Античная культура как базовый компонент современной культуры

1.2. Живопись

Общественная роль художника  в классическую эпоху была не менее  важной, чем роль скульптора. Огромные картины на мифологические темы украшали общественные здания или собирались и выставлялись в специальных пинакотеках. Наиболее древним из великих греческих художников, является Полигнот из Тасоса, работавший в середине V в. до н.э. Он преуспел в этографии (искусстве изображения человеческих настроений), в его фигурах легко угадывались сквозь одежды очертания тел. Слабое отражение его живописи можно проследить в некоторых вазах краснофигурного стиля, сюжеты которых, ведут свое происхождение от мегалографий (крупноразмерных картин). Лишь немногие волнистые линии говорят о разноплановости композиции, в действительности же фигуры выглядят, словно парящими в воздухе и изолированными друг от друга.

Отличной была живопись Паррасия, работавшего в тот же период и заслужившего высокую оценку Плиния Старшего, который превозносил его совершенство в передаче очертаний тел и хвалил за создание системы идеальных пропорций в живописи. Любая форма намекала у Паррасия на наличие других форм, обнаруживая присутствие скрытых частей. Контурные линии подчеркивали на плоскости пластичность тел. Живопись Паррасия развивалась в том же направлении, что и скульптура Фидия, с которым художник был связан. Существует целый ряд ваз (приписываемых «мастеру Ахилла» и «мастеру Пенфесилеи»), которые отражают композиционную монументальность и ритмическую суровость фидиевской скульптуры.

Зевксис, возможно луканец  по происхождению, работал до конца V в. до н.э. Квинтилиан прославляет его за умелую передачу светотеневых эффектов, Лукиан – за изобретательность и новизну тематики, Аристотель – за идеальную красоту его фигур, хотя по своей величественности они и уступают, по мнению философа, фигурам Паррасия. Следы живописи Зевксиса трудно отыскать в вазописи. Это объясняется композиционной сложностью и насыщенностью его произведений, светотеневыми эффектами, мало пригодными для перевода на графически плоскостной язык вазописи.

Наиболее прославленным  среди греческих художников был Апеллес, живший в IV в. до н.э. Он был любимцем Александра Македонского. Древние авторы превозносят его «Афродиту Анадиомену» как образец совершенной красоты и хвалят грациозность и разнообразие движений его героев, яркость колорита. Все это заставляет предполагать, что его живопись, как и современная ему скульптура Лисиппа, проложила путь живейшей и разнообразнейшей живописной культуре эпохи эллинизма.

Уже в IV в. до н.э. некоторые помещения дворцов и домов знати начинают украшаться мозаичными картинами. Речь идет о ремесленных поделках в одной и той же технике и способных производить сильный колористический эффект. Вазопись не может считаться малым искусством или кустарным отражением Живописи. Она накопила собственный технико-стилистический опыт и играла отличную от живописи общественную роль.

В экономическом производстве Древней Греции керамические изделия  имели первостепенное значение: в  Афинах целый квартал, получивший название Гончарного, состоял из мастерских и лавок гончаров. То обстоятельство, что живописцы и гончары часто подписывали свои изделия, показывает, что вазопись по своей значимости не уступала живописи и скульптуре, от которых она отличалась своим общественным назначением. Произведения живописцев и скульпторов преследовали главным образом историографические и воспитательные цели и использовались при украшении храмов и общественных зданий. Керамические же изделия проникали во все общественные слои, составляя основной элемент домашнего обихода. Среди сосудов основной разновидностью являлись вазы и кубки, предназначенные для возлияний во время «симпосиев», которые в свою очередь являлись типичной формой общественной и семейной жизни. Возлияние – это религиозное действо, которое сохраняло и в семейном кругу ритуальный характер, чем объясняется использование священных изображений на вазах и кубках. Однако мифологические сюжеты трактуются весьма вольно, что соответствовало атмосфере пиршества. Требование, предъявляемое небольшими размерами и формами ваз к ритмическому распределению изображаемых на них фигурок, придает художественным композициям плавность, певучесть, легкость, в своих лучших образцах, эти маленькие фигурные изображения являются не столько популяризацией произведений живописи, сколько самостоятельным и утонченным художественным жанром.

Стилистическая отработка  сюжетов идет все это время  одновременно с поисками наиболее гармоничной  формы предмета. Мастера пробуют  различные конфигурации ручек, стараются добиться естественного перехода от основания к тулову сосуда. Изображения, как с точки зрения расположения фигур, так и с точки зрения графического исполнения определяются формой предмета, что оказывает прямое воздействие и на выбор красок – всегда очень строгий и соответствующий покрываемой поверхности.

В чернофигурных вазах, представляющих собой первоначальный тип великого аттического искусства, фигуры выписываются черным блестящим лаком на красном фоне обожженной глины. Детали процарапываются по лаку до поверхности глины. Изображения получались линейными. Поставленные в профиль фигуры четко выделялись на красноватом фоне.

В конце VI в. до н.э. появляется обратный прием: черным лаком покрывается все тулово сосуда, кроме фигур, внутри которых кисточкой, смоченной тем же черным лаком, прорисовывались детали. Красное изображение на черном фоне производит на зрителя большее впечатление, чем черное изображение на красном. Линия, нанесенная тонкой кисточкой, отличается большей мягкостью и легкостью. Благодаря более совершенному способу к росписи ваз все чаще обращаются художественно более подготовленные рисовальщики: Псиах, Евтимид, Дурис. Еще более утонченными являются вазы из белой керамики, на которые наносят очерчивающие фигуры линии, окружение которых становится более мягким, более способным обеспечить, несмотря на единство в окраске поверхности, тонкое пластическое построение.

Параллельное развитие живописи и вазописи прекращается с того момента, когда первая обращается к поискам пластической передачи пространства и движения. С середины IV в. до н.э. роспись керамики не может более считаться ответвлением живописи и становится кустарным применением художественных форм к предметам широкого потребления [8, 114-279].

1.3. Архитектура

Художественное наследие Древней  Греции и Древнего Рима – архитектура, скульптура, живопись, декоративно-прикладное и ювелирное искусство – поражает своим богатством и многообразием. В нем ярко выразились эстетические представления, нравственные идеалы и вкусы, характерные для античной цивилизации, завершившей многовековую историю древнего мира. Творцами античной культуры были древние греки.

Ранний период развития архитектуры (до V в. до н.э.) получил название архаического. В бронзовом веке храмы еще не строились. На смену дворцам и крепостям пришли многочисленные храмовые сооружения. Статуям олимпийских богов воздвигнуты более величественные жилища, чем старым примитивным идолам. Светское строительство отступило на второй план.

Греческая архитектура начала эпохи  архаики сохранила форму мегарона микенского периода. Мегарон, дом властителя, стал святилищем, но строительный материал остался все тот же – дерево и глина. В 1-й половине VIII в. появляется храм, планировочную основу которого составил микенский мегарон. Храм был построен из необожженного кирпича и перекрыт деревянной двускатной крышей. В этот период формируется планировочная схема, которая легла в основу последующей архитектуры греческих храмов и для которой характерно окружение основного объема храма колоннадой.

Светские постройки, также прямоугольной  формы, были непрочными и очень скромными, из тростника и глины. Все достижения греческой архитектуры того времени; конструктивные и декоративные, связаны со строительством храмов. Предположительно в VIII в. до н.э. выявились два художественных направления в архитектуре: дорическое и ионийское. Дорическое отличалось стремлением к монументальности, мужественности, совершенству пропорций. Примером служит дорический храм Геры в Олимпии. Ионический стиль в V в. еще окончательно не сформировался. Мастера ионийского направления, стремились достичь легкости, изящества, прихотливости линий. Оба стиля (ордера) с самого начала существенно различались. Ранние ионические храмы в Малой Азии имели более богатое убранство и большие размеры, чем дорические храмы. Расцвет художественного творчества в Греции приходится на вторую половину V в. до н.э.

План храмового сооружения включал  в себя главную часть, поделенную на нефы рядами колонн, и передний зал. Разбогатевшие греческие города-государства  оказались в состоянии осуществить  подлинный переворот в храмовой архитектуре, которая из глиняно-деревянной стала каменной.

В истории строительства трех храмов Геры в Олимпии можно проследить перемены в архитектурных стилях: старейшая из построек колоннады еще не имеет. Древнейшие дорические перистили – сооружения, обнесенные со всех сторон колоннадой, – отличались превышением длины над шириной. Храм Аполлона в Сиракузах, относящийся к старейшим дорическим храмовым постройкам, имеет по 17 колонн при боковых стенах и 6 с фасада.

Другая особенность этого стиля – большая величина диаметра колонн, стоящих к тому же близко одна к другой, что создавало впечатление тяжеловесной монументальности и серьезности всего облика здания.

Развитие дорического стиля шло к более совершенным пропорциям, архитектурной гармонии. Одновременно с дорическим менялся и ионийский стиль, стремящийся к декоративности и пышности, в чем сказались влияния Востока. Здесь колонна выступает не только как опора, как элемент тектонический, но и как элемент декоративный. Ионийских святилищ того времени сохранилось очень мало, но достаточно взглянуть на храм Дидимайон в Милете, чтобы убедиться в различии обоих стилей.

Древняя Греция была мраморной, но отнюдь не только сверкающей белизной. Шедевры античной архитектуры блистали всем разноцветьем красок. Когда войны с персами закончились победой греков, а Афины, возвысившись над своими союзниками, получили возможность распоряжаться финансовыми средствами, когда началась разработка залежей мрамора в Пентеликоне в Аттике, греческая архитектура вступила в пору наивысшего расцвета.

Наибольшего размаха достигло строительство в Афинах при Перикле: были воздвигнуты Парфенон, Пропилеи, небольшой храм Афины-Победительницы; позднее Эрехтейон. Бросается в глаза стремление сочетать элементы ионийской и дорической архитектуры. Колонны храма имеют такую же высоту, что и колонны храма Зевса в Олимпии, но на смену тяжелым пропорциям «сурового» стиля пришли стройность, изящество.

К соединению обоих стилей стремился  и архитектор Мнесиклет, создатель величественных ворот, ведущих на Акрополь. Улицы города оставались узкими и кривыми, дома – низкими, приземистыми. Лишь новый порт Пирей свидетельствовал о бурном развитии всех сторон жизни, которые переживали тогда Афины. О том же говорила и еще одна постройка светского характера: воздвигнутый при Перикле Одеон, где проходили музыкальные состязания.

Об украшении и благоустройстве  родного города заботился и предшественник Перикла, аристократ Кимон. На рыночной площади, агоре, он посадил столь любимые греками тенистые платаны, а в предместье Афин, в роще, посвященной герою Академу, заложил гимнастические площадки, воздвиг колоннады, дававшие тень в часы нестерпимого южного зноя.

Коринфские полуколонны можно было встретить в IV в. до н.э. в большом мраморном святилище Афины Алей в Тегее, а также в круглых постройках – толосах – в Дельфах и Эпидавре. Причем если в этих памятниках коринфские полуколонны располагались внутри здания, то в изысканном монументе Лисикрата в Афинах они украшают его снаружи.

В малоазийских же городах сохранялся стиль ионийский, в котором творил зодчий и теоретик архитектуры Пифей, создавший по заказу Александра Македонского в Приене храм Афины. Он же воздвиг такую монументальную каменную постройку, как Мавзолей – огромную гробницу карийского правителя Мавсола и его жены Артемисии. Эту 24-ступенчатую пирамиду высотой 49 м, увенчанную четверкой коней в упряжке – квадригой, древние причисляли к семи чудесам света, но она показывает, как далеко отошли люди той эпохи от простоты и сдержанности современников Перикла. Не менее пышным было другое сооружение, считавшееся одним из чудес света и также находившееся в Малой Азии: храм Артемиды в Эфесе, построенный на месте храма, сожженного в 356 г. до н.э. Геростратом.

Основным строительным материалом в греческой архитектуре был  камень, при этом в ранний период более мягкий, легко поддающийся обработке. При строительстве афинского Акрополя использовался известняк. Новый Акрополь известен уже сооружениями из пентелийского мрамора.

Из камня возводились общественные здания. Жилые дома строились чаще всего из сырцового кирпича, но применялся также и обожженный. Кирпич использовался и при кладке стен, которые в культовых сооружениях затем облицовывались каменными плитами. Для сооружения кровли и перекрытий применяли дерево. Деревянными были и колонны храмов, о чем свидетельствует храм Геры в Олимпии, где их со временем заменяли на каменные. Каменную кладку возводили сухим способом без раствора, усиление конструкции осуществлялось с помощью шипов или деревянных шпонок. Каменная постройка должна была быть устойчива при землетрясениях, и поэтому каменные блоки сцеплялись множеством металлических скоб.

Первоочередной задачей греческого строительного искусства было возведение храмов. Храмы были сгруппированы на огороженной территории, куда вели монументальные входные ворота. Комплекс этих зданий постепенно дополнялся большим количеством скульптур и жертвенных алтарей.

В городах, начиная с VI в., строилось много общественных зданий. Ядром городов была крепость, вначале включавшая дворец царя, а позднее игравшая роль религиозного центра. Древнейшие греческие города вырастали без общей градостроительной идеи. Позднее они перестраивались. Основателем прямоугольной структуры в Греции считается Гипподам из Милета.