Лекции по "Дизайну"

Проявление «Большого стиля» в декоре

Выдающимся художником-декоратором «Большого стиля», предвосхитившим и стиль Рококо, был Ж. Верен Старший. Он оформлял придворные празднества, постановки опер Ж.-Б. Люлли, композитора «версальского стиля», выполнял рисунки мебели, оформления интерьеров и декора кораблей. В эти же годы осуществлялся грандиозный замысел Людовика XIV: изготовить гравюры со всех значительных произведений искусства, созданных во Франции в годы его правления и находящихся в королевских собраниях. Идея, достойная «Большого стиля»! Такая художественная энциклопедия стала готовиться с 1663 г. и выпускалась в альбомах гравюр на меди «in folio» (лат. «в лист», т. е. большого формата) в 1677-1683 гг. В гравюрах воспроизведены картины, скульптуры, королевские шпалеры, собрания медалей, монет, камей, виды королевских дворцов и замков. В 1727 и 1734 г. эти серии издавались вновь под названием «Королевский кабинет» (похожая серия создана в 1729-1742 гг. под руководством П. Кроза). Инициативы короля Людовика XIV способствовали формированию художественной коллекции Лувра. В 1662 г. по распоряжению министра Ж.-Б. Кольбера из простой мастерской красильщиков шерсти в предместье Парижа была создана «Королевская мануфактура меблировки», или мануфактура Гобеленов.

Там производились не только тканые ковры - шпалеры, но и мебель, мозаика, изделия из бронзы. С 1664 г. действовала мануфактура Бове, с 1665 г.-Обюссон, с 1624 г.- Савоннери. На рубеже XVII-XVIII вв. французское искусство по впечатлениям современников создавало ощущение «безудержной роскоши и великолепия». Корывердюры и огромные «картинные» гобелены с пышными бордюрами - гирляндами цветов и фруктов, эмблемами и картушами, с вплетенными мерцающими золотыми и серебряными нитями, занимали все стены. Они не только соответствовали характеру интерьеров «Большого стиля», но задавали им тон. Главным художником мануфактуры Гобеленов был Ш. Лебрюн. Самая знаменитая серия шпалер по его картонам - «Месяцы, или королевские замки» (1666), в которой Лебрюн успешно соединил «классический стиль Рафаэля с барочной пышностью Рубенса». С 1668 по 1682 гг. серия из двенадцати ковров повторялась семь раз. Прославились и другие серии, также по картонам Лебрюна, «История Людовика XIV», «Стихии, или Времена Года», «История Александра Македонского». Такого обилия шедевров декоративного искусства Франция еще не знала. Событием в искусстве мебели стали оригинальные произведения выдающегося мастера А.-Ш. Булля. Монументальные шкафы и комоды его работы с бронзовыми золочеными накладками, насыщенной по цвету и текстуре интарсией, соответствовали величию парадных дворцовых интерьеров. В XVII столетии кроме бархата и шелка в моду вошли кружева, они стали обязательной принадлежностью не только женского, но и мужского костюма.

Сначала во Францию ввозились фламандские кружева и венецианский гипюр. В 1665 г. в г. Алансоне была основана мастерская, в которой местных мастериц обучали венецианские кружевницы. Вскоре алансонский гипюр стали называть «point de France» («французский стежок»). Специальным декретом король Людовик обязал своих придворных носить только французские кружева. Они отличались особенно мелким, изысканным узором. Придворным ювелиром Людовика XIV был серебряных дел мастер К. Баллен Первый. Он создал столовые приборы и литую серебряную мебель для Версаля. Эти произведения просуществовали недолго. В 1689 г. в связи в финансовыми трудностями государства король издал «Указ против роскоши» о переплавке всех золотых и серебряных изделий на монеты. Погибло огромное количество уникальных произведений. Но денег королю все равно не хватило и указ был повторен в 1700 г. В результате нанесен огромный урон ювелирному искусству Франции, но одновременно указы способствовали подъему фаянсового произодства в Руане и Мустье. Серебряную посуду должна была заменить фаянсовая. Так возник уникальный «лучистый стиль» росписи руанских фаянсов. Конец XVII в. был также временем расцвета искусства вышивки по шелку. «Большой стиль» эпохи Короля-Солнца создал еще одну французскую традицию. Тон в искусстве стали задавать женщины. Многие оригинальные художественные идеи рождались не у трона, а в Салонах (это слово также появилось в XVII столетии), аристократических гостиных и будуарах фавориток короля: с 1661 г. м-ль де Ла-валльер, в 1668-1678 гг.- Ф. де Монтес-пан. Маркиза Франсуаза Атенаис де Мон-теспан (1641-1707) была представительницей древнейшего аристократического рода. Ее образованности, тонкому вкусу и любви к искусству обязаны своим благополучием многие художники. В 1678 г. внимание короля привлекла Мария Анжелика де Фонтанж (1661-1681). Ее влиянием объясняется появление новых моделей одежды, причесок, украшений. Так, однажды во время королевской охоты у герцогини де Фонтанж развалилась прическа и она перевязала волосы лентой. Король выразил восхищение и вскоре все придворные дамы стали носить прическу «фонтанж» («а 1а Fontanges»).

В 1684 г. после смерти королевы Людовик XIV тайно обвенчался с маркизой Франсуазой де Ментенон (1635-1719). Маркиза отличалась набожностью и с годами все больше подчинялась влиянию своих католических духовников. Через нее церковь решилась обратить Людовика на путь благочестия. Поэтому вся вторая половина царствования была окрашена суровыми тонами и проходила в атмосфере «всеобщего уныния». Считается также, что именно под влиянием набожной католички Ментенон король решился на отмену в 1685 г. Нантского эдикта. Этот эдикт, изданный Генрихом IV еще в 1598 г., гарантировал во Франции свободу вероисповедания. С его отменой значительная часть мастеров-ювелиров, чеканщиков, эмальеров, керамистов, ткачей, бывших протестантами, вынуждена была навсегда покинуть Францию. Переселившись в Германию, Англию, Голландию, Швейцарию, эти мастера внесли существенный вклад в развитие декоративного и прикладного искусства этих стран. После отмены Нантского эдикта замечается спад в художественной жизни Франции. К концу XVII в. «Большой стиль» явно исчерпал свои возможности, «золотой век» французского искусства заканчивался, чтобы уступить место камерному и слегка усталому искусству стиля Регентства начала XVIII столетия. Но именно с XVII в. в Европе начинается распространение идей Классицизма. Эти идеи смогли оформиться в интернациональный художественный стиль лишь с середины XVIII в. Для Франции, после классицистического искусства Ренессанса XVI в. и «Большого стиля» XVII в., это была уже третья волна Классицизма, поэтому художественный стиль французского искусства второй половины XVIII столетия именуется Неоклассицизмом, в то время, как в отношении других европейских стран - просто Классицизмом.

Минимализм

Когда Европе наскучили пышная роскошь барокко, изящество и причудливость рококо, строгие пропорции классицизма, дизайнерская мысль невольно обратилась к Востоку, к культуре древнейшей Страны восходящего солнца с ее простыми, близкими к совершенству формами, пространственной свободой, максимальной функциональностью, мобильностью и философией созерцательности.

По-настоящему открытая европейской цивилизацией сравнительно недавно, Япония все еще остается загадкой, несмотря на то, что со времен Марко Поло о ней много и охотно говорят и пишут. Этой страной восхищаются, ее изучают, ее уникальному опыту пытаются подражать, но считается, что европейцам, никогда не стоявшим на страже каждого сантиметра и не испытывавшим неудобств от излишества вещей, понять ее достаточно сложно.

В архитектуре и дизайне слияние Востока с Западом выплеснулось в минимализм - самый яркий и самый спорный стиль второй половины ХХ в. Минимализм универсален. Пронзительная чистота линий и ясность пространства, уравновешенный, гармоничный интерьер - альтернатива безумному темпу современной жизни, когда так естественно возникает желание расширить границы собственного мира. Мы проходим сквозь сезоны настроений - и пространство, в котором живем, адаптируется, изменяется, отражая наши желания. Мобильность и способность трансформироваться - отличительная черта минимализма. Все просто, четко, и в то же время - это постоянный поиск, возможность выразить свое отношение к жизни в настоящий момент.

Здесь нет места лишним деталям. Одна яркая вещь, вроде бы небрежно брошенная в интерьер, а на самом деле четко уютная и максимально необходимая, способна рассказать больше, чем музейная экспозиция картин на стенах или иные, пусть милые сердцу безделушки (тяжело отказаться от так называемых семи слоников на комоде). Избавляясь от лишних вещей, освобождая себе жизненное пространство, мы одновременно раскрепощаем свой внутренний мир.

Естественная простота, созданная с помощью минимальных средств и созвучная стремлению к душевному покою, внутренней гармонии, - вот сущность минималистского интерьера. Эта простота сродни творческому методу Тициана, который использовал три краски, создавая ими свою цветовую гамму.

Минимализм сложно ограничить определенными канонами, его скорее можно почувствовать, уловить. Однако характерные черты прослеживаются?

Создание интерьера в стиле минимализм подразумевает большую площадь: чем больше пространство, тем проще расставить акценты. При этом могут использоваться как дорогие, так и дешевые отделочные материалы, но сам интерьер всегда будет дорогим, и прежде всего по содержанию - внутренней, скрытой наполненности, где органично сочетаются рассудочная упорядоченность, утонченная чувственность и богемная легкость. Не случайно к этому стилю чаще склонны люди с богатой фантазией.

Пространственная свобода подчеркивается максимальной открытостью корпусной мебели, будь то зонирование пространства стеллажами, гардеробные системы, стеллажи для теле-, видеоаппаратуры или домашней библиотеки. Разноуровневые навесные полки - дерево, прозрачное либо матовое стекло - подняты над низкой базой-основой, которая может просто стоять на полу или возвышаться над уровнем пола на достаточно высоких металлических ножках, что привносит в интерьер легкость, невесомость, некое ощущение полета. Минимум распашных дверей, все элементы выдвигаются: при этом движение по горизонтали и вертикали обуславливается строгой геометрией линий и графичностью интерьера. Стеллажи естественно вписываются в жилую среду и оптически увеличивают помещение, открывая взору пространственную глубину и перспективу.

Один из основных постулатов минимализма - функциональность - проявляется максимально, когда расположенный вдоль стены стеллаж выполняет одновременно роль библиотеки, удобной ниши для телевизора и уютного мини-бара - изобретение дизайнеров итальянской фабрики "Besana". Ее характерной особенностью является новаторство в области дизайна и технологий, при том что фабрика эта - с давними традициями и основана еще в 1903 г.

Уравновешенность минималистского интерьера отражается в цветовой гамме: это черно-белая графика с добавлением ярких пятен локального цвета (например, открытого синего или насыщенного красного) в мебели, текстиле и аксессуарах, пастельные тона и различная фактура деталей. Строгая геометричность композиции прослеживается в гостиных, представленных итальянской группой компаний Feg, Relaxia, Salvarani - Compagnia del Mobile и фабрикой Desiree.

Еще один крупный итальянский концерн, работающий в духе минимализма, - Florida group. Его история началась с создания в 1963 году в небольшом городке Прата фабрики Florida по производству мебельной фурнитуры. После этого компания начала расширяться, и в ее состав постепенно вошли Elve, Poletti&C.SPA, Florida cucine, Leader, объединенные общим подходом к мебели, дизайн которой удивительно соответствует философии минимализма: забота о максимальном комфорте человека, легкость в обращении, многофункциональность в сочетании с новейшими технологиями.

Аксессуары - строго отобранные - несут главную смысловую нагрузку, играя акцентную роль, и служат полному завершению интерьера. Наличие ковра на одноуровневом, ничем не обыгранном полу необязательно, но если таковой присутствует, то он без рисунка, одной текстуры - или с плавным рисунком в противовес выверенной геометрии линий интерьера. Поверхность низкого журнального столика чаще ровная, открытая либо поделена на равные квадраты, которые вместе с витражом из матового стекла поддерживают пространственную композицию. Окна (как правило, с минимумом декора или без него), выполняя прямую функцию источника света, придают прозрачность интерьеру. Они же создают магическую игру полутонов и цветовых пятен.

Имеющий восточные корни минимализм, придя на Запад, смягчился, приобрел европейские черты, позволив себе плавность линий в деталях, что уравновешивает и гармонизирует интерьер. Художественное совершенство этого стиля демонстрируют коллекции немецкой фабрики "Behr". Мастерство изготовления, возведенное в ранг искусства дизайна, в свое время прославило фабрику: первый заметный дизайн-проект, представленный в 1925 г., сразу стал экспонатом Музея "Баухауз" в Берлине.

"Деталь  делает стиль?" - говорил основоположник  другой немецкой фирмы "Moller Design", талантливый дизайнер Фридрих-Вильгельм Меллер. Все элементы интерьера от "Moller Design" удобны, надежны, экологичны и самодостаточны. Силуэты просты, линии лаконичны, детали тщательно проработаны.

Интерьеры, созданные немецкой фабрикой "Interlubke", отличаются подчеркнуто прямыми линиями и углами. Здесь - плоско обработанные поверхности, отсутствие украшений, новаторские сочетания материалов. Эпатажный ультрасовременный дизайн ведущих мастеров фирмы Петера Мали, Дитера Циммера, Зигфрида Бензигера и Дитера Рейнхольда адресован людям с обостренным чувством цвета и стиля, тем, для кого минимализм не мода на стиль, а особая форма жизни, раскрывающая очарование простоты и значительность собственного мировосприятия.

Минимализм - стиль прогрессивный, что подтверждает его возрастающая популярность. Недаром считается, что чаще в таком стиле оформляют дома молодые люди, стремящиеся получить максимум комфорта кратчайшим путем.

Минимализм есть поиск абсолютной формы, движение к совершенству, выраженные простотой линий, аскетизмом цветового решения, однако его сдержанность, лаконичность полны внутренней энергии. Благодаря ему дом становится не консервативной крепостью, а микрокосмом - пространственным и свободным, не боящимся чуждых вторжений. Именно поэтому в последнее время минимализм размывается эклектичными вливаниями из других стилей.

Органический

Время создания с начала XX в.

Органический стиль в архитектуре в основном связан с именем выдающегося американского зодчего Ф. Л. Райта - ученика Л. Салливена. Разделяя рациональные принципы функционализма /научную, гигиеническую и технологическую обоснованность проекта/, он считал столь же существенной эстетику формируемых пространств и объёмов. В качестве ее основы служила органичная связь здания с окружающим ландшафтом, а его оборудования, мебели, утвари - с композицией внутренней среды здания. Естественно такая установка реализуема только при индивидуальном проектировании каждого объекта. За почти 70- летнюю творческую жизнь Ф. Л. Райт построил много выдающихся сооружений различного назначения: многоэтажные офисы, лаборатории, музеи, храмы, частные дома. Принципы органичной архитектуры диктовали Райту применение традиционных материалов /камня, кирпича, дерева/ и совпадение фактур конструкций на фасаде и в интерьере/ например, неоштукатуренной кирпичной кладки/, а наибольшую известность Райту принесли особняки, в композициях которых ему удалось в наибольшей мере реализовать принципы органичной архитектуры. Пространство этих зданий он, как правило, членит на зоны - общую и интимную, причем пространство общей зоны проектирует "перетекающим" без стационарных перегородок между холлом, общей комнатой и столовой. Кроме того, Райт проектирует "перетекающим" внутреннее пространство во внешнее: стены, отделяющие общие комнаты, а иногда и спальни, он проектирует на всю высоту стеклянными, со стеклянными дверьми, ведущими на открытую террасу и в сад. Таким образом, ликвидируется визуальная преграда между внутренним и внешним пространством. В то же время стены, ориентированные в сторону города, он проектирует глухими, либо с узкими ленточными окнами под самым потолком, что позволяет улучшить освещенность, но исключает визуальный контакт с улицей.