Зарубежный театр

У Еврипида появляется тема безысходности страданий человека.

Эсхил и Софокл – непревзойденные мастера в изображении взаимоотношений человека с согражданами и с государством (т.е. с властью).

Еврипид – непревзойденный в древности мастер изображения взлета и падения человеческой души и одолевающих эту душу страстей.   

Несмотря на эти различия, в творчестве Эсхила, Софокла и Еврипида много общего. Прежде всего – это стремление показать общественные, философские и нравственные проблемы, волновавшие афинян в V веке до н.э. и решить их с гуманных позиций. Это и делало театр школой, воспитателем гражданских нравов.

Уже в творчестве Еврипида наметились два направления, по которым будет развиваться в дальнейшем греческая серьезная драма,  – это трагедия страстей и драма, приближающаяся к бытовой (в последствии она получила название новоаттической комедии).

 

Греческая комедия

 

В греческой комедиографии назовем два крупных имени – это Аристофан и Менандр.

 

АРИСТОФАН (446-385 г.г. до н.э.)

 

С самого начала своей театральной деятельности Аристофан взял на себя роль мудрого наставника и не отступал от нее. Он написал более 40 комедий. До нас дошло 11. Первая его пьеса была поставлена, когда автору было 19 лет, и получила вторую награду. Его комедии и сегодня поражают бесстрашием своей сатиры, многообразием проблематики, в том числе политической.

В своих комедиях Аристофан поднимает самые разные вопросы: вопросы политики, в частности, войны и мира («Мир», «Лисистрата»), критикует деятельность государственных учреждений («Осы», «Всадники») или методы воспитания юношества («Облака»), или осмеивается новейшая драматургия («Лягушки»). В комедиях Аристофана выявилась политическая тема, – и в этом уникальность автора.

Комедии Аристофана пользовались большим успехом у зрителей. Его комедии – интереснейшее явление и с точки зрения содержания и с точки зрения театральной формы.

Белинский назвал Аристофана  «последним великим поэтом Греции».

 

 

МЕНАНДР (343/2 – 292 г.г. до н.э.)

 

Творчество Менандра приходится на то время, когда Афины утратили свое господствующее положение.   Это была так называемая эллинистическая эпоха  (III – I в.в. до н.э.). К этому времени изменился и театр. Появляются актеры-профессионалы, объединенные в театральные товарищества. Трагедия утрачивает свое значение. Популярной становится комедия, на которую заметно влияние Еврипида. Комедию эллинистической эпохи называют новой аттической комедией.

Новая комедия стремилась к воспроизведению обыденной жизни, и игра актеров приобрела более жизненный характер, хотя по-прежнему женские роли исполнялись мужчинами, и маска в театре сохранялась.

Менандр был наиболее известным драматургом этого периода. Он написал более 100 пьес, но одержал лишь 8 побед. Возможно, что психологические тонкости в его пьесах не всегда нравились афинянам. Гораздо большим успехом пользовались грубоватые комедии Филемона, современника Менандра. Но после смерти Менандра его известность и слава о нем вышли за пределы Греции. Ему подражали или переделывали его комедии римские драматурги Плавт и Теренций.

«Брюзга» - единственная комедия Менандра, полностью дошедшая до нас.

Драматурга интересовали характеры, нравы людей, и формы их поведения. На это указывают уже названия комедий («Брюзга», «Льстец», «Трус», «Третейский суд» и т.д.). В его комедиях именно характер героя является главной пружиной действия. В одной из своих комедий устами героя Менандр говорит, что не Боги управляют судьбой человека, а его собственный характер.

Целью своих комедий Менандр ставил смягчение нравов, установление добрых отношений между людьми.

 

Античная теория искусства

 

Искусство античной эпохи называют классическим; его брали за образец художники и поэты более поздних эпох. Это произошло не только потому, что само по себе искусство древней Греции многообразно и глубоко по содержанию, по своей роли, которую оно играло, но еще о потому, что оно подверглось глубокому и серьезному теоретическому обобщению в трудах древнегреческих философов – Платона и  Аристотеля.

 

ПЛАТОН (427-347 гг. до н.э.)

Его философия выражала аристократические позиции, он был убежденным противником демократии и демократических форм правления. Философские и эстетические взгляды его сформировались под влиянием Сократа.

Важнейшей эстетической проблемой для него является прекрасное.  Он стремится найти то, «что есть прекрасное для всех и всегда», т.е. абсолютно прекрасное. Красота, по Платону, носит сверхчувственный характер, поэтому она постигается не чувствами, а разумом.

Искусство Платон также рассматривает с идеалистической точки зрения. Его предшественники (Демокрит, Сократ) рассматривали искусство как  воспроизведение действительности через подражание. Платон также говорит о подражании чувственным вещам. Но вещи эти сами являются образами, отражениями идей. Художник, согласно Платону, лишь копирует чувственные вещи, которые в свою очередь, являются копиями идей.

Таким образом, Платон, рассматривая искусство как создание обманчивой видимости, пришел к отрицанию выдающихся достижений греческого искусства.

Как вторичное отражение, как отражение отраженного, искусство, по Платону, лишено познавательной ценности, более того, оно обманчиво, лживо и препятствует познанию истинно сущего мира.

Искусство иногда воспроизводит не только то, что причастно идее прекрасного, но и недостойные, безобразные и позорные предметы (актер изображает пьяных, преступных, отвратительных людей, художник живописует безобразные явления и лица, поэт соблазнительно описывает дурные поступки и страсти, музыкант сладостными мелодиями будит противные разуму чувства). Художники, изображая всё это,  сами переживают подобные чувства и побуждают к этому слушателей и зрителей. Поэтому этим видам искусства нет места в идеальном государстве, ибо они удаляют людей от познания, мудрости, сдержанности и храбрости. Поэтому искусство, поскольку оно лежит в области чувственной деятельности, объявляется Платоном недостойным для граждан идеального государства. Он лишь допускает сочинение и исполнение гимнов Богам.

Платон допускает устройство хорических празднеств, плясок при условии, что они будут возвышенными, гармоничными, будут воспитывать чувство порядка, меры, внутренней собранности. Он различает двух Муз: «упорядоченную» и «сладостную». Первая – «улучшает людей», вторая – «ухудшает». Он отдает предпочтение «упорядоченной» Музе. А как определить, какая Муза перед вами? Для этого, считает Платон, необходимо выбрать специальных «оценщиков» из людей зрелого возраста, которые будут осуществлять контроль над художественной деятельностью в государстве.

Основные положения эстетики Платона послужили в дальнейшем исходными предпосылками для многих идеалистических теорий.

 

АРИСТОТЕЛЬ (384-322 гг. до н.э.) подверг идеалистическую эстетику Платона обстоятельной критике.

Вопросы эстетики обсуждаются Аристотелем в работах «Риторика», «Политика», «Искусство поэзии» («Поэтика»).

«Поэтика» есть обобщение художественной практики своего времени и как бы сводом правил для творчества (т.е. в известной мере носит нормативный характер).  Аристотель исходит из конкретных фактов искусства.

1. В центре его эстетических  исследований проблема прекрасного.  Искусство, как и эстетическое сознание в различных его формах, является воспроизведением прекрасного бытия, характеризующегося мерой, порядком, гармонией. Основными видами прекрасного, по Аристотелю, являются: «слаженность, соразмерность и определенность, математика больше всего выявляет именно их».

Более высоким выражением прекрасного являются живые существа и в особенности человек. Человек гармоничным и пропорциональным сложением своих частей выступает как воплощение прекрасного и вместе с тем как главный предмет искусства.

Аристотель считает важным признаком прекрасного органическую целостность. Целое, по Аристотелю, есть то, что имеет начало, середину и конец; они связаны друг с другом и предполагают друг друга.

2. Искусство, по Аристотелю, есть «мимезис», т.е. подражание, воспроизведение. Подражание осуществляется посредством ритма, слова и гармонии (в смысле мелодии). Принцип подражания распространяется на все искусства. При этом художник познаёт все богатство чувственного мира, реальные предметы и явления. Искусство, по Аристотелю, имеет познавательный характер, является одной из форм познавательной деятельности людей.

3. Такая трактовка подражания  дала возможность Аристотелю  поставить вопрос о художественной правде. И это не умозрительные рассуждения, а анализ художественной практики. Он понимает искусство как воспроизведение действительности.

Главный вопрос эстетики – отношение искусства к действительности. Аристотель не требует абсолютной адекватности воспроизведения вещей и явлений в искусстве. Сопоставляя поэзию и историю, он говорит о том, что историк пользуется единичными фактами, случившимися в жизни, в то время как поэт пишет о том, что могло бы быть, обобщая явления. Таким образом, он говорит о художественном отборе и типизации, что является обязательным признаком художественного образа.

Главное достоинство искусства состоит в том, что оно правдиво отражает реальный мир. Именно поэтому  искусство имеет познавательную ценность и доставляет эстетическое наслаждение. Но искусство не только подражает действительности, но дает ее художественное осмысление.

Отсюда его вывод, что поэзия философичнее и серьезнее истории. Общее в поэзии заключается в типовой логике характеров.

Аристотель, таким образом, видит задачу искусства не в механической репродукции действительности, а в ее творческом отражении.

4. Аристотель дает впервые классификацию искусств. Он говорит о трех различиях в подражании: в средстве, предмете и способе. Все виды искусств различаются по средствам подражания: звук – средство для музыки и пения, краски и формы – для живописи и скульптуры, ритмические движения – для танцев, слова и метры – для поэзии. Названные виды искусств Аристотель делит еще на искусства движения (поэзия, музыка, танец) и искусства покоя (живопись и скульптура).

Особенно подробно он останавливается на делении словесного искусства на роды и виды, где в основу деления кладется особенность объектов и форма подражания. Он описывает своеобразие эпоса, лирики и драмы.

 Драма делится на трагедию и комедию, которые Аристотель исследовал детально.

5. Теория трагедии оказала громадное влияние на последующее развитие эстетики и художественной практики и до XVIII в. считалась непререкаемой.

Трагедию Аристотель считает основным жанром серьезной поэзии. Большое значение он придает составу событий, считает, что действие должно быть сконцентрировано вокруг судьбы главного героя и освобождено от всего случайного и второстепенного. А характеры героев должны быть правдоподобны, благородны и последовательны. Хор в трагедии – один из героев.

Аристотель дает определение трагедии, подробно описывает ее составные компоненты (фабула, характеры, мысль, словесное выражение, музыкальная композиция, сценическая обстановка). Многое в этом определении имеет отношение только к древнегреческой трагедии. Однако ряд положений носит обобщенный характер и имеет значение для последующих эпох. Например, он говорит, что «действие и фабула составляют цель трагедии, а цель важнее всего». То есть, Аристотель подчеркивает важность действия для драматического произведения. Это основной признак драмы как рода литературы. Фабула, служащая подражанием действию, это «изображение одного и притом цельного действия, и части событий должны быть так составлены, что при перемене или отнятии какой-нибудь части изменялось и приходило в движение целое, ибо то, присутствие или отсутствие чего незаметно, не есть органическая часть целого».

В истории театра бывали попытки заменить действие повествованием, описанием, и это приводило к полному разложению художественного образа. Положение Аристотеля о том, что развязка должна естественно вытекать из развития фабулы и характеров, также является непреложным законом подлинно художественного произведения.

Цель трагедии, по мнению Аристотеля, «путем сострадания и страха производить очищение подобных аффектов» (т.е. чувств). Трагедия силой сценического искусства вызывает у зрителей чувства страха и сострадания, доводит эти аффекты до крайнего напряжения, нарушая душевное равновесие зрителей, а затем дает своеобразное «очищение», разрядку, доставляя человеку облегчение, соединенное с чувством удовольствия (катарсис).

6. Творческий процесс, по Аристотелю, процесс создания художественных произведений, а также их восприятие – интеллектуальные акты. Он подчеркивает связь творческого процесса с познавательной деятельностью человека. Эстетическое созерцание базируется на радости узнавания. Таким образом, творческий процесс постижим и подвержен контролю. Отсюда его стремление выработать определенные нормы, правила, которыми должны руководствоваться, создавая произведения искусства. Из подобного понимания творческого процесса вполне логично вытекает требование Аристотеля учиться не только художественному творчеству, но и эстетическому суждению.