Шпаргалка по "Истории культуры и искусств"

Феофан Грек – знаменитый византийский художник-эмигрантСохранившиеся фрески церкви Спаса-Преображения свидетельствуют  о свободном обращении Феофана с церковными традициями.

Руке Феофана, несомненно, принадлежат  изображения Христа в куполе, Ноя, Мелхиседека и Авеля в барабане и часть фресок в северозападном приделе церкви, среди которых особенно выделяется изображениие старца Макария Египетского. Для художественной манеры Феофана характерны смелые и свободные композиции и живописные искания, отточенность обобщенных форм, четкий и острый рисунок, монументальная широта письма.

Иконопись XVII в.

 Наиболее крупным явлением  в живописи конца XVI – начала XVII в. были произведения так называемых «строгановых» мастеров, лучших московских художников, выполнявших заказы богатых зе-млевладельцев, промышленников и купцов Строгановых.

Новой чертой этих икон является трактовка  человеческой фигуры, которой художники придают утонченную красоту; удлиненные пропорции, небольшие головы, тонкие руки и ноги, едва касающиеся земли. Изнеженные и хрупкие фигуры, изящные манерные движения, жесты и позы, танцующая походка отличают иконы этого периода от икон и фре-сок более ранних периодов, фигуры святых облечены в богато украшенные одежды, расписанные золотом, и напоминают представителей высших классов того времени, придававших огромное значение богатству одежд и украшениям.

Из ранних произведений этого круга можно отметить икону «Государственного Русского музея «Чудо Федора Тирона» конца XVI в., на котором сохранилось имя художника – Никифора.

Наиболее крупным московским художником конца XVI – начала XVII в. был Прокопий Чирин, самой ранней, известной работой которого, выполненной для Никиты Григорьевича Строганого, была икона Никиты – воина, написанная в 1593 г

.Во второй четверти XVII в. начинаются работы по приведению в порядок кремлевских соборов, сильно пострадавших за годы интервенции. В 1642-1644 гг. был расписан вновь Успенский собор, фрески которого близки к более архаичным росписям конца XVI в.

Творчество С.Ушакова. Крупнейшим мастером живописи ХVII века является Пимен, Федоров сын, по прозванию Симон Ушаков (1626-1686 гг.). Симон Ушаков уроженец Москвы, в1648 году был принят жалован-ным иконописцем в Оружейную палату, которая в XVII веке была крупнейшим художественным центром в Московском государстве.Она представляла мастерские, расположенные в Кремле, недалеко от цар-ского дворца, и обслуживающие потребности царской семьи, церкви, монастырей, представителей боярства, купечества и т. п. В них изго-товлялось драгоценное оружие, произведения иконописи и стенописи, портреты, знамена, хоругви, карты и планы, резная мебель, расписные яйца к пасхе, церковная утварь, оклады на иконы, посуда и игрушки.

Из ранних икон Симона Ушакова наиболее известна икона  «Великий архиерей» (голова Христа в  архиерейской митре) 1657 год из Грузинской церкви.

С. Ушаков неоднократно вводил портретные изображения в свои иконы.

С. Ушаков работал не только в областях стенописи, иконописи  и портретной живописи (масло, холст). Он известен также как гравер и  рисовальщик, с рисунков которого делали гравюры другие мастера второй половины XVII в. Из гравюр, выполненных на медных досках, особенный интерес представляет гравюра «Семь смертных грехов», в кот-рой Ушаков обнаруживает редкое для того времени знание форм человеческого тела.

Симон Ушаков был художником – новатором. Его искусство проложило путь для развития нового реалистического искусства. Наибольший интерес представляли портретные работы Ушакова, не сохранившиеся до наших дней, так же, как и многие другие парсуны второй половины XVII в.

 

 

 

 

14.ИСКУССТВО ИТАЛЬЯНСКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ

Проторенессанс

Для искусства Проторенессанса  характерно появление тенденций  к чувственному, наглядному отражению  реальности, светскость (в отличие  от искусства Средневековья), появление  интереса к античному наследию (свойственного  искусству эпохи Возрождения).

Социальными предпосылками в 1200-е (дученто) явились развитие ремесел и торговли, экономические реформы в свободных итальянских городах (особенно в Тоскани).

Появление признаков  Проторенессанса некоторые исследователи  усматривают в архитектуре 11-13 вв. Тоскании, где использовалась полихромная облицовка мрамором в сочетании с тонкими членениями стен и античные архитектурные детали, что позволило облегчить тяжеловесность архитектуры свойственную романскому стилю.

Для архитектуры Проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие. Представитель: Арнольфо ди Камбио.

Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства. Представитель: Никколо Пизано.

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм. Представители: Пьетро Каваллини (Рим); Джотто (Флоренция).

Традиции искусства  Проторенессанса были восприняты такими художниками Возрождения, как Брунеллески, Донателло, Мазаччо.

Раннее  Возрождение

В начале XV века Филиппо Брунеллески (1377—1446), флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины.

Другим важным шагом  стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.

Наиболее известные  художники этого периода —  Мазаччо (1401—1428), Мазолино (1383—1440), Беноццо  Гоццоли (1420—1497), Пьеро Делла Франческо (1420—1492), Андреа Мантенья (1431—1506), Джованни Беллини (1430—1516), Антонелло да Мессина (1430—1479), Доменико Гирландайо (1449—1494), Сандро Боттичелли (1447—1515).

Большое распространение  получила скульптура. В творчестве скульпторов получили развитие многие формы: статуя, рельеф, бюст и т. д. Ими  были достигнуты новые высоты в изображении пластики человеческого тела: эмоций, движений тела, сложных сцен в многоплановых, перспективных рельефах. Наиболее известными скульпторами этого периода являются Донателло (1386—1466) и Лоренцо Гиберти (1381—1455).

Высокое Возрождение

Наивысший расцвет искусства  Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонаротти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства.

Подходя к живописи с  точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти.

Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

Творчество Джорджоне  и Тициана отличает интерес к  пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей.

Позднее Возрождение

В архитектуре проводился эксперимент с формами, разработкой  и комбинированием античных образов, появляется усложнение деталей, изгиб, преломление и прерыв архитектурных линий, затейливая орнаментация, большая плотность колонн, полуколонн и пилястров в пространстве. Подчеркивается более свободное соотношение пространства и материи. Впоследствии из этой тенденции развился стиль барокко, а затем, в XVIII столетии, стиль рококо. Вплоть до XX века понятие «маньеризм» имело негативную коннотацию («манерный», «вычурный»), но к настоящему времени термин используется только для описания соответствующего исторического периода, и, в общем, нейтрален.

Основоположником направления  маньеризма в архитектуре можно  назвать Микеланджело (1475—1564), в  чьём творчестве проявляется тенденция  свободной интерпретации принципов  и форм античного искусства. Микеланджело создал усыпальницу Медичи при церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, купол Собора святого Петра, проект застройки Капитолийского холма в Риме. Ему приписывают создание «гигантского ордера» — пилястра, который тянется от основания к антаблементу фасада.

Другим примером этого стиля в архитектуре является Палаццо Те Джулио Романо в Мантуе, с его огромными лоджиями, рустированными стенами, парковыми гротами и обширными фресками.

Лоренцо Бернини создал полукруглые колоннады собора Святого  Петра, сень над его главным престолом, дворцы Барберини и Браччьяно.

Маньеризм

Маньеризм появился в  Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и  Рим, а затем получил распространение  во Франции и других европейских  странах. Стиль был отчасти порожден кризисными явлениями в общественно-политической сфере, характерными для позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью; иногда начальную фазу маньеризма связывают с разграблением Рима в 1527 году. Самое же главное, маньеризм в броской форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к Новому времени.

К живописцам маньеризма относят Франческо Пармиджанино, Якопо Понтормо, Джорджо Вазари, Джулио Романо, Джузеппе Арчимбольдо, Бронзино, Россо Фьорентино, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми, Алессандро Аллори, Артемизию и Орацио Джентилески и т. д. Отчасти этот стиль прослеживается также у Рафаэля и Микеланджело, у художников венецианской школы — Тинторетто и Тициана.

 

 

 

 

 

15. ИСКУССТВО СЕВЕРНОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ

Северное Возрождение  — термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающе —  во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение  тесно связано с итальянским  Возрождением, но имеется ряд характерных отличий.

Отличия от итальянского Возрождения

Духовное пробуждение  Европы, которое началось в к. XII века, было следствием подъема средневековой  городской культуры и выразилось в новых формах деятельности —  интеллектуальной и культурной. В частности — расцвет схоластической науки, пробуждение интереса к античности, проявление самосознания личности в религиозной и светской сфере, в искусстве — готический стиль.

Основные отличия: большее  влияние готического искусства, меньшее внимание к изучению анатомии и античного наследия, тщательная и детализированная техника письма, появление бытового жанра,натюрморта,портрета. Кроме того, важной идеологической составляющей явилась Реформация.

Представители: Наиболее выдающиеся образцы искусства Северного Возрождения — нидерландская живопись (братья ван Эйк, Р.Кампен, Г. ван дер Гус, Р. ван дер Вейден, Х.Мемлинг, проч.). Образцы более позднего периода — творчество Босха и Брейгеля.

В Германии — Альбрехт Дюрер, М. Грюневальд, Лукас Кранах Ст, А. Альтдорфер, Гольбейн, Губер и т. д. (См. также Дунайская школа живописи)

Во Франции — Ж.Фуке, оба Клуэ, Ж.Гужон.

Дунайская школа  живописи - направление в живописи и графике Южной Германии и Австрии первой половины XVI века.

 

16. ИСКУССТВО НОВОГО ВРЕМЕНИ. БАРОККО И КЛАССИЦИЗМ

Барокко

Искусство барокко развивалось  в феодально-абсолютистских государствах, находящихся под сильным воздействием католицизма (Италия, Испания, Фландрия). Изобразительное искусство барокко  не может быть понято вне его связи  с архитектурой. Архитектура, соединяющая в себе утилитарные и художественные факторы в большей мере, чем другие виды искусства, сопряжена с материальным прогрессом и находится в большей зависимости от господствующей идеологии (храмовое зодчество и градостроительство осуществляется на деньги церкви и богатых людей, но в то же время она обслуживает общество в целом). В барочных культовых постройках все богатейшие возможности синтеза архитектуры, скульптуры, декоративного искусства и живописи призваны поразить воображение зрителя, проникнутые религиозным чувством. В той же Италии воздвигаются светские сооружения, представляющие важный этап в развитии мировой архитектуры. Разрабатываются приемы городской планировки, целостного городского ансамбля, строятся дворцово-парковые комплексы, в которых открываются новые принципы связи архитектуры с природным окружением.

Для барокко характерны большая эмоциональная приподнятость  и патетический характер образов, что  достигается за счет масштабности построек, преувеличенной монументализации форм, динамики пространственного построения, повышенной пластической выразительности объемов. Отсюда криволинейность планов, изгибы стен, на которых как бы вырастают карнизы, фронтоны, пилястры; изобилуют малые формы архитектурного декора: окна украшаются разнообразными наличниками, ниши — статуями. Общее впечатление бурного движения и богатства дополняется скульптурой, росписями, лепниной, отделкой цветными мраморами и бронзой. К этому следует добавить живописные контрасты светотени, перспективные и иллюзионистические эффекты.