Шпаргалка по "История дизайна"

Задачи: Оказание помощи промышленности в выпуске продукции высокого качества. Повышение конкурентоспособности Британских товаров.Завоевание внешних рынков.

С 1949г. Стал выходить журнал «Дизайн» - один из первых профессиональных журналов.

При совете были созданы библиотека и фонотека (которые работали на коммерческой основе); дизайн-центр (занимался  организацией выставочной деятельности); дизайн-индекс (был создан для регистрации  лучших образцов дизайна).

При отборе изделий для  картотеки лучших образов руководствовались  следующими критериями:

-функциональностью

-простотой технологии

-экономичностью

-удобством использования  и обслуживания

-качеством материалов

-эстетическими характеристиками (внешний вид)

В 1946г. По инициативе совета проводилась выставка «Британия это может» под лозунгом «Хороший дизайн – хороший бизнес».

Совет по дизайну в 1947-58гг. возглавлял Гордон Рассел (дизайнер-текстильщик).

В дизайн-центре стали производиться тематические выставки по отраслям промышленности. Организовывались и зарубежные выставки.

Дизайн во Франции.

Характеризуется более слабым уровнем развития по сравнению с  Английским, итальянским и скандинавским  дизайном. Это объяснялось тем, что:

Экономика Франции меньше зависела от экспорта изделий.

Не было переизбытка товаров  и не было конкурентной борьбы.

Государство практически  не занималось проблемами художественного  конструирования.

развитие производства в  послевоенный период привело дизайнеров-промышленников к осознанию роли дизайна.

Развитие послевоенного  дизайна связано с деятельностью  Жака Вьено, который в 1951г. Стал одним из инициаторов создания института дизайна (общественная организация) и его первым президентом.

Задачи:

- поощрение лучших образцов;

- организация выставок;

- издание иллюстративных  материалов;

- выпуск спец.журнала «Дизайн индустрии»

Промышленники все чаще привлекают дизайнеров к выпуску и разработке промышленных изделий; ряд крупных  фирм и корпораций создали отделы дизайна (Рено, Пежо, ситроен).

 

 

 

12Особенности развития формообразования в  странах Западной Европы и США                            (60-70-ых гг. XX в.): поп-арт, оп-арт, радикальный дизайн.

В 60годы происходят коренные изменения во всех сферах общественной жизни ( развитие массовой культуры, массового производства, складывания молодежной субкультуры (хиппи, панки и тд). На смену функционализма и рационализма приходит их критика. Художники, дизайнеры стремились к самовыражению, независимости, много экспериментировали. В Европе и США появляются первые радикальные течения, направленные против функционализма (антидизайн). Появление первой теории, где в центре находятся культурный, психологические, семиатические аспекты, появляются новые течения в искусстве.

Альтернативный  дизайн. Поп-артЭто направление характеризуется яркой и контрастной цветовой гаммой. Стиль появился в искусстве в 60-х годах и быстро проявился во всех оформительских искусствах, включая дизайн интерьеров. Интерьер в стиле поп-арт – это радужно-яркие сочетания цветов и использование уже давно существующих объектов, материалов и форм в новом качестве. это сокращение от popular art (англ.), то есть популярное, общедоступное искусство; вторая – от pop, то есть отрывистый звук, лёгкий удар, хлопок . Инициативы прибывали во многом из молодежных субкультур – сначала в Англии, затем в Италии и Германии образовывались радикальные течения против функционализма. Поп-арт обращается к массовой, преимущественно молодежной публике, ему присущи эфемерность и быстротечность, виртуозное мастерство и превращения. Сторонники поп-арта стремились создать антиискусство, выведя на сцену цивилизацию потребления, возвышая ее самые обыденные, ординарные предметы, которых фабрикуются миллионы. они вдохновлялись комиксами, представляли в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, газетные или журнальные иллюстрации, кинокадры, фотографии.

Представители: Рошенберг, Джонс.

К 60-м годам идея производства добротных и долговечных товаров  уходит на второй план, уступая место  лозунгу «Сегодня использовал –  завтра выбросил». Это был настоящий  прорыв в философии промышленного  производства и дизайна. Таким образом, начали появляться представители направления  «культуры недолговечности»: Яркие  радужные цвета и необычные, смелые формы стиля «поп» вытеснили  последние остатки послевоенного  аскетизма и дали новый стимул шагающему по миру оптимизму, товары были дешевыми. Эстетика недолговечности  этих товаров была частью их стоимости,. Поп-арт оказал влияние на визуальную культуру, на развитие дизайнерских средств и приемов формообразования. Эстетическими принципами поп-арта становятся принципы рекламы: наглядность, броскость, доходчивость, соединение иллюзорного и реального. К тому же это очень недорогой способ изменить себя и свой интерьер. Поп-арт – это стиль молодых.

Оп арт (optical art - оптическое искусство) - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Восходит к так называемому геометрическому абстракционизму представителем которого был В. Вазарели.

Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских  и пространственных фигур. Восприятие рисунка основано на оптической иллюзии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и  в глазах, и в голове зрителя.

Оптические иллюзии помогают обнаружить некоторые закономерности зрительного восприятия, поэтому  им уделяли пристальное внимание псиxoлоги. Сконструированные ими визуальные тесты имели экспериментальный характер. При восприятии реальных объектов иллюзии возникают редко. Задача оп арта - обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ "несуществующий". Кроме того, многие произведения этого направления вследствие элементарности формы и дешевизны материалов (бумага, различные виды пластмасс) легко воспроизводимы в промышленности.  На этих основаниях художники гордились демократизмом своего искусства.  В этом оп арт смыкается с массовым искусством. использовались в оформлении дискотек, коммерческих выставок, светозвуковых шоу и других массовых мероприятий.

 Оп арт постепенно  приобретает интернациональный  характер в разных странах  образуются целые группы художников: в Италии (Альвиани Де Векки, Коломбо Мари), Испании (Дуарте Ибаррола), Германии (Хаккер Мак Гравениц) Швейцарии (Тальман Герстнер), России (Вячеслав Колейчук). 

В США кризис абстракции порождает  минимализм которые были вызваны теми же самыми эстетическими потребностями. Возможности оп арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве.

Радикальный дизайн (антидизайн)  Эти движения возникли в Италии в начале 1960-х годов как своеобразный протест против «дизайна потребления». В рамках «радикального дизайна» активно действовали группы Archizoom и Superstudio, организованные во Флоренции в 1966 году и выступавшие против элегантного дизайна и модернизма.  Участники «антидизайна» проповедовали теорию «бегства» из мира рационализма и развивающихся технологий. Они искали абсолютно новые творческие формы и изобрели «дизайн без предметов» – дизайн поведения, в котором проектирование заменялось игрой. Одним из знаковых произведений этого направления является кресло Sacco, Оно представляет собой кожаный мешок, не туго наполненный полистироловыми гранулами, и, несмотря на его «радикальность» и «антидизайн», на нем очень удобно сидеть. Со временем лидирующие позиции занял «радикальный дизайн», одним из основателей которого был знаменитый Этторе Соттсасс (Ettore Sottsass). отличались провокационностью или ироничностью. «Радикальный дизайн» выступал за развитие непромышленных способов производства, а также провозглашал право изменять и формировать среду обитания.

13 Особенности  становления и развития дизайна  в Советской России.

17г-революция

20г- появление ВХУТЕМАСа

Hаиболее сильной стороной отечественного дизайна была и остается эстетика, что объясняется двумя принципиальными моментами: особенностями появления дизайна в России и спецификой развития государства в XX веке. В отличие от зарубежного дизайна, который возник из потребности промышленности каким-либо образом стимулировать сбыт товаров, русский дизайн вышел из беспредметного искусства в основном через творчество производственников и конструктивистов (Родченко, Татлин, Степанов). Художники и теоретики этих направлений дали толчок к его возникновению. Они искали универсальные элементы художественной формы, протестуя против традиционного реалистического изображения объектов действительности. Таким образом, художники пришли к противопоставлению конструкции как воплощения истинной сущности предметов. Именно стремление сделать "конструктивную структуру" основой формообразования объединило в общем движении художников некогда различных направлений. Hа первом этапе развития (1917-1922) дизайн формировался на стыке производства и агитационно-массового искусства. Основным объектом стало художественное оформление новых форм общественной активности масс: политических шествий и уличных празднеств. Оригинальная конфигурация и устройство трибун, агитационных и театральных установок, киосков . Hаиболее интенсивно развивается графический дизайн, что проявляется в принципиально новом подходе к созданию плаката, рекламы, книжной продукции. Конструктивизм переориентировал Преобладание в социальном заказе на дизайн элементов агитационно-массового искусства предопределило активное участие в движении "от изображения к конструкции" прежде всего художников и их профессиональных организаций. Однако признание новой концепции формообразования пришло лишь в 1921 году, когда произошли определенные изменения в экономической ситуации. Так совпало, что именно этот год характеризуется наиболее активными и плодотворными пространственными экспериментами конструктивистов. Прежде всего необходимо отметить деятельность первых "красных художников" (выпускников ппервых ГСХМ - Государственных свободных художественных мастерских), организовавших Общество молодых художников ков (Обмоху, 1919-1923).

Второй этап развития дизайна в России (1923-1932) можно считать временем становления его профессиональной модели. Дизайн переориентируется на решение практических задач: разработку бытового оборудования для жилищ, обстановки рабочих клубов, общественных интерьеров... В этот период формируются оригинальные творческие концепции дизайна, определившие его дальнейшее развитие. Более подробно о них можно узнать из работ самих авторов - А. Родченко, Л. Лисицкого, В. Татлина. Задача создания новой среды жизнедеятельности придала особый импульс развитию конструктивизма. Производственные факультеты ВХУТЕМАСа охватывает эйфория изобретательства. Безусловно, тон задавали их лидеры - А. Родченко и Л. Лисицкий, которые наиболее ярко проявили себя именно в графическом дизайне. Комплексный подход к созданию объектов нашел отражение и в программе В.Татлина, преподававшего культуру материала. Он уделял основное внимание роли взаимосвязей и взаимоотношений: человек и вещь, функция и материал, различные материалы в процессе создания "систематической, жизненно необходимой вещи"

Третий этап (1933-1960) был достаточно печальным для развития дизайна в России: он перестает быть интегрирующей творческой деятельностью, развитие которой определялось универсальной концепцией (вне зависимости от специфики объекта). Принцип стандартизации применялся не только к человеку, но и к создаваемой искусственной среде. Стихия изобретательства, которая позволила отечественному дизайну достичь высот мирового признания, явно не вписывалась в изменившуюся атмосферу. Дизайн как единый процесс формообразования окружающей среды перестал существовать. Однако потенциал, накопленный авангардом, еще какое-то время сказывался в проектных работах. В первую очередь в продукции графического дизайна: политических и киноплакатах, книгах, рекламе. Четвертый этап развития дизайна определяется по-разному: 60-80-е или 60-90-е годы. Его начало характеризуется безусловным интересом к наследию 20-х годов. Созданный в 1961 году Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики (ВHИИТЭ) начинает свою деятельность с издания журнала "Техническая эстетика" и выпуска тематических сборников.Это время возрождения художественного конструирования. Пожалуй, можно сказать, что именно в то время дизайн получил самый массовый заказ за весь период своего существования в нашей стране. Во многом этот процесс происходит под влиянием западноевропейской школы графического дизайна. Однако подобное "оживление" продолжалось сравнительно недолго. 70-е годы практически прервали заказ производства и бытовой сферы на профессиональный дизайн. Это было время критической реакции на авангард первой (1910-1920 годы) и второй волны (1950-1960 годы). ВHИИТЭ сумел сохранить теоретическую школу, продолжая изучать опыт европейского дизайна и предлагая свои концепции. Появились чисто рекламные издания и многочисленные рекламные агентства. Соответствующие отделы были созданы практически во всех средствах массовой информации и крупных фирмах. В связи с этим в значительной степени повысился интерес к дизайну вообще и к графическому дизайну в частности

 

 

 

14. Особенности  развития дизайна в постиндустриальном  обществе.

Постиндустриальное общество краткая характеристика: термин «постиндустриальное  общество» появляется в США в 50е гг в 20 в. Его активно использует американский социолог Белл. С конца 60х гг начинает формироваться и развиваться теория постиндустриального общества, отличительными чертами которого были:

Возросший объем знания и  информации.

Массовое распространение  интеллектуального труда.

Развитие средств коммуникации

Преобладание в сфере  экономики образования, науки, услуг  над промышленностью и сельским хозяйством.

Становление постиндустриального  общества Белл связывает с развертывающейся революцией в организации и обработке  информации знаний, где определяющую роль играет компьютер, являющийся одновременно и символом и материальным носителем  технологической революции.

Постмодерн.

Вкус становится настолько многогранен, что нельзя выявить явные различия между слоями.  Подобный плюрализм стал основой для возникновения «нового движения» получившего название ПОСТМОДЕРН. Он разрушил догму «форма – следует за функцией» и перестал делить дизайн на хороший и плохой. Корни постмодерна берут начало в традициях

В более широком смысле это понятие (постмодернизм) стало  использоваться после выхода книги  Дженкса «Язык архитектуры постмодерна» в 1980г. Где он утверждает, что функционализм устарел.

Черты стиля:

Отказ от промышленного  производства

Слияние разных стилей (эклектика)

Декорирование поверхностей.

В графическом дизайне  использование многослойных изображений, коллажей и фотомонтажа.

Отрицание логики простоты и  порядка, свойственных модерну.

Ориентация на потребителя

Использование в работах  символов с целью привлечения  внимания потребителя на психологическом  уровне.

В промышленном дизайне постмодернизм  распространялся в изделиях и  вещах бытового назначения: мебель, чайники, светильники, столовые приборы. Яркие цвета, декоративные элементы, гротеск (М. Грейвс Чайник-птица).

Стиль «мемфис». Новый дизайн.

Название берет от группы Мемфис, кот. Организовал в Милане Сотсасс. Основной задачей группы стали эксперименты с новыми материалами и технологиями (ламинат, эфирные масла, пленки с орнаментом…). Из повседневности был позаимствован и декор: комиксы, фильмы, элементы панк-культуры, китч. Все это представлялось кричаще-пестро, либо в слащавых пастельны тонах, наиграно, образно и шутливо. 

Черты стиля:

Яркие цвета,Китчевость,Броские геометрические фигуры, формы

Заимствование из дизайна  прошлого и настоящего (эклектика)

Демократизация, упрощенность