Шпаргалка по "Истории Искусств"

2.Работы Левитана.

         Начиная работать под руководством Саврасова и Поленова, Левитан вскоре оставил далеко позади своих учителей, навсегда вписав свое имя в пантеон отечественной культуры. Долгое время считалось, что в России нет природы, способной вызвать восхищение и стать темой для серьезного произведения. Вместо природы была лишь серая, безликая масса, тоскливая и бесконечная, как горе людское. Работы русских пейзажистов того времени больше походили на копии итальянских и французcких картин, в которых прежде всего ценилась ясность и эффектность художественного языка. Левитан же избегал изображать внешне эффектные места. Ему это было не нужно. В самом простом деревенском мотиве он, как никто другой, умел найти то родное и бесконечно близкое, что так неотразимо действует на душу русского человека. Левитан наполнил наш бедный пейзаж чувствами, Творческий путь Левитана длился всего около двадцати лет, но за эти годы он создал больше, чем все остальные пейзажисты России вместе взятые. Можно без преувелечения сказать, что после Левитана русский пейзаж стал другим. Его картина «Осенний день. Сокольники», «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой Плес», «После дождя. Плес», «Березовая роща»,

        В 1991 г. Левитан стал членом Товарищества передвижных выставок. До последних дней своей жизни он был постоянным участником экспозиций. 
Период наивысшего подъёма творчества Левитана приходится на 90-е гг. Картины «У омута» (1892), «Владимирка» (1892), «Над вечным покоем» (1894) отмечены стремлением создать эпический образ природы. Левитан, как истинный мастер лирического пейзажа, любил писать натуру в переходный период, когда одно состояние природы сменяет другое. Картины «Март» (1895), «Золотая осень» (1895), «Весна. Большая вода» (1897)— лучшие произведения этого периода. Передает в пейзажах чувства и настроение человека. В пейзажах тонко передается чувство природы."Осенний день. Сокольники.","Вечер на Волге.","Владимирка", 
"Март","Свежий ветер. Волга.","Сумерки. Стога.","Летний вечер.".

Билет 5

1.Искусство России 1ой пол 19 века.

В центре внимания - человеческая личность. Идеи войны 1812 года. Сближение  искусства с жизнью. Становление  бытового жанра. Национальный пейзаж. Стремление передать натуру в ее реальной простоте. Возникновение романтизма. 

Русская живопись. Официальным направлением в живописи был академический классицизм. Академия художеств требовала следовать основным канонам классицизма, отдавала предпочтение религиозной тематике, библейским и мифологическим сюжетам, что не удовлетворяло молодых художников. Упорство и талант  русских живописцев позволили преодолеть узкие рамки академизма. Совершенно необычные черты, навеянные идеями романтизма появляются в творчестве Ореста Кипренского и В.А. Тропинина.

О. Кипренский.  Портрет  А. Челищева. «Портрет мальчика Челищева построен на красивом аккорде цветов, взятых в полную силу и так сопоставленных, что кажутся сияющими: алое, темно-синее, белое; глаза у мальчика как влажные черные вишни, передана та светлость кожи какая бывает только у детей» – пишет искусствовед Дмитриева Н.А. о знаменитой картине О. Кипренского.

Родоначальником бытового жанра, по праву, считают А.Г. Венецианова. Землемер по образованию, Венецианов оставил службу ради живописи. В Тверской  губернии купил небольшое имение. Основная тема в творчестве художника – сельская жизнь. В его картинах – Крестьяне за чисткой свеклы; помещица, дающая задание дворовой девушке; спящий пастушок; сцены жатвы, сенокоса. Лучшие работы Венецианова «На пашне» и «На жатве» (их называют также «Весна» и «Лето»)

А.Г. Венецианов. На пашне. Весна. В картине «На пашне», на первый взгляд, обычная сцена начала весенних полевых работ, когда в деревни устраивался праздник первой борозды. Женщины надевали праздничную одежду, яркие сарафаны и кокошники. Детей в страду, как правило, брали с собой и Венецианов ярко освещает сидящего на земле малыша. Художнику в полной мере удалось передать ощущение праздника. Безграничность родных просторов, воздушность и прозрачность пронизанного солнечными лучами весеннего пейзажа. Да и сама женщина необычна, ее рост по сравнению с лошадьми выше, чем у реальной женщины. Она – символ весны, символ продолжения жизни на земле, гарант ее благополучия и спокойствия.

В бытовом жанре  работал и П.А. Федотов, которого совершенно справедливо называют «гоголем в живописи» и считают основоположником критического реализма. Его картины несут как комедийно-сатирическую («Завтрак аристократа», «Свежий кавалер», «Сватовство майора»), так и драматическую нагрузку («Вдовушка», «Анкор, еще анкор!»).

В живописи К.П. Брюллова совершенно очевидны и академические черты и влияние романтизма. К Брюллову рано пришла слава. Он пишет многочисленные портреты, картины на библейские, античные сюжеты, запечатлевает  сценки, навеянные пребыванием в Италии («Итальянский полдень»). Одна из самых значительных работ художника – «Последний день Помпеи».

Приверженцем академической  живописи оставался А.А. Иванов. Более 20 лет работал он над картиной «Явление Христа народу», в которую вложил всю силу и яркость своего таланта. На переднем плане грандиозного полотна выделяется мужественная фигура Иоанна Крестителя, указывающего на приближающегося Спасителя. Фигура Христа дана в отдалении. Он еще не пришел, он идет, он обязательно придет, говорит художник. Иванов верил в возрождающуюся миссию искусства, своей картиной хотел «царям земли напомнить о Христе».

2.Портреты Репина.

И. Е. Репин – художник идейного направления. Был одним  из активнейших членов «Товарищества  передвижников».Он писал такие религиозные картины как «Иов и его друзья», «воскрешение дочери Иаира» тка же Репин много работал над темой революционного движения: «Отказ от исповеди», «Не ждали», «Арест пропагандиста», «Козаки пишут письмо турецкому султану», «Иван Грозный и сын его Иван». Сенсацией стали его "Бурлаки на Волге". На картине «Не ждали» художник изобразил в произведении неожиданное возвращение в семью ссыльного революционера. На картине изображено 7 фигур. Смыслом и композиционным узлом служат 2 фигуры, фигура матери и фигура сына только что зашедшего в дом которые смотрят друг на друга. Фигура матери изображена со спины. Все члены семьи, за исключением ссыльного, даны на фоне.  «Иван Грозный и сын его Иван». Он показал Ивана г. Жертвой, который бросил посох, чтобы остановить сына и попал в висок.  Самым выделяющимся фрагментом картины есть испуганный взгляд царя с выпученными глазами смотрящими в никуда. Он держит умирающего царевича за голову левой рукой сквозь которую течет кровь.

Билет 4

1.Классицизм как метод в искусстве.

КЛАССИЦИ́ЗМ— художественное направление, ориентированное на идеалы античной классики. Художественные стили Классицизма представляют собой воплощение идеи целостности, ясности, завершенности художественной формы.

Классицизм (от лат. classicus - образцовый) - стиль и направление в искусстве и литературе XVII - начала XIX в., ознаменовавшие возвращение к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Для этого направления характерны рационализм, нормативность, тяготение к гармонии, ясности и простоте выражения, уравновешенность композиции и в то же время определенная доля схематизации и идеализации в художественных произведениях, что выражалось, например, в иерархии "высоких" и "низких" стилей в литературе, требовании "трех единств" - времени, места и действия - в драматургии, подчеркнутом пуризме в области языка и т.п. Под влиянием рационалистической философии великого французского мыслителя Рене Декарта (1596-1650) принципы классицизма утверждаются во всех видах искусства. Основной эстетический постулат классицизма - верность природе, закономерной разумности мира с объективно присущей ему красотой, находящей выражение в симметрии, пропорции, мере, гармонии, которые и должны воссоздаваться в искусстве в совершенном виде. К середине XIX в. классицизм, отставая от развития общественного эстетического чувства, переродился в безжизненный академизм.Русский классицизм в литературе представлен Денисом Ивановичем Фонвизиным (1745-1792), Гаврилой Романовичем Державиным (1743-1816), Александром Петровичем Сумароковым (1717-1777); в архитектуре - Василием Ивановичем Баженовым (1738-1799), Матвеем Федоровичем Казаковым (1738-1812); в живописи - Антоном Павловичем Лосенка (1737-1773), Карлом Павловичем Брюлловым (1799-1852), Федором Антоновичем Бруни (1799-1875) и Александром Андреевичем Ивановым (1806-1858) - авторами соответственно таких известных полотен, как "Взятие Казани", "Последний день Помпеи", "Медный змий" и "Явление Христа народу".

2.Работы Тициана.

Тициан (1490-1576). тальянский живописец эпохи Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль.  
Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции. «В этот период художник отдавал предпочтение монументальным композициям, исполненным пафоса и динамики. Он создавал образы, проникнутые яркими жизненными силами, строил композиции картин по диагонали, пронизывая их стремительным движением, пользовался интенсивными контрастами синих и красных цветовых пятен».

Глава венецианской школы, его  искусство - вершина искусства высокого Возрождения. Характерны вера в волю, разум и возможности человека. 
Учился у Беллини и Джорджоне. "Любовь земная и любовь небесная" - изображены две женщины:  одна из них пышно одетая, задумчиво-непринужденная, другая златокудрая, красота обнаженного тела оттенена алым плащом. Отказываясь от ярких тонов, художник обращался к стальным, оливковым, подчиняя все золотистому тону. "Венера", "Даная", "Мучение Св.Лаврентия", "Терновый венец", "Кающаяся Магдалина", "Св.Себастьян". Портреты Тициана подчас перерастают в картины, раскрывающие психологические конфликты, таковы: "Юноша с перчаткой", групповой портрет в рост Папы Павла III с племянниками и кардиналами - своеобразный документ эпохи, обнажающий эгоизм и лицемерие, жестокость, властность и подобострастие. 

Билет 3

1.Рококо как метод в искусстве.

стиль в искусстве (в основном, вдизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. То, что мы сейчас называем «рококо», в свое время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус». Особенно преуспели в критикеЭнциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало.

Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Один из наиболее ранних случаев употребления этих терминов — увраж Мондона-сына «Третья книга рокайльных и картельных форм» 1736 г.(иллюстрации см. ниже). Также находим их в письме (7 апреля 1770 г.) мастера Роэтье (изготавливавшего для Екатерины II в конце 1760-х гг. серебряный сервиз, позднее известный как «Орловский сервиз», сохранившиеся предметы хранятся в Государственном Эрмитаже). Это письмо также отразило смену вкусов, происшедшую на рубеже 1760-70- гг.: «…поскольку Е. И.В. желает, чтобы отказались от всех видов фигур и картелей, мы приложим все усилия, чтобы заменить их античными украшениями и следуя лучшему вкусу, согласно пожеланиям…» (цит. по документу из РГИА). 
        Со второго десятилетия XVIII века начался новый период развития французского искусства, связанный с недовольством в народе общественным порядком. Господствовавшее направление рококо не было однородным, живопись рококо дифференцирована в оттенках настроения, изыскана по колориту. Рококо тесно связано с интерьером, получило развитие в декоративных и станковых формах. В росписях плафонов, стен, надворных панно образ человека утрачивает свое самостоятельное значение, фигура превращается в деталь убранства интерьера. Одновременно с развитием живописи в рококо усиливается роль реалистического направления. Достигает расцвета портрет, натюрморт; в связи с этим усиливается интерес к фламандской реалистической живописи.  
Ватто. 
Создатель галантного жанра, певец тонких чувств. Его герои - ремесленники, солдаты, нищие, актеры. "Тяготы войны","Бивуак".Самые поэтичные произведения Ватто "Галантные праздненства","Общество в парке". Часто Ватто обращается к обществу одинокого героя. "Тиль" - одинокий мечтатель. 
Последнее крупное произведение Ватто "Вывеска Жерсена" исполнена для антикварной лавки. Это произведение говорит о том, что Ватто мог подметить красоту в повседневной жизни.  
Буше. 
Создатель искусства безумно-праздничного, основанного на импровизации, уводящего в мир любовных похождений. Первый художник короля, директор Академии, Буше оформлял книги, создавал декорации и костюмы для парижской оперы. Буше обращается к мифологии, аллегории и пасторали. Его герои - кокетливая Венера, беспечно-шаловливый Амур. Он строит композицию на сложном переплетении линий и фигур."Рождение Венеры", 
"Пастушеская суета".Позднее творчество Буше холодно, оно совпало с упадком стиля рококо.  
Фрагонар. 
Ученик Буше и Шардена. Сочетал декоративное излишество с поэтическим восприятием мира, с наблюдательностью реалиста. "Качели","Поцелуй украдкой". Художник стремился передать красочность мира. Обращался к народной жизни. "Прачки". Стремился запечатлеть душевную взволнованность. "Портрет Диуро". Мастер мимолетного наброска.