Зарождение искусства первобытного общества

Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления

Новое движение возникло как  реакция на застой господствующего  в те годы академизма, однако его  появление было подготовлено несколькими  факторами: изобретением 1839 г. Л. Дагером  фотографии, внесшей в искусство  новое видение; научными открытиями Э. Шёвреля и О.Руда в области  цветоделения; появлением в 1941 г. оловянных  тюбиков для скоропортящихся  красок, давших возможность художникам работать на пленэре. Благодатную почву  для развития импрессионизма подготовили  художники Барбизонской школы: они  первыми стали писать этюды с  натуры.

Принцип «писать то, что  видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.

   Импрессионизм зародился в 1860-х гг., года молодые художники-жанристы Э.Мане, О.Ренуар, Э.Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. К началу 1870-х гг. импрессионистское видение сформировалось в пейзаже: К.Моне, К.Писсарро, А. Сислей впервые выработали в своих произведениях последовательную систему пленэра. Работа на открытом воздухе помогала им создавать на полотнах ощущение сверкающего снега, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха. Во многом этому способствовала разработанная в тонкостях колористическая система, при которой сложные тона разлагались на чистые цвета солнечного спектра. Они накладывались на холст раздельными мазками в расчете на оптическое смешение в глазу зрителя, что создавало удивительно светлую, как бы трепещущую живопись. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде. С этой целью они воспроизводили один и тот же сюжет по несколько раз, добиваясь невероятной чистоты цвета и практически очистив свою палитру от черной краски.

Свое искусство импрессионисты представляли на выставках, проводившихся  с нерегулярными интервалами  с 1874 по 1886 гг. С первой выставкой  тогда еще анонимной группы художников связана история происхождения  термина «импрессионизм». Критик Луи  Леруа, иронически отзываясь о представленных работах, особо отметил картину  К.Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), заметив, что «обои в первоначальной стадии обработки более закончены, чем этот морской пейзаж…». Новое  название пришлось по душе сторонникам  движения (правда, не всем), поскольку  отвечало творческому методу, который  они исповедовали: передача впечатления, фиксация ускользающих мгновений жизни.

В 1886 г. состоялась последняя  выставка импрессионистов. Однако, как  живописный метод, импрессионизм не прекратил свое существование: аналогичные  поиски велись мастерами других стран  – Англии (Дж. Уинстлер), Германии ( М. Либерман и Л. Коринт), России (И.Грабарь  и К.Коровин).

Совершив художественную революцию в сознании современников, раскрыв им новые горизонты, импрессионизм дал толчок к развитию искусства и появлению новых концепций, течений и форм. В его недрах зародились неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, приведшие в свою очередь к возникновению новых художественных эстетик и направлений.

Мастера импрессионизма: Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Гюстав Кайботт, Джеймс Уистлер, Константин Коровин, Ловис  Коринт.

   Кубизм (фр.cubisme, от cube – куб) – художественное направление во французском искусстве начала ХХ века, основателями и крупнейшими представителями которого были Пабло Пикассо и Жорж Брак. Термин «кубизм» возник из критического замечания по поводу работ Ж.Брака о том, что он сводит «города, дома и фигуры к геометрическим схемам и кубам». Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни.

По существу кубизм – это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П.Сезанна и африканской скульптуре, под влиянием которой появились знаменитые «Авиньонские девицы» П.Пикассо (1907), ознаменовавшие рождение кубизма.

В своем развитии кубизм пережил три периода: сезанновский, аналитический и синтетический.

Для первого периода (до 1909г.) были характерны массивные, несколько  грубоватые формы, образованные пересечениями  прямых и изломанных линий. Второй период (1909 – 1912) отличается более мелкой деталировкой предмета изображения. Дробя цельную  форму на грани, художник стремиться проникнуть в структуру вещей, произвести ее анализ, пытаясь «отыскать в  объектах наиболее устойчивые элементы». Это привело к ограниченному  набору изображаемых предметов и  жанров (натюрморт, реже пейзаж, и портрет). Основным приемом синтетического периода (1913-1914) стал коллаж. Картины синтезировались  из разнородных материалов и фрагментов (обрывки газет и одежды, куски  обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации, фактуры). Художник не воспроизводил действительность, а зримо воплощал свои знания об изображаемом предмете, которые в  воображении зрителя складывались в обозначенный сюжет.

Основные теоретические  идеи кубизма были изложены самими участниками движения (А.Глез и Ж.Метценже «О кубизме», 1912) и симпатизировавшими движению критиками (Г. Аполлинер «Художники-кубисты», 1913). Русский философ Н.А. Бердяев  назвал кубизм «самой полной и радикальной  революцией со времен Ренессанса». Отвергая традиции фигуративной живописи и провозглашая создание самостоятельных живописных реалий, независимых от объективных, кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам ХХ века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму.

Мастера кубизма: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метценже, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Александр Архипченко, Жак Липшиц, Андре Лот.

   Модернизм (фр. Modernisme, от moderne – современный, новейший) – совокупность художественных направлений, возникших в искусстве во второй половине XIX в. В виде новых форм творчества, в которых возобладало уже не столько следование духу природы и традиции, сколько свободный взгляд мастера-творца, изменяющего видимый мир по своему усмотрению, следуя личному впечатлению, внутренней идее или мистической грезе. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, символизм и модерн, хотя к этому относят экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм и более поздние течения – абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм.

В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций и время появления новых тенденций в искусстве. Датой его зарождения называют 1863 год – год открытия в Париже «Салона отверженных», куда принимались работы художников, забракованные жюри официального Салона. В широком смысле модернизм – «другое искусство», которое носит программно антиавторитарный, антитрадиционный характер. Главной целью движения является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих принципиально новые выразительные средства изобразительного языка.

В советской критике понятие  «модернизма» применялось ко всем течениям искусства XX в., которые не соответствовали  канонам социалистического реализма, а зачастую рассматривалось как  прямое шарлатанство. Столь негативная оценка базировалась на таких художественных особенностях направления как отказ  от классических традиций, субъективизм и абсурдизм, увлечение формально-пластическими решениями, стремлением стереть границы между искусством и действительностью.

С конца 1950-х гг., в мировом  искусстве возникает тенденция  отрицания модернизма, его новаторства  и современности, и происходит возврат  к предмодернистским формам и  стилям.

Мастера модернизма: Пабло Пикассо, Марк Шагал, Амедео Модильяни, Виктор Борисов-Мусатов, Густав Климт, Альфонс Муха, Обри Винсент Бердсли 

   Оп-арт ( англ. оp art, сокр. От optical art - оптическое искусство) – направление в искусстве, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Оп-арт как движение зародился в 1950-е гг. внутри абстракционизма, продолжив его рационалистическую линию – геометрическую абстракцию, представителем которого был французский художник венгерского происхождения Виктор Вазарели – основоположник и лидер оп-арта.

Основа оп-арта – в  художественно организованных оптических эффектах ) эффектах пространственного  перемещения, парения, слияния форм), которые достигались геометризированными  комбинациями линий и пятен с  введением резких цветовых и тональных  контрастов, ритмических повторов, извивающихся линий, пересечением спиралевидных  и решетчатых конфигураций. Применение зеркал, линз, дрожащих металлических  пластинок и проволок, установок  меняющегося света, динамических конструкций, усиливает эффект воздействия создает  особую эстетическую среду, достигающую  высокой степени абстрагирования  от конкретного. Иллюзия движения, вспышек  света, меняющейся формы и последовательной смены образов возникают в  произведениях оп-арта автоматически, т.е. фиктивно, присутствуя только в  ощущениях зрителя.

В 1960-х гг, оп-арт получил  недолгое, но широкое признание не только в живописи, но и в прикладном искусстве: в графике, дизайне (мебели, текстиля, росписи стен), в сфере  моды и декоративного макияжа.

Мастера оп-арта: Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Хесус Рафаэль Сото, Лари Пунз, Карлос Крус-Диес 

    Поп-арт (анг. Pop art, от popular art – популярное искусство) – направление в искусстве 1950-1960-х гг., для которого характерны использование и переработка символических и знаковых объектов рекламной продукции и массовой культуры. Поп-арт, возникнув как реакция на засилье абстрактного искусства, провозгласил своей целью возвращение к реальности и «раскрытие эстетической ценности» образцов популярной культуры. Абстракционистскому отказу от действительности он противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус. Каждая вещь в определенном контексте теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства (продолжение идей дадаизма). Поэтому и задача художника – придание обыденному предмету художественных качеств, эстетизация вещного мира.

Художники, добиваясь броскости  и наглядности своих творений, используют поэтический язык этикетки и рекламы. Признаки массовой культуры обыгрываются по-разному в произведениях поп-арта, но всегда в неожиданных и абсурдных сочетаниях, тем самым, стремясь отделить вещь от мифа, показать ее истинное значение. У каждого художника своя жанровая специализация. Иногда образы вводятся в картину как прямая цитата в виде коллажа или фотомонтажа, в других случаях имитируются композиционные приемы и техника рекламных щитов, в третьем вещь (например, картинка комикса) увеличивается до гигантских размеров или изготавливается из необычного материала. Помещенный в иной контекст исходный образ утрачивает первоначальную идентичность, парадоксально преобразуется и перетолковывается, обнаруживает свою изнанку, а иногда даже обесценивается.

Начало движению положила «Независимая группа», основанная в  Лондоне в 1952 г., куда входили художники  Ричард Хэмилтон, Питек Блейк, Эдуардо  Паолоцци и др., однако мировую известность  поп-арт получил в своем американском варианте, представленном творчеством  Р.Раушенберга, Э.Уорхола, Т.Вессельмана, Д.Розенквиста, Р.Лихтенстайна, К.Ольденбурга, которые были в числе инициаторов  таких форм искусства, как хэппенинг, инсталляция, энвайронмент.

Мастера поп-арта: Роберт Раушенберг, Энди Уорхол, Том Вессельман, Джэспер Джонс, Джеймс Розенквист, Рой Лихтенстайн, Клас Ольденбург, Ричард Хэмилтон, Питер Блейк, Мэл Рамос.

Постмодернизм (анг. post-modernism, от лат.post – после и модернизм), постмодерн – термин, обозначающий структурно сходные явления в общественной жизни и культуре современных развитых стран; художественное движение, объединяющее ряд нереалистических художественных направлений конца XX в.

Постмодернизм явился результатом  отрицания отрицания. В свое время  модернизм отверг классическое, академическое  искусство и обратился к новым  художественным формам. Однако по прошествии множества лет сам стал классикой, которая привела к отрицанию  традиций модернизма и возникновению  нового этапа художественного развития в образе постмодернизма, провозгласившего возврат к предмодернистским  формам и стилям на новом уровне.

Сформировавшись в эпоху  преобладания информационных и коммуникационных технологий, теоретических знаний, широких возможностей выбора для  каждого индивида, постмодернизм  несет на себе печать плюрализма и  терпимости, в художественном проявлении вылившихся в эклектизм. Его характерной  особенностью стало объединение  в рамках одного произведения стилей образных мотивов и приемов, заимствованных из арсенала разных эпох, регионов и  субкультур. Художники используют аллегорический язык классики, барокко, символику древних  культур и первобытных цивилизаций, творя на этой основе собственную  мифологию, соотнесенную с личными  воспоминаниями автора. Произведения постмодернистов представляют собой  игровое пространство, к котором  происходит свободное движение смыслов  – их наложение, перетекание, ассоциативная  связь. Но включив в свою орбиту опыт мировой художественной культуры, постмодернисты сделали это путем шутки, гротеска, пародии, широко используя приемы художественного  цитирования, коллажа, повторения.