Нетрадиционные формы занятий по мировой художественной культуре как способ приобщения обучающихся к современному искусству

Авторы и исследователи концептуального искусства (Эренгросс Б.А., Полевой В.М., Сарабьянов Д.В. и др.) всегда подчеркивают солидность и основательность научной базы, на которой покоится прекрасное здание концептуального направления современного авангарда. Произведения концептуалистов - эти композиции из отдельно взятых бытовых предметов, из нелепых сочетаний этих предметов, сопровождаемых какими-то фразами, текстами, бланками, справками, расписаниями графиками, отдельными буквами, цифрами, эти композиции, акции действующих лиц, производящих нелепые, абсурдные, никак не мотивированные действия - все эти творческие усилия художников авангарда предстают перед зрителем, который пришел увидеть произведения изобразительного искусства. Разумеется, что зритель воспринимает подобный вернисаж как нечто абсурдное, лишенное всякого смысла. Максимальное количество информации содержит максимально неожиданное сообщение. А композиции или акции авангардистов предстают перед нами как совершенно нелепые, совершенно неожиданные, то есть, они должны нести максимум информации. Именно этот фрагмент теории информации используют концептуалисты для подтверждения значительности своего творчества. Авторы и теоретики концептуализма утверждают, что их произведения несут в себе такое обилие значительной информации, что зритель просто не в состоянии подняться до их уровня и усвоить ее.

То есть, даже если в непонятном на первый взгляд сообщении, в бессмысленной композиции, в нелепом действии и есть какая-то внутренняя организация, то все равно эти композиции и эти действия лежат за рамками эстетических явлений. Согласитесь, что это не имеет никакого отношения ни к искусству, ни к художникам, ни к духовной культуре, ни к эстетике, а плоды деятельности подобных авторов не имеют отношения к интересам искусствоведения.

Исследователи творчества мастеров концептуального направления (Р.Дикинс, Ванслов В.В., Колпинский Ю.Д. и др.) поднимают ряд очень интересных вопросов. К ним относятся: проблема включения искусства в общий процесс функционирования культуры; вопрос о причастности к культурному пространству и определение границ “художественного” и “не художественного”; проблема “края” или границы искусства; соотношения между центральным и периферийным в структуре произведения искусства; проблема нацеленности на эстетическое осмысление повседневного; вопрос о создании системы отношений между элементами произведения искусства, произведением искусства и художником, искусством и зрителем и т. д.

Гиперреализм (англ. hyperrealism) - направление в живописи и скульптуре, возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 70-х годов XX в. Другое название гиперреализма - фотореализм.

Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на холсте. Они изображали мир современного города: витрины магазинов и ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на улицах. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств.

Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника.

Кроме этого, посетители выставок этого направления могли встретить в залах человеческие фигуры, выполненные из современных полимерных материалов в натуральную величину, одетые в готовое платье и раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от зрителей. Это вызывало много путаницы и шокировало людей.

Фотореализм поставил своей задачей обострить наше восприятие обыденности, символизировать современную среду, отразить наше время в формах "технических искусств", широко распространившихся именно в нашу эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая авторские эмоции, фотореализм в своих программных работах оказался на границе изобразительного искусства и чуть ее не переступил, потому что стремился соперничать с самой жизнью.

Реди-мейд (англ. ready made - готовый) - один из распространенных приемов современного (авангардистского) искусства, состоящий в том, что предмет промышленного производства вырывается из привычной бытовой обстановки и экспонируется в выставочном зале.

Смысл реди-мейда заключается в следующем: при смене окружения изменяется и восприятие объекта. Зритель видит в предмете, выставленном на подиуме, не утилитарную вещь, а художественный объект, выразительность формы и цвета. Название реди-мейд впервые в 1913 - 1917 годы применил М. Дюшан по отношению к своим "готовым объектам" (расческе, велосипедному колесу, сушилке для бутылок). В 60-х годах реди-мейд получил широкое распространение в различных направлениях авангардистского искусства, особенно в дадаизме.

Инсталляция (от англ. installation - установка) - пространственная композиция, созданная художником из различных элементов - бытовых предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов, текстовой или визуальной информации. Основоположниками инсталляции были дадаист М. Дюшан и сюрреалисты. Создавая необычные сочетания обычных вещей, художник придает им новый символический смысл. Эстетическое содержание инсталляции в игре смысловых значений, которые изменяются в зависимости от того, где находится предмет - в привычном бытовом окружении или в выставочном зале. Инсталляцию создавали многие художники авангарда Р. Раушенберг, Д. Дайн, Г. Юккер, И. Кабаков.

Энвайронмент (англ. environment - окружение, среда) - обширная пространственная композиция, охватывающая зрителя наподобие реального окружения, одна из форм, характерная для авангардистского искусства 60-70-х годов. Энвайронмент натуралистического типа, имитирующий интерьер с фигурами людей, создавали скульптуры Д. Сегал, Э. Кинхольц, К. Олденбург, Д. Хэнсон. Подобные повторения реальности могли включать элементы бредовой фантастики. Другой тип энвайронмента представляет собой игровое пространство, предполагающее определенные действия зрителей.

Хэппенинг (англ. happening - случающееся, происходящее) - разновидность акционизма, наиболее распространенного в авангардистском искусстве 60-70-х годов. Хэппенинг развивается как событие, скорее спровоцированное, чем организованное, однако инициаторы действия обязательно вовлекают в него и зрителей. Хэппенинг возник в конце 50-х годов как форма театра. В дальнейшем организацией хэппенинга чаще всего непосредственно в городской среде или на природе занимаются художники.

Они рассматривают эту форму как род движущегося произведения, в котором окружающая среда, предметы играют не меньшую роль, чем живые участники акции.

Долгое время фотография не считалась видом искусства, пока не возникло понятие «художественная фотография». В понимании сути фотографии как вида художественного творчества сегодня нередко звучат сходные рассуждения: для того чтобы фотохудожник мог выразить свой внутренний мир, необходимо непременно деформировать получаемый с помощью аппарата объективный, подлинный слепок действительности. Сайт придерживается противоположного взгляда в оценке фотографии.

Долгое время за фотографией не признавалось право на эстетическое творчество. Художники и искусствоведы минувшего века рассматривали светопись как механическую копию действительности, способную быть разве что суррогатом живописи. Для того чтобы хоть как-то преодолеть бездушие технического средства — фотоаппарата, многие фотографы прошлого тратили немало сил и воображения, создавая снимок неадекватный фиксируемой натуре. Они широко использовали монтаж и печать с нескольких негативов, колдовали с кистью в руках над отделкой отпечатка, сочиняли и ставили, подобно театральным режиссерам, сцены на мифологические сюжеты.

 Две тенденции в истории  фотографии, которые современный  исследователь назвал бы реалистической и формотворческой, определились в данное время с максимальной полнотой и ясностью.

Особое место и значение фотографии в художественной культуре связано с технической, научной сущностью фотографии. Важнейшим свойством фотографии является её достоверность, подлинность запечатлённых событий. Одновременно с этим, изображение, как и в живописи или рисунке, несёт в себе художественное обобщение, раскрытие внутреннего смысла показанной ситуации, характер изображаемого человека и многое другое.

По сути своей, фотограф является художником, располагающим определёнными «красками» — фототехникой и фотоматериалами. Таким образом, можно констатировать факт появления новых форм творческой деятельности человека, которые связаны не только с созданием произведением искусства с помощью традиционных художественных материалов.

Охватить в подробностях всю картину развития многочисленных художественных направлений 20- начала 21 в.в. очень трудно. Многие авторы либо избегают подробно размышлять на эту тему, либо высказывают различные точки зрения. Более подробная информация о направлениях в современном искусстве описана в Приложении №   .

В настоящее время очень трудно, даже специалистам в области искусствоведения, определить свое целостное и общее для всех отношение к развитию современного искусства, классифицировать его направления. Насколько важным при решении этой проблемы может быть приобщение обучающихся к современным тенденциям развития искусства и формирования его направлений. Большая роль в этом принадлежит преподавателям интегративной дисциплины «Мировая художественная культура», которая реализуется педагогами в образовательных учреждениях на основе предлагаемых концепций и программ. Каковы актуальные подходы  при знакомстве обучающихся с этим периодом  необходимо знать и учитывать учителю мировой художественной культуры при подготовке и проведении занятий.

1.2. Актуальные  подходы  к приобщению к современному искусству         обучающихся на занятиях  мировой художественной культуры                         в образовательных учреждениях.

Приступая к изучению нового предмета, преподаватель всегда, хотя бы мысленно, отвечает на три основополагающих вопроса: что он предлагает своим ученикам или что является предметом изучения, зачем этот предмет будет изучаться, то есть, каковы цели, задачи и значение учебного курса; как следует изучать данный учебный предмет, то есть,  как будет организован процесс обучения, каковы его формы и методы. Но ответы на эти вопросы будут зависеть от того, какова будет основополагающая база преподаваемого предмета, то есть концепция и программа, на которые будет ориентироваться учитель. Если 20 веке четко были определены авторы, по программам которых реализовывалось содержание образовательных дисциплин, то в настоящее время по каждому предмету существует многообразие представляемых концепций, выбор которых зависит от образовательного учреждения, предпочтений самого педагога, который может выбрать как одну из существующих программ, так и реализовывать компилятивную или авторскую программу. Такова участь и предмета «Мировая художественная культура», имеющего интегративный характер и реализуемого в образовательных учреждениях в зависимости от выбранной программы на разных возрастных уровнях: 5-9 классы, 6-9 классы, 8-9 классы, 10- 11 классы и т.д.

О каком школьном предмете сами ученики говорят, что его надо изучать больше? Этот универсальный предмет, который развивает и кругозор, и мышление, и творческие способности – мировая художественная культура. Но  учебные  планы образовательных учреждений заботятся, в основном, об умственном развитии ребенка. Физика, математика,  химия , русский язык, иностранный язык считаются более важными для подрастающего поколения, чем все ценности, которые накопило человечество за тысячелетия своего существования. 

Учебный курс «Мировая художественная культура» включен в учебные планы общеобразовательных школ, учреждений дополнительного художественно- эстетического образования, ВУЗов страны совсем недавно.

Прежде всего, необходимо разобраться в самом предмете преподавания, так как каждое слово, входящее в название курса, вызывает множество вопросов и требует разъяснения. Понятие «культура» столь многозначно, что трудно назвать даже количество ныне существующих его толкований, а определение «мировая» делает предмет изучения безграничным.

В современной культурологической науке далеко не завершены споры вокруг различных подходов к анализу истории и теории художественной культуры, ее периодизации и хронологии, к содержанию отдельных понятий и терминов.  Наиболее дискуссионными являются  вопросы современного искусства.

Приобщение обучающихся к современному искусству должно начинаться в зависимости от уровня их подготовки. Особенность работы на данном этапе осложняется тем, что, прежде всего, необходимо компенсировать недостатки гуманитарной подготовки. Без этого само освоение основ художественной культуры будет невозможным.

Новая концепция школьного образования предлагает такой блок предметов эстетического цикла: Музыка, Изобразительное искусство и Мировая художественная культура. Причем, сейчас МХК для многих старшеклассников – единственная возможность общения с искусством. Согласно статистике, почти для всех школьников (98,5%) [30, С.25] этот урок в школе является «последним терминалом», где ребенок имеет возможность получить представление о культуре и искусстве в систематическом виде под руководством педагога.

К настоящему времени разработаны, опубликованы и реализуются на практике разнообразные концепции преподавания мировой художественной культуры, в которых вопросам изучения периода в развитии искусства, которое мы можем называть современным, отводится неодинаковое внимание. Рассмотрим некоторые из них.

Лия Михайловна Предтеченская – родоначальница предмета «Мировая художественная культура » [26, С.8], разработала программу, предназначенную для учащихся 9 - 11 классов средних общеобразовательных учреждений. В основу программы положена «типологическая модель» предмета, интерпретирующая мировую художественную культуру не как комплексную историю искусств, а как специфическую форму познания «картины мира и человека». Программа рассчитана на три года обучения и состоит из семи разделов, логически взаимосвязанных друг с другом. В то же время каждый из этих разделов самостоятелен и представляет собой единое целое.