сказки, бытовые сюжеты, исторические и архитектурные памятники. Действие в мстерских миниатюрах происходит на фоне сказочного гористого или среднерусского ландшафта, местного пейзажа. При росписи шкатулок используются темперные краски.

Герои мстёрских миниатюр живут и действуют в свето-воздушной, пленэрной среде. Тематика миниатюр самая различная. Тут и сказки, и песни, и исторические события, жанровые мотивы, лирические сценки, героические батальные композиции.

Чем же уникальна мстерская миниатюра? Восприняв художественные традиции древнерусской живописи и народного творчества, она отличается прежде всего местом действия персонажей. Это чаще всего тщательно разработанный пейзаж или ансамбль "русских палат". Композиция миниатюр условна и чрезвычайно напоминает старинные русские гравюры. В мстерском орнаменте используются традиционные древнерусские узоры.

Роспись шкатулки, ларца  или бытовых предметов начинается с подробной проработки линейного  рисунка, который предварительно выполняется  карандашом на бумаге. Затем рисунок  тщательно переводится с кальки на загрунтованную поверхность шкатулки.

После этого мастера приступают к раскрытию рисунка цветом. Проводится раскладка цвета в пределах заданной формы рисунка, моделировка деталей  рисунка. Наконец, делается разделка твореным золотом или серебром.

Прежде чем приступить к живописи, мастера разводят желтковую  эмульсию и ею растворяют, "творят" краски. Делается это так: разбив яйцо пополам и вылив из него белок, художник ловко выплескивает на ладонь желток, стараясь не повредить его  пленки. Осторожно перекатывая на ладонях шарик желтка и обтирая ладони тряпкой, художник полностью удаляет с него белковую слизь, вредную для живописи. Затем желток разводится водой в специальной фарфоровой чашечке (воды - не более половины объема скорлупы), и уже на этом составе творятся красочные порошки. Раньше в краску для ее разжижения и сохранения в течение 5-6 дней добавляли кваса. Сейчас для этой цели добавляют несколько капель уксуса.

Красота и гармония живописи зависит от качества красочных порошков. При изготовлении дорогих изделий  на заказ и сегодня, как и в  прошлом, применяют пламенеющую  киноварь, великолепные по чистоте  голубые краски из лазурита - ляпис-лазурь, краски нежнейших фисташковых и зеленых тонов - медные яри, натуральные сиены, сиены жженые, умбры, охры желтые и красные, голландскую сажу и т.д. В живописи икон и по сей день применяют полыхающее жаром червонное и сусальное золото.

После того как роспись  завершена, поверхность изделия  покрывают шестью слоями светлого лака, после чего изделие шлифуется  и полируется.

 

3. Лаковая мстерская живопись

Если бы лаковая живопись Мстёры могла звучать, мы, наверное, услышали бы переливы старинных гуслей или народную песню:

Добрый молодец по улице  похаживает,  В звонкие он гуселички поигрывает,   Ко душе красной девице в терем голос подает:«Ты когда, красна девица,  побываешь у меня?» [см. Приложение 3]

Вы, наверное, часто видели старинные иконы в музеях. Когда-то они сияли яркими, чистыми красками. А теперь некоторые из них потемнели  от времени. Одна из причин заключается  в том, что в старину иконописцы покрывали икону для защиты от влаги и повреждений олифой, веществом  на основе растительного масла. Со временем олифа темнеет. Живопись иконы становится тусклой, словно закрытой темной завесой. Реставраторы пытаются вернуть краскам былую чистоту.

Иконы мстерских мастеров, нарядные, тонкого письма, считались одними из лучших в России и очень высоко ценились. Работы мастеров этой школы славились особым изяществом, нарядностью и колоритом.

В начале XX столетия, когда  в нашей стране повсеместно закрывались  монастыри и церкви, иконописное  дело почти прекратилось.  
       И тогда бывшие иконописцы из Мстёры стали расписывать всевозможные деревянные изделия, дешевые коврики из клеенки и холстины.

Но искусство древнерусской  живописи не пропало бесследно. Оно  возродилось, как и в Палехе, в  росписи лаковых коробочек, шкатулочек из папье-маше. Но в отличие от палешан, художники Мстёры почти не используют черный фон. Изображение миниатюры  развертывается на фоне нежных, красочных  пейзажей, Мстёрская живопись, как говорят в народе, «просветленная».

...Глубокое синее небо, клубятся облака, сияет солнце, текут  полноводные реки, зеленеют деревья,  высятся горы. И герои миниатюр  — люди, животные, птицы — часть  этого живописного пейзажа. Он  немного условный, как в иконописи,  и это рождает ощущение сказочности,  необычности... [см. Приложение 4]

Художники тонкими кисточками вырисовывают мельчайшие детали картины, будь это цветок, листья, узоры на одежде или золотой орнамент. Красочные  живописные миниатюры украшают все  стороны шкатулки или ларца.

В работах художников из Мстёры сказка уживается с реальностью и нет преград фантазии художника. Сказочная, чудесная Мстера! 

4. Изученные статьи журналов «Клуб» и «Народное творчество»

 

Аннотация на статью «Мне нравится рисовать солнце»

 

В повседневной суете мегаполиса сложно всегда оставаться в хорошем настроении. Причиной того является и пасмурная погода, и грубость и непонимание окружающих людей, и нежелание идти на работу. Но порой достаточно одного лучика солнца, выглянувшего из-за туч, чтобы настроение улучшилось и вдохновило нас на новые свершения. Такое солнечное и вдохновляющее настроение дарит нам замечательный московский художник Дмитрий Самодранов, именно о нем и об его творчестве идет речь в статье под названием «Мне нравится рисовать солнце». В 2010 году в выставочном зале «Богородское» прошла его выставка «Русская реалистическая живопись».

Одна из посетительниц  выставки охарактеризовала картины  ходожника так: «Изумительные солнечные пейзажи». Смотря на эти картины невольно вспоминаются очень приятные счастливые моменты из жизни – именно так воспринимают посетители картины Дмитрия Вячеславовича. Поэтому его картины так актуальны. В них заложены то тепло, та нежность и романтичность, которой так не хватает жителям большого города.

Удивительно, как автору картин удается писать такие теплые и солнечные полотна, живя в таком «бешеном» городе как Москва? Но у Дмитрия Вячеславовича есть свое секрет – он черпает вдохновение, приезжая на свою родину в Брянск.

Считается, что работы художника  могут рассказать многое об их авторе. Это в полной мере относится и  к Дмитрию Самодранову. Он открытый и солнечный человек. На вопрос, почему во всех его работах присутствует солнце, художник отвечает просто: «Мне нравится рисовать солнце, потому что я оптимист».

Хотелось бы поподробнее рассказать о Дмитрие Вячеславовиче Самодранове. Отец Дмитрия – художник оформитель, дядя – заслуженный художник СССР Валерий Крюковский. Именно они вовремя заметили талант мальчика и развивали его. Дмитрий занимался в художественной студии, а после восьмого класса поступил в Брянское художественное училище. «Мне нравилось рисовать все, - вспоминает Дмитрий Вячеславович, - и натюрморты, и портреты, и пейзажи ». После службы в армии Самодранов поступил на художественно – графический факультет Московского государственного педагогического университета.  К этому моменту он уже сложился как художник, и ему хотелось передать свой опыт ученикам.

Сейчас Дмитрий Вячеславович преподает в Московской открытой социальной академии и Московской финансово-юридической  академии. А все свое свободное  время он уделяет творчеству.

На картинах художника  изображены пейзажи Италии, Франции, но предпочтение он отдает пейзажам России. На произведения Дмитрия Вячеславовича  хочется смотреть бесконечно, такие  они солнечные и теплые, помогающие расслабиться и задуматься о вечных ценностях. Поэтому его творчество так актуально в наше трудное  и суетное время.   

Аннотация на статью «Живёт в народе красота»

 

Раз в два года в Белглродской области проходит особое событие – областная выставка изобразительного и декарптивно-прикладного искусства «Живет в народе красота». Именно этой теме посвещена анализируемая статья. В апреле 2010 года она была посвящена 65-летию Победы и Великой отечественной войне.

Были представлены работы различных видов декаративно – прикладного искусства: аппликация, резьба и роспись по дереву и стеклу, ткачество, разнообразная вышивка, лозоплетение, керамика, бисероплетение, лоскутная техника, кружево-плетение, батик, макраме, плетение из соломки и многое другое.

Работы проходили предварительный  отбор. В результате 172 автора представили  свои работы на этой традиционной выставке.

Актуальность такого вида выставок заключается в демонстрации развития народной культуры, глубинной  связи поколений посредством  творческого самовыражения. Немаловажной и остается тема, которой посвящена  выставка – вечная память и почет  вынесшим на своих плечах все тяготы фашистской интервенции.

Все работы, представленные на выставке, были достойны того, чтобы их увидел народ. Например, народный мастер О.Н. Квашнина, известная своей росписью по металлу, приятно удивила своей тонкой живописной работой «На Тихой Сосне», Р.Я. Шарафутдинов также представил свои новые работы, одна из которых «Восточная ваза» (резьба по дереву), - отличающаяся оригинальным орнаментом и высочайшим искусством исполнения. Ю.А. Сергиева предложила вниманию публики свой очередной шедевр «Счастье», выполненный в технике лоскутная живопись.

Что касается работ, посвященных  Великой Отечественной войне, то были представлены такие работы как: «Бой за Гостищево», «Неожиданный трофей»  И.А. Грищенко, панно «Звонница» С.А. Борзых, «Салют победы» О.В. Помрих и другие. Все работы проникнуты любовью к Родине и уважением к отцам и дедам, защищавших страну от фашистов.

Заслуживают внимания работы театра моды «Дария» Валуйского дома ремесел и студии «Отражение», представленная костюмами «Русалка», «Ярило» и «Древо жизни».

Выставка «Живет в народе красота» заявила о своей жизнеспособности и востребованности как со стороны мастеров, так и просто ценителей народного искусства.

Данного вида выставки необходимо проводить чаще, ведь именно они  помогают прослеживать связь поколений, а самое главное развивать  в будущих поколениях любовь к  Родине, чтобы то прекрасное, что  создали наши предки, жило вечно.

 

 

 

 

Аннотация на статью «Расписная сказка Архангельского края»

 

В статье «Расписная сказка Архангельского края» рассказывается о девяти разных школах северной росписи  – пермогорской, борецкой, пучужской, тоемской, ракульской, важской, онежской, уфтюжской и мезенской.  Ознакомимся с более популярными из них.

Пермогорская школа появилась сразу в трех деревнях Красноборского района. Название росписи пошло названия пристани Пермогорье на Северной Двине. В гамме красок этого вида преобладают белые и терракотовые цвета, дополненные желтым и зеленым. Основным сюжетом этой росписи является птица Сирин, также писались картинки празничного катания. Весьма часто встречались и другие сцены крестианской жизни (чаепитие, посиделки девушек). Свободное пространство заполнялось витками пермогорского узора – трехлопастными, чуть изогнутыми листьями с заостренными концами, нанизанными на гибкие побеги.

Далее в статье описывается  борецкая роспись. Борецкая роспись, как утверждают искусствоведы, имела иконописное происхождение (роспись делится на квадраты и прямоугольники, подобно иконостасу в церкви). Эта роспись отличается многоцветностью и яркостью красок, играющих на белоснежном фоне. Очень часто для декора использовалось сусальное золото. Что касается сюжетов этой росписи, то в ней часто встречается катание на санях, райский сад с древом жизни.

Немного позднее возникают  еще 2 школы северной росписи : пучужская и школа тоемской росписи по дереву.  Эти росписи мало чем отличаются от борецкой.

Еще один вид северной росписи  – мезенская. Она была открыта лишь в середине прошлого века, и история ее происхождения остается неизвестной. Мезенские прялки очень похожи на рисунки первобытных народов. Мезенская прялка читалась как книга, в элементах росписи были зашифрованы знаки земли, рек, солнца и воздуха, присутствовали изображения бегущих коней и оленей и человека. Цветовая гамма ограничивалась сочетанием терракотого – красного и черного цветов. Основное отличие этой росписи от других – ритмичное повторение лаконичного геометрического орнамента.

В конце прошлого века наблюдалось  постепенное угасание многих народных промыслов, казалось что вот –  вот оборвется связь преемственности поколений, но к счастью этого не произошло.

Большинство теперешних мастеров предпочитают делать сувенирную продукцию, и при этом бездумно нарушая традиционные каноны стиля. При этом нарушается ключевая заповедь любого подлинного промысла – изделия умельцев, предшествующих поколений всегда были функциональны  и применимы к быту. Когда мастера  об этом забывают, утрачивается и весь смысл народного творчества.