Обучение младшего школьника изображению натюрморта

В конце XIX - начале XX в. развитие живописи становится особенно сложным и противоречивым. Различные реалистические и модернистические течения завоевывают себе право на существование [45, 111].

Модерн – художественный стиль в европейском и американском искусстве этого периода (другое название арт нуво). Стиль модерн следует отличать как от общего смысла слова «современный», так и от понятия модернизм. Основной признак стиля модерн – декоративность, основной мотив – вьющееся растение, основной принцип – уподобление рукотворной формы природной и наоборот. Это нашло отражение в архитектуре, детали знаний, в орнаменте, получившем необычно широкое развитие. Линии орнамента несли в себе духовно-эмоциональную, символическую напряженность [45, 111].

Стиль модерн пронизан идеей  синтеза искусств. Это прежде всего  архитектура, объединяющая все другие виды искусства – от живописи до моделей одежды. В архитектуре модерна проявилось органическое слияние конструктивных и декоративных элементов. Наиболее яркие примеры синтеза искусств – особняки, павильоны, общественные здания. Как правило, они построены словно «изнутри наружу», то есть внутреннее пространство определяет внешний облик здания. Фасады таких домов были несимметричны и подобны природным формам и одновременно являлись результатом свободного формотворчества скульптура. Особенно выразительны интерьеры этих особняков с перетекающим пространством, изогнутыми очертаниями карнизов, круглящимися дверными и оконными проемами, богатым декором из резного дерева, цветного стекла, металла. Новейшие технико-конструктивные средства и свободная планировка были использованы для постройки зданий с подчеркнуто индивидуализированным обликом [45, 111].

Творчество испанского архитектора а. Гауди – яркий и неповторимый пример единого образно-символического ансамбля причудливой архитектуры, словно вырастающего до небес, в котором сплелись воедино реальность и фантазия.

Художественный язык модерна был во многом воплощением  идей и образом символизма, сочетающихся со сложным стилизованным растительным декором, ритмом гибких текучих линий и плоскостных цветовых пятен. В этом духе выполнялись произведения декоративного искусства: панно, мозаика, витражи, керамическая облицовка, декоративные рельефы, майоликовая скульптура, фарфоровые и стеклянные вазы и др. Картинам и графическим листам тоже придавались черты декоративной стилизации в духе модерн [45, 112].

С живописью модерна  связаны П. Гоген, М. Дени, П.Боннар во Франции, Г. Климт в Австрии, Э. Мунк в Норвегии, М. Врубель, В. Васнецов, А. Бенуа, Л. Бакст, К. Сомов в России. В рамках модерна получила большое распространение книжная и журнальная графика (О.Бердслей в Англии). Особое внимание уделялось афише и плакату (А. Тулуз-Лотрек во Франции, А. Муха в Чехии).

В России с середины XIX в. наиболее широкое распространение получил критический реализм. Он нашел воплощение в жанровых сценах П. Федотова, в искусстве В. Перова, художников-передвижников И. Крамского, В. Маковского, Н. Ярошенко, И. Репина и других. В своем творчестве они отразили несправедливость общественного устройства [45, 112].

Значительным событием в культурной жизни России было создание в 1870 г. по инициативе известных художников И. Крамского, Г. Мясоедова, Н. Ге и В. Перова демократического художественного объединения « Товарищество передвижных художественных выставок» (ТПХВ). Первая выставка состоялась в 1871 г. Художников, входивших в это товарищество, стали называть передвижниками. Они испытали воздействие общественных и эстетических взглядов В. Белинского и Н. Чернышевского. Большую роль в формировании их творческой программы сыграл критик В. Стасов. Материально поддерживал передвижников П. Третьяков, приобретая их произведения для своей галереи. Передвижники были убежденными реалистами, а их программа народности искусства выражалась в изображении типических сторон и многогранных характеров социальной жизни, часто с критической тенденцией («Земство обедает» Г. Мясоедова, 1872г.; «Встреча иконы» К. Савицкого, 1878 г.). Передвижники показывали не только бедность, но и красоту народного быта («Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» В. Максимова, 1875 г.), богатство и величие родной природы (пейзажи А. Саврасова. И. Шишкина, И. Левитана), героические страницы национальной истории (картины В. Сурикова) и освободительного народного движения («Арест пропагандиста», 1892 г.; «Отказ от исповеди», 1885 г.; «Не ждали», 1888 г. – И. Репина). Большое значение в их творчестве приобрел социально- бытовой портрет («Курсистка» Н. Ярошенко, 1883 г.), пейзаж, а позже историческая живопись, где главным действующим лицом выступал народ («Утро стрелецкой казни» В. Сурикова, 1881 г.). Образы русской народно-сказочной фантазии оживали на полотнах В. Васнецова.

Произведения В. Сурикова, И. Репина. Н. Ге, В. Васнецова, И. Шишкина, И. Левитана – вершины передвижнического реализма. Они отличаются свободной, широкой манерой письма, передачей световоздушной среды с помощью рефлексов, цветных теней, свободной и разнообразием композиционных решений. Последняя, 48-я выставка ТПХВ состоялась в 1923 г. Передвижники в России своим творчеством окончательно утвердили позиции реализма в бытовом и историческом жанрах, портрете и пейзаже [45, 112].

В России с середины 1930-х  до начала 1980-х гг. официальным теоретическим принципом и художественным направлением в советском искусстве был социалистический реализм. Его целью было утвердить в общественной реалистической форме социалистические идеалы, образы новых людей – строителей коммунизма. Постепенно сложилась жесткая программа социалистического реализма, основанная на прославлении, воспевании революционной борьбы народа и его вождей, советского строя, социалистического строительства и трудового энтузиазма. Необходимо было следовать лозунгам коммунистической идейности, партийности и народности. Такие требования, положенные в основу деятельности союзов художников, определяли круг сюжетно-тематических композиций, типизированных портретов, тематических пейзажей-картин и т.д.

Однако в русле этой программы были созданы проникнутые  историческим оптимизмом выразительные реалистические произведения живописцев А. Герасимова, Б.Иогансона, А. Дейнеки, Ю. Пименова, С. Чуйкова, А. Пластова, П. Корина и других [45, 113].

В начале XX в. появляется много направлений авангардной живописи (абстракционизм, андеграунд, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм и др.), которая оказалась от изобразительности и ознаменовала активное выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и условность цвета, утрированность и геометризацию форм, декоративность и ассоциативность композиционных решений. Затем в 20-е и 30-е гг. нашего столетия авангардистские позиции занимает сюрреализм [45, 113].

Кубизм это художественное направление в европейском изобразительном искусстве начала XX в. ставило своей целью выявление геометрической структуры видимых объемных форм, разложение реальных предметов на части в соответствии с их внутренним строением и организацию их в другом порядке в новую форму. Название этому направлению дали за внешнее сходство живописи кубистов с простыми геометрическими телами – шаром, конусом, призмой, кубом. Кубизм возник во французском искусстве в 1900-1910 гг. Его основателем был П. Пикассо («Авиньонские девицы», 1907 г.). В истории кубизма принято выделять три периода: так называемый сезанновский, аналитический и синтетический.

Кубизм ставил цель –  познать реальность, раскрыть внутреннюю, философскую сущность предметов с помощью новых средств. Он знаменовал собой отказ от реализма и явился вызовом стандартной красивости официального салонного искусства. В картинах П. Пикассо кубического периода создается трагический образ грандиозного изломанного, разрушающегося мира [45, 113].

В XX в. продолжается поиск новых идей, образов, форм, новых красок и технических средств создания живописных произведений, что несомненно приведет к появлению новых стилей в живописи. Идейные и технические достижения художников предыдущих эпох не будут забыты, так как в ходе исторического развития живописи накоплены огромные духовные сокровища.

1.2 Жанр натюрморт

Натюрморт – жанр изобразительного искусства. Слово «натюрморт» (дословно с французского nature morte, «неживая природа») означает изображение неодушевленного предмета или группы предметов. Обычно это домашняя утварь (тарелки, горшки, вазы, чашки и т. д.), овощи, фрукты, дичь и прочая снедь. Однако со временем круг предметов, составляющих композицию натюрморта, расширился. В настоящее время это могут быть самые разнообразные предметы удобных размеров в окружении других предметов, в том числе животных, и цветы. Короче говоря, натюрморт – это инсценированная реальность [33, 10].

Между тем есть и другой термин: «тихая жизнь» (нем. stilleben, англ. still life) [22, 11].

Появился жанр натюрморта в XVII веке в Голландии. Но некоторые элементы этого жанра можно встретить значительно раньше. Например, в жанровых мозаиках, стенных росписях и рельефах Древнего Востока и античности широко использовались изображения гирлянд, фруктов, овощей и даже отдельных предметов: монет, письменных приборов, сосудов [22, 3].

Знаменитый древнеримский ученый и писатель Плиний Старший в своей «Естественной истории» описывает спор между греческими живописцами Зевксисом и Паррасием: кто правдоподобнее изобразит действительность? Зевксис с удивительным  мастерством написал на своей картине виноградные гроздья и оставил ее на террасе. Слетевшиеся птицы, обманутые виртуозным искусством художника, пытались клевать спелые, сочные ягоды. И все же победа досталась сопернику: Паррасию своей искусностью удалось провести самого Зевксиса! На стене своей мастерской Паррасий изобразил зановес. Зевксис, принявший его за настоящий, попытался отодвинуть и… проиграл спор. К сожалению, эти и подобные им изображения античного времени до нас не дошли, и знаем мы о них лишь понаслышке. [ Искусство в школе.]

В средние века особый интерес представлял духовный мир человека, могли заинтересовать художника лишь в той степени, в которой они связаны со смыслом священного писания. Символичность средневекового искусства выражалась в том, что предметы осмыслялись как знаки. Поэтому во многих средневековых картинах присутствуют: чаша виноград (вино) и хлеб - символы таинства причащения; рыба – знак Христа; цветы лилии или ириса - знаки Богоматери; рукомойник и зеркало – ее чистоты и непорочности; красные гвоздики – символ страданий Христа; и т. д. Чаша в руках святого всегда означала его самоотверженное Служение. Вода является символом обновления, очищения, водой крестят. Кроме того, вода – это еще и само христианское учение, привлекающее жаждущих и распространяющееся по всей земле.

Позже, с XV века, изображенные на картине вещи наделяются одновременно двойным смыслом – религиозным и бытовым. В религиозном находит продолжение традиционная символика средневековья, но в значительно обогащенном варианте. В бытовом – проявляется обычная значимость вещи в повседневной жизни человека. Необходимо отметить, что религиозная символика, зачастую вкладывающая в содержание произведения глубокий философский смысл, особенно или неосознанно используется художниками и сегодня [22, 3].

Первой из дошедших до нас картин, которую мы по праву можем отнести к жанру натюрморта, является работа итальянского художника Караваджо. Его «Корзина с фруктами», 1590-е годы, написанная по заказу кардинала Федерико Борромео, является прообразом жанра, еще не существовавшего в то время, но вскоре ставшего одним из самых популярных [22, 4].

На первый взгляд Караваджо ушел в своем натюрморте от символических представлений христианства. Перед нами обычная для того времени ивовая корзина со сложными, только что сорванными с дерева фруктами. Они изображены со свойственным эпохе Возрождения жадным интересом к деталям, чуткостью ко всему увиденному. Художник словно задался целью показать нам индивидуальный «портрет» каждого конкретного предмета. Что может быть реальнее? Но на самом деле это не так. Натюрморт в полной мере отражает символические представления средневековья. Роскошные спелые плоды переполняют корзину. Словно запотевшие, гроздья белого и черного винограда пластично свешиваются вперед. Ветви и листья напоминают о том, что все эти фрукты и ягоды еще недавно висели на деревьях в саду. Казалось бы, смысл очевиден: радость, буйство жизни. Но вглядитесь внимательно: на румяном бочке яблока – червоточина, листья увядают, скручиваются, ритм веток тревожен. Художник не столько любуется щедростью природы, сколько предупреждает о бренности всего земного. Сорванные с дерева и сложенные в новую корзину плоды напоминают о недолговечности жизни, это – буйство жизни на пороге разложения. Этот мотив – корзина с увядающими фруктами – постоянно присутствует и в ранних жанровых композициях художника, придавая им философский смысл [22, 4].

Караваджо был не первым художником, кого привлекли плоды, срезанные ветви и цветы. Из фруктов, овощей, цветов, колосьев знаменитый итальянский художник XVI века Джузеппе Арчимбольдо (1527- 1593) составлял портреты. Забавные изображения, в которых из нагромождения плодов выступают лица людей. Причем далеко не всегда это собирательные образы, такие как в его серии «Времена года». Изображал он в такой манере и вполне конкретных лиц. Например германского короля Рудольфа II, при дворе которого служил художник, он представил в образе этрусского бога садов и земледелия Вертумна. Весь его облик лепится из разнообразных овощей и фруктов. Портрет очень понравился королю, любившему всяческие курьезы. И все же что это – портрет или натюрморт? А может быть, не то и не другое? [ 15, 32].

С XVII века натюрморт утверждается как самостоятельный жанр, наряду с бытовым жанром, интерьером, пейзажем… В Голландии, Фландрии, Италии и других странах.  Западной Европы проявляется интерес к повседневной жизни человека, его вкуса и пристрастиям; таким образом, материальный, предметный мир наполняется новым содержанием. При этом каждая национальная художественная школа вкладывает свои смыслы в проблему значимости материального и духовного в жизни человека. Ярким примером этому служат различные по характеру и мировосприятию, но возникшие в одно время и в одинаковых географических условиях натюрморты фламандских и голландских художников.